Der Künstler als Kritiker

Künstler in der Rolle des Kritikers

2012-01-16T20:05:00.001+01:00

Kunst lebt heute ausschliesslich durch das Spiel in
experimentellen Feldern (Fotografie oben: „Zoning“,
Carsten Reinhold Schulz 2009, Adhesive tape on ping-pong tables
in open space, part of the installation, Daun / Eifel)

Gesucht: bildende Künstler in der Rolle des Kritikers

Es wäre toll, wenn möglichst viele Künstler und Kunstgruppen
im In- oder Ausland von diesem Projekt erfahren, um daran teilnehmen
zu können.
Von September 2009 bis Januar 2012 hatte ich selbst meine Rolle als
Künstler mit der eines Kritikersgetauscht.

Nun möchte ich in der zweiten Projekt-Phase alle professionell
arbeitenden nationalen und internationalen Künstler aufrufen,
ihre Rolle ebenfalls kurzfristig zu tauschen und eigene Kritiken
zu Ausstellungen, zur Kunstentwicklung, zu Kunstmessen oder
anderen kulturell relevanten Themen zu verfassen.
Diese werden im Blog und später in einem Buch/Hörbuch
- mit Ihrem Namen und dem Tätigkeitsfeld - für den Buchhandel
veröffentlicht.

Wie macht man mit?
Einfach eine maximal DIN A 4 lange Kunstkritik einsenden.
Wahlweise ein selbstgemachtes Foto von sich oder oder dem Thema
anhängen und an den Blog senden unter folgender e-mail Adresse:

mail@carstenreinholdschulz.de

Wir freuen uns auf viele Einsendungen.

Diese Aktion schliesst an die von der Goethe-Zentrale und etlicher ihrer Institute
unterstützte CULTURWERT:SAMMLUNG von 1994 zur Funktion des Künstlers an.
Dankeschön für ersten Support: Frau Petra Gieler, BBK NRW, Herr Reinhard Hennig, BBK Köln

Keine Angst, ich bin nur Deutscher ...

2011-12-19T23:03:00.000+01:00

„Keine Angst, ich bin nur Deutscher ...“, 2011
DAS ZWEITE FELD | Songs from Zonderland

Danke an: alex, axel, brigit, brita, christiane, dagmar, eva, franklin, gabi, hakan, petra h., janet, joel, josé, karin, katja, Kristiane, lis, lulu, maria, markus, joey, olaf, patrick, peter, petra a., rainer, rosa, silja, steffi, walter, zoey.

© Carsten Reinhold Schulz, Düsseldorf-Flingern, 2009

Alle Ziele: Kuznetcowa/Edisherov in Viersen

2011-12-12T22:20:00.003+01:00

Alle Ziele: Kuznetcowa und Edisherov in Viersen

Mit einer denkwürdigen Ausstellung schließt das diesjährige Kunst-Stipendium der Stadt Viersen. Unter dem etwas holprigen Namen Kunstgenerator und mit symphatischer Unterstützung der örtlichen Energieversorger wird es regelmäßig vergeben. Wo Firmensponsoring bei großstädtischen Museumsprojekten wie eine vorwitzige Okkupation aller guten Ziele wirkt, kann man das beim Kunstauftritt kleinerer Kommunen als sinnvoll akzeptieren: vor allem wenn, wie in diesem Fall, tatsächlich Mut und Größe gezeigt wird. Die Viersener 2011er Stipendiatin Katherina Kutznetcowa hat nach ihrer Meisterschülerschaft in Münster zurecht bereits verschiedene Stipendien und Preise erhalten, u.a. der Cité des Beaux Arts in Paris. Auch die spektakuläre Gestaltung des Wewerka-Pavillons oder des Kunstvereins Recklinghausen sind in bleibender Erinnerung. Die Ausstellung in der Viersener Städtischen Galerie im Park ist, wie so oft, mit ihrem Kunstpartner und Ehemann Alexander Edisherov erarbeitet und umgesetzt worden. Die beiden vereint neben der Parterschaft eine bestechend klare künstlerische Haltung.
Taghell
In den unteren Räumen der Galerie (siehe Bild oben) ist beeindruckend nachzuvollziehen, wie man eine taghelle Raumsituation mit scheinbar einfachen Mitteln vielschichtig öffnet, indem man etwas verschliesst. Das scheinbare Verstellen des Durchgangs löst dabei Begrifflichkeiten genauso auf, wie es neue Situationen herstellt, die mit Spiegelung oder räumlichem Gleichgewicht zu tun haben. Ein trennendes Element, das eine erneuerte Verbindung erst möglich macht. Dieser Tisch ist nicht nur ein architektonisches Angebot oder Symbol für ein Gespräch, sondern auch eine glänzende Plattform für Perspektive und Duplizität. Ein guter Ausgangspunkt, um den Umgang der Künstler mit der, ein Residenz-Stipendium vergebenden Stadt, genaueren Blicken zu unterziehen. Kuznetcowa und Edisherov sind in der Lage, durch ihren traumwandlerisch sicheren Umgang mit reduzierten, gesellschaftlich als einfach definierten Materialien, auf jede künstlerische Herausforderung überzeugend zu reagieren.
Flüchtig-aktiv
Das zeigt sich deutlich, teilweise dramatischer, ebenfalls in den oberen Räumen der Galerie.
Hat man als Betrachter im unteren Ausstellungsbereich eher das Gefühl formaler Beobachter zu sein, ist man durch die Dunkelheit bereits innerhalb der Arbeit, man ist schneller ein Teil von ihr, durch die gespiegelte Projektion sogar ein flüchtig- aktiver Teil. Es wandelt sich diese Installation mit Spiegel, Projektor und Obstkisten, die offensichtliche Trennung des Raums wiederum zur Öffnung desselben in verschiedene, teilweise poetische Schichten und Abbildungen.
Die zusätzlich gezeigten Fotoarbeiten machen Bezüge zu Viersen deutlich oder bezeugen Aktionen im öffentlichen Raum der Stadt.

Der schön gemachte Katalog läßt glücklicherweise umfassende Einsichten in die bisherigen Arbeiten des Künstlerpaars zu. Eine solche kuratorische Betreuung ist heutzutage leider nicht mehr selbstverständlich und ist daher besonders hervorzuheben.
Eine lohnenswerte Ausstellung. Hingehen.

Katerina Kuznetcowa | Alexander Edisherov
Vom 11.12.2011-22.01.2012
Städtische Galerie im Park
Viersen

Text und Image © Carsten Reinhold Schulz, 12.2011

Chto Delat, Kunsthalle Baden-Baden, eine Überraschung.

2011-12-08T21:01:00.002+01:00

Künstler, Kritiker, Philosophen und Schriftsteller in einer Gruppe.

Das Plakat zur Ausstellung
macht so gar keine Lust in die Baden-Badener Kunsthalle hinein zu gehen. Die sub-line „Das Lehrstück vom Un-Einverständnis“ macht den Wunsch nach Kunst ebenfalls nicht wirklich drängender. Aber natürlich bin ich dennoch die Treppen hinaufgestiegen, habe eine Eintrittskarte für die Kunsthalle gekauft und eine Zusatzkarte für die Besichtigung der Anselm Kiefer Bilder im angrenzenden Burda-Museum mit Vehemenz abgelehnt. Das Café im Foyer war voll, die Ausstellungsräume leer, bereits das hat mir gut gefallen. Ich habe es später als Zeichen gewertet, das alle Café-Besucher tatsächlich an ihren Tischen gesessen haben könnten, um über die Ausstellung zu diskutieren. Ich hoffe stets.

Chto Delat bedeutet „Was tun?"
und ist zudem programmatischer Name einer in Russland zu verortenden Gruppe, die aus Künstlern, Kritikern, Philosophen und Schriftstellern besteht. Eine Verbindung die geradezu grossartig ist und die – mehr als aktuell – einen Weg gefunden zu haben scheint, menschliche und politische Erfordernisse mit vereinten Kräften in reflektierende und schöne Bilder, Sprache und Musik umsetzbar zu machen. Hier wird für mich eine Idee sichtbar, die als gesellschaftlich relevante Kunst Massstäbe setzen kann. Hier ist politische Kunst zu sehen und zu bestaunen, die diesen Namen tatsächlich und endlich verdient.

Solidarität und Kunst
Die Themen und Umsetzungen sind nicht nur mutig, weil sie im Zusammenhang mit einem Land stehen, das für seine unmenschliche Radikalität im Umgang mit Andersdekenden hinlänglich bekannt ist, sondern weil die Menschen um Chto Delat endlich den Begriff der Kunst in einem solidarischen Sinne begreifen wollen. Die Gruppe integriert in allem Tun eine, nicht nur von mir, lange geforderte Verantwortlichkeit und verwandelt sie in ästhetische Antworten, neue Diskussionsansätze und tatsächliche Schönheit.
Wenn einige der ausgestellten Objekte, wie zum Beispiel die Fahnen, zu Anfangs ein wenig gestrig anmuten, sieht man sich durch die nahezu perfekte Ausstellungskoordination und die Wahl der Materialien mit einfachen Mitteln in ein sinnvolles Ganzes versetzt.

Eine schöne Erfahrung.
Für mich ist die Ausstellung eine grosse, wunderbare Überraschung, die Mut macht.
Sie weist in Ihrer Komplexität weit über die im Ausstellungs-Flyer angedeuteten Reflektionen mit der russischen Geschichte oder dem Marxismus hinaus.
In Baden-Baden ist eine Chance für die Kunst des 21. Jahrhunderts zu sehen.
Auf jeden Fall hingehen.
Sehr empfehlenswert.

„Chto Delat“, bis 12.02.2012
Staatliche Kunsthalle Baden-Baden
Lichtenthaler Allee 8 A
76530 Baden-Baden

Text und Image © crschulz, 12.2011

Am Mahnmal der unbekannten Freiwilligen: Vorlesefest 2011

2011-11-23T23:16:00.004+01:00

Lesen mit Hut und schönem Licht. (Foto © Carsten Reinhold Schulz, 2010)

Ein Vorlese-Fest ist phantastisch. Ich habe bestimmt nichts daran auszusetzen. Erfunden wurde es, um Lust aufs Lesen zu machen und damit diejenigen zu erreichen und in möglichst große Bildungsnähe zu rücken, die ansonsten keine solche Förderung erhalten können. Dieser Ansatz wird umgesetzt durch ehrenamtliche Vorlese-Paten, die in Kindergärten, Schulen, Kindertagesstätten oder Büchereien zumeist Kindern vorlesen sollen. Solch ein Pate wollte ich gern werden. Beim Vorlesetag 2011 in Düsseldorf.
Da meine eigenen Kinder in der Pubertät sind und mittlerweile eher selten nach ihrem Vater als Vorleser rufen, habe ich mich entschlossen einem Zeitungsaufruf der „www.leseban.de“ zu folgen. Eine Kindertagesstätte in Düsseldorf-Bilk wurde mir zugewiesen, der Kontakt angebahnt, eine Zeit ausgemacht. Die stellvertretende Kitaleitung empfahl das Vorlesen von Märchen, die ich mir selbst aussuchen sollte und nach einigen Fotokopien und Lesetests in meinem Büro, bezüglich der Dauer des Lesens, war ich bereit in zwei Kinder-Gruppen zu lesen. Jeweils eine halbe Stunde vor Kindern, die bekanntlich eine der schwierigsten, aber auch dankbarsten Zuhörergruppen darstellen.
Die erste Gruppe war schlichtweg eine Katastrophe, plötzlich auftauchende, gefühlt Zweijährige, frisch mit Adrenalin aus dem Gymnastikraum versorgt, sangen und riefen und spielten, alle ruhigen Kinder hatten keine Chance zuzuhören, meine hilflosen pädagogischen Versuche unterbrachen eigentlich nur das Lesen selbst und zerstörten die Konzentrationsversuche der sechs bis sieben Kinder, die sich auf das Vorlesen gefreut hatten. Keine Fachkräfte in Sicht – sie waren vermutlich froh durch den Vorleser mal ein bisschen Ruhe geniessen zu können.
Mein durchaus engagiertes Vorlesen (ich habe ein wenig professionelle Erfahrung darin) mußte ich nach zwanzig Minuten leider abbrechen. Ich konnte mich selbst nicht mehr verstehen. Vielleicht war zusätzlich der Text zu lang oder Andersen Märchen gehen gar nicht. Die Zuhörer-Kinder waren von den Lärm-Kindern entnervt, schrien und balgten sich aus Frust, ließen die kleinen Fäuste sprechen. Die erste Gruppe war insgesamt deprimierend.
Die zweite Gruppe, eine Etage weiter oben, war das genaue Gegenteil dieser Erfahrung. Keines der Kinder hier hatte Salzsäure gegessen, nein, sie saßen entspannt im Kreis und hörten sich mein Scheeweisschen und Rosenrot bis zum glänzenden Ende an. Einige lachten sich schlapp, als ich dem besonders bösartigen Zwerg eine verzerrte Stimme lieh und alle zeigten die verständliche Genugtuung über den Ausgang der Verwunschenheit. Das zu sehen hat logischerweise Freude gemacht. Es ist ein schönes Geschenk.
Im Gespräch mit der sehr netten KiTa Leitung stellte sich später heraus, daß sowieso eine Vorleserin regelmäßig die Einrichtung besucht und eigentlich kein Engpass an Leseaktionen zu verzeichnen war. Ich dachte eigentlich, Kinder denen kaum vorgelesen wird, erhalten durch den Vorlesetag einen neuen oder gar ersten Zugang zu passender Lektüre? Weit gefehlt. Das Programmheft wies zumeist offenbar prominente Vorleser und die Präsentation ihrer eigenen Bücher aus, die üblichen Schriftsteller des Umkreises hatten ihr Forum, die Büchereien auch und der türkische Konsul ließ es sich nicht nehmen etwas für den Nachwuchs vorzulesen. Das sieht politisch sogar besser aus, als Kinder auf den Arm zu nehmen. Die nette Frau Grimmepreis Westermann von WDR „Zimmer frei“ las aus ihren Büchern vor, die städtische Unternehmerschaft hatte als Initiatorin des Vorlesefestes dazu, zu eindringlichen bis eigentümlichen Selbstdarstellungen lokaler Autoren und zu spätem Fingerfood ins Hotel Maritim geladen. Alles wirkte wunderbar vertraut. Was habe ich medial später noch vom Lesefest gehört? Ein Werbebüro aus Frankfurt, oder war es Stuttgart, konnte eine von seinem Büro entwickelte Lesebox im Rathaus installieren, um damit für sich und – natürlich – die Kinderförderung und das Lesefest zu werben. Der Hinweis auf die Serienreife der Box fehlte meines Wissens nicht. Tue Gutes und lass davon sprechen. Das ist überall Usus. Daran ist wohl nichts auszusetzen.
Als Lesender hätte ich gerne einige Erfahrungen ausgetauscht mit anderen Vorlesepaten.
Eine Liste dieser ehrenamtlichen Hundertschaften ist auf der Homepage des Lesefestes nicht zu finden. Ein Hinweis auch nicht.
Nicht schlimm. Aber ein wenig mehr Stil würde mir persönlich Freude machen.
Immerhin geht es um Literatur ...

Carsten Reinhold Schulz
„Der Künstler als Kritiker“

Kultur und Terrorismusbekämpfung: ein Schadensfall.

2011-11-03T20:34:00.011+01:00

Aus kulturell interessierter Sicht gibt es gute Gründe, auf die schleichend anmutende Einengung der vom Grundgesetz als unantastbar klassifizierten Begriffe der freien Meinungsäußerung näher einzugehen. Die im Internet vielfach anzutreffenden, eher zweifelhaften Elaborate zum soeben erneuerten Terror-Bekämpfungs-Ergänzungs-Gesetz, z.B. in Diskussionsforen rechter Nationalisten wie auch in denen linker Verschwörungstheoretiker, sollten nicht davon abhalten, die Stimme als Demokrat kritisch zu erheben.

Gegen ein Klima beginnender Angst

Die Vorstellung, das weitgehend unkontrolliert, bisher strikt von der Exekutive getrennte Geheimdienste durch neue Befugnisse Möglichkeiten einer Geheimpolizei erhalten könnten, dürfte für Bürger ebenso beunruhigend sein, wie es für den Freiburger Staatsrechtler Ralf Poscher der ominöse Begriff des „Aufstachelns“ ist. Im Regierungsentwurf soll es durch diese Wortfindung möglich sein, kritische journalistische Äußerungen, wie es das einfache Befürworten einer Sitzblockade in einem Artikel oder Blog sein könnte, zu erfassen und damit faktisch zu kriminalisieren. Selbst wenn sich vorerst keine direkten Strafen ergeben, schaffen solche Formen der Kontrolle ein beginnendes Klima der Angst. Wer das Rückgrat der meisten Menschen einmal aus eigener Anschauung heraus kennengelernt hat, dem dürfte klar sein, welche rigiden Formen gesellschaftlicher Selbstkontrolle mit Angst zu erreichen sind.

Da kann es niemanden beruhigen, dass die Regierung einen weisen Umgang mit dem Gesetz anmahnt.
Es gibt keine harmlose Unterdrückung
Gerade für Deutsche dürften die 1933 plakatierten Thesen zur infamen „Sammlung des zersetzenden Schrifttums“, anklingen. Dort stand geschrieben, heute eigentlich undenkbar: „Der Deutsche, der deutsch schreibt, aber undeutsch denkt, ist ein Verräter.“ Sollte in Zukunft das positive Bewerten von Sitzblockaden wieder ein verräterischer Akt gegen Deutschland sein? Vergleiche wie diese können verdeutlichen, wie dünn die Grenze zur Kulturlosigkeit ist. Wie wir alle wissen könnten, waren die Folgen der Thesen nicht nur das Schweigen freier Kunst, sondern eine Flut kulturschaffender Exilanten und der Horror rechter Nazihorden.

Sobald man beginnt Kontrolle über die Denk-, Meinungs- oder Anschauungsprozesse von Menschen erhalten zu wollen, beginnt der Prozess der Unterdrückung, ja, der versuchten Unterwerfung. Dass heutzutage in demokratische Findungsprozesse eingebundene, harmlos wirkende Veränderungsabsichten als Salamitaktik daherkommen, kann nicht mehr wundern. Genau für diese Technik der Verschleierung haben japanische Behörden, die sich bis heute alle Mühe geben den Skandal von Fukushima zu vertuschen, einen internationalen Preis für herausragende öffentliche Berichterstattung erhalten ...

Solidarität gegen Kulturlosigkeit

Einer Äquivalenz folgend, wird man bei den im erweiterten TBE-Gesetz angedeuteten Aushöhlungen von Grundrechten, an die notstandsähnlichen Zustände während der innerdeutschen Terrorismusbekämpfung in den 1970er Jahren erinnert. Sie führte zu kräftiger Aufrüstung in den Waffenarsenalen der Polizeikräfte und den Organen der inneren Sicherheit. Dieses, damals vom Terrorismus gewünschte Verhalten des Staates, wurde mit seiner Entlarvung als militaristischem Unrechtsstaat gleichgesetzt: ein Teufelskreis entstand. Der Effekt tritt seit geraumer Zeit praktisch deckungsgleich im „Nach-Nine-Eleven“ Zeitalter ein.

Jedes, die Grundrechte einschränkende Gesetz, spielt demnach den Falken im Staat, den Extremisten und Kulturlosen in die Hände. Gesetze nämlich, zur Verhinderung von Straftaten gegen Demokratien, sind selbstverständlich notwendig. Das kann von niemandem bestritten werden, der den fünften Artikel des Grundgesetzes jemals gelesen hat. Das Recht der freien Lehre gerät auch dort an Grenzen, wo sie den Boden des Verfassungsmäßigen verlässt.

Sobald Regierungen jedoch beginnen, Grundrechte in Abrede zu stellen, um mit solchem Reglement angeblich die Freiheiten der Demokratie zu schützen, ist nicht nur starke Vorsicht geboten: dann ist bereits die Solidarität der Menschen gefordert. Eine menschliche Solidarität, die sich gegen Anfänge sich durchsetzender Kulturlosigkeit wehren kann.

Zwischen Reaktion und kultureller Bewegung

Politik setzt die erschaffenen Maßstäbe der menschlichen Freiheiten, Rechte und Pflichten formal ein und garantiert sie. Sie darf auf keinen Fall, demokratische Auseinandersetzungen oder Entwicklungen gegen die Demokratie selbst richten. Das nannte man früher wie heute reaktionär. Damit steht sie Entwicklungen der Zukunft und der Kultur feindlich gegenüber. Es deutet zudem auf ein eingetretenes Verständnisproblem bei Volk und Regierung hin, die damit begonnen zu haben scheint, sich als Machtapparat vom Souverän zu entfernen. Zugesicherte Menschenrechte und Freiheiten, wie die Freiheit der Meinungsäußerung und die Freiheit der Kunst, werden mit den erneut vorgelegten und erweiterten Gesetzen zur Terrorbekämpfung und den entsprechenden gesetzlichen Begleittexten, durch eine undurchsichtig bis teildemokratisch agierende Bundesregierung in Frage gestellt. So sind jene bereits erwähnten, die Gesetzesverlängerung begleitenden kryptischen Äußerungen zum Thema „Aufstacheln“ gegen den Staat bestimmt nicht geeignet das Vertrauen in unsere Regierungen zu revitalisieren. Ebenso wenig machen unter den Teppich gekehrte Entdeckungen über das Gremium der sogenannten „Neun“, das offenbar von niemandem legitimierte Entscheidungsbefugnisse besessen hat, wirklich Mut. Auch wenn das Geheimgremium dankenswerterweise soeben vom Bundesverfassungsgericht gestoppt wurde. Wer denkt sich so etwas gefährliches aus und kommt damit durch? Damit eine Demokratie funktionieren kann, darf sie – man traut sich kaum es zu sagen – nicht einmal kurzfristig außer Kraft gesetzt werden. An diesem Punkt scheidet uns offenbar die Macht die wir riefen.
Kontrollwahn als Ratlosigkeit der Macht

Die Liste der Länder, die in Zeiten unsicherer politischer Machtverhältnisse, über den Weg der Einschränkung und Manipulation meinungsoffener Kultur, nach neuer Stabilität streben, dürfte lang sein. So zeigen sich derzeit in Ungarn merkwürdige Verflechtungen von nationaler Überheblichkeit und einer ebenso interpretierten Freiheit der Meinung und der Kunst. Aus ähnlichem Holz geschnitzt sind die vor einigen Jahren nachgewiesenen Eingriffe der US Regierung, die gegen Zahlungen von Millionenbeträgen mit redaktionellen Berichten in irakischen Zeitungen die Öffentlichkeit lenken wollten. Wir denken mit Unbehagen an die Verwicklungen der Murdoch-Presse mit dem Regierungsviertel Londons oder die Verheiratung Italiens mit der Presse durch Berlusconi. Angstvoll blickt man nach Russland, wo mutige Journalisten von stillen Kräften nicht nur mundtot gemacht werden. Selbstverständlich zeigen solche Sachverhalte und die überregulierenden Gesetzgebungen eine gewisse Ratlosigkeit der Macht. Sie hat dazu geführt, den Souverän selbst als ein mögliches Problem anzusehen. Dies ist die eigentliche Crux. Nach fünfzig Jahren überbordender deutscher Gesetzgebung für alle Fälle, ist für die neuen Technokraten der Demokratie vermutlich kaum noch vorstellbar, das nur eine Hinwendung zu den Wünschen der Menschen und die unbedingte Durchsetzung einer nachvollziehbaren, offenen Demokratie, Perspektive und Gebot der Stunde sein kann. Auf keinen Fall ist es die weitere Einschränkung der Menschheit durch immer engmaschigere, alle Eventualitäten einschließende Gesetzesvorgaben.

Es muss weiterhin möglich sein, einen Staat, der sich von seinen demokratischen Grundsätzen entfernt, als einen solchen zu bezeichnen.

Das gilt für die Kunst, das gilt für die Presse und für jeden einzelnen Menschen sowieso. Gesellschaftliche, kritische Auseinandersetzungen bleiben demokratische Notwendigkeiten und dürfen nicht einem angstvollen Kontrollwahn geopfert werden.

Carsten Reinhold Schulz, Düsseldorf
Das zweite Feld der Kunst

Internationale Briefe an das zweite Feld: Teil 3

2011-11-01T13:23:00.000+01:00

Hola, Tussis. Again the I-write.
Finally dem Flieger aus la Suisse.
Where totally flink mountains?
Städtchen of tiny lights. Tock-tock talk.
Absolut white for no one Gebrauch.
Klasse Versuch der kleines triggerfahrt.
Fun und Lachen überall gemacht gehört.
Kleines land aber no maximum heat.
Sind die Liebes but ohne exciting Aufruhr.
Anything, no Räumung, keine Kraken, show me!
See and mère. Toujours la même.
Allways allem das Diner in time.
Nu hebben we een question of democracy,
null-null dime is no fun und
flitter stolas zijn just petit vegetables.
Like ein fettig Kästchen cucumber.
Das is Youth abzocken die Haut.
Wie snake on the chaussures.
To be: ableben and anleben people!
Die whole sind feel-sorrow adults ohne Schmerz.
Lines over and over and over and out.
Niemand denken an Haare and Griessbags.
Alle Sin beer-craquelage.
Und nobody is listening mehr to Radio-Stadt.
Die dunklen homes zijn verkocht
Heavy verpufft in atmosphere
So als letzte bomb from shelter geht
im Orkus of general time.
Erkenne maintenant die sour
mit alles die Plage heads
because niemand nomore beachtet die Dylan shirts.
Nylon shoes sind die Arms zum kommen.
Be honey! So ist. Couchon the nose AND rump.
Süsses Herz: sonst gut living Blue Bayou?
Encore gaan we gezellig Coffee-shop?
Heavy waiting dafür to see you mit Bird.
Was kommt now, shit?
The light and mantel-sharing Aktion ahead.
Verrückte, crazy Christian-Menschen.
Nix teilen die Energy platforms.
No more we can. More. Tin can.
Tin-can!

Auszug aus:
„Internationale Briefe an das zweite Feld“,
Songs, Texte, Briefe.
© carsten reinhold schulz 01.11.2011 Düsseldorf

Occupy Wall Street, Occupy Düsseldorf: it's 2011

2011-10-26T15:20:00.003+02:00

Gebraucht werden u.a.: Kordel, Kisten, Kaffe, Schnüre, Gemüse, Margarine und Feuerlöscher

Occupy Düsseldorf an der Johanneskirche am Tausendfüssler

Symphatisch: „Echte Demokratie jetzt“ und ein nur lapidar scheinendes „Mitmachen“– so steht es u.a. auf den selbstgemalten Pappschildern und Spruchbändern der Occupy-Düsseldorf Gruppe, die jetzt im Schatten von Tausendfüssler und Johanneskirche ihre Zelte aufgeschlagen hat. Jeden Tag um 19.00 Uhr ist eine Vollversammlung einberufen, an der teilnehmen kann, wer sich für grundlegende Veränderungen in Punkto finanzielles und demokratisches Missmanagement in unserer Gesellschaft interessiert. Mehr noch als Interesse ist natürlich aktives Mitmachen und Unterstützung erwünscht und gefordert. Denn, daß die innige Verflechtung unseres Staats- und Bankensystems nachhaltig negative Folgen zeitigen wird, muss nicht mehr speziell betont werden. Es dürfte im Interesse jeder Bevölkerung sein, von Regierungen geleitet zu werden, die im Sinne der wirklichen Wünsche und Ängste der Menschen handeln und die nicht die ihnen anvertrauten Steuergelder nutzt, um missratene Machtinteressen und rücksichtslose Spekulationsgeschäfte der Finanzwelt auszubügeln.
Wie es auf den Plakaten an der Wand der Johanneskirche zu lesen ist, werden neben der wichtigen öffentlichen Unterstützung derzeit noch gebraucht: Kordel, Kisten, Kaffe, Schnüre, Gemüse, Margarine und Feuerlöscher.
Hingehen.

Carsten Reinhold Schulz und
Das Zweite Feld der Kunst

„Nie wieder störungsfrei“. Das Ludwig Forum.

2011-10-24T11:40:00.003+02:00

    Es ist ein beeindruckender Titel, den das Aachener Forum Ludwig zu Recht vor sich hertragen darf. Somit zeigt das erste deutsche Museum für aktuelle Kunst zum Abschluss seiner Jubiläumspräsentationen schlüssig seinen eigenen Beginn. Die riesige Sammlung des Sammlerpaars Ludwig ist mit der allerorten gerne beschworenen Aufbruchstimmung der 1960er Jahre in Aachen eng verbunden und hat dort gerne Ihren Ursprung. Der hochaktuelle, animierende Satz Ludwigs, das Museen stets „ohne Furcht“ agieren sollten, wurde bei der Eröffnungsrede von Stadtdirektor Wolfgang Rombey zitiert und konnte in Zeiten kultureller Ziellosigkeit der öffentlichen Hand ein wenig der alten Hoffnung in die Gesichter der zahlreich anwesenden Gäste und Zeitzeugen zwingen.
Die sehr breit gefasste, beinahe wild gemischte Ausstellung kann schon beim ersten Durchschlendern der Räume mit etlichen interessanten und überzeugenden Einzelarbeiten auffallen. Rosenquist, Ramos, Filliou und Spoerri, irgendwie sind wir ja alle mal Avantgarde.
Die Mischung der Werke zeigt jedoch präziser worum es in der Schau geht, als es das Bild der Einladungskarte mit einem entwaffnend blutenden und zielstrebig blickenden Beuys vermag.
Denn nur der Ausstellungstitel „Nie wieder störungsfrei“ verweist deutlich auf eine kulturelle Zäsur, die in der Kunstentwicklung der vorgestellten Jahre stattgefunden haben soll. Nicht jede einzelne Arbeit lässt sich da zwangsläufig einordnen. Muss ja auch nicht. Vor allem wird eine Sammlung zur Begutachtung freigegeben, die sehr umfangreich ist.

    Störungen, vergangene Revolutionen und ihre Gesten sind nicht ohne Grund mit dem Nimbus des Traurigen behaftet. Dieses intensive Gefühl kann den Betrachter tatsächlich erreichen. Starke Emotionen gehen jedoch von den ausgestellten Arbeiten selbst nicht unbedingt aus –vielleicht muss man dazu dabei gewesen sein. Beinahe putzig-hoffnungsfroh, naiv-bemüht empfindet man jetzt einige der Relikte, Kunstobjekte oder Filme, die vor gut einem halben Jahrhundert noch für wilde Furore gesorgt haben sollen. Die Sammlung verfügt dabei über genügend nützliche Exponate, um den Eindruck des zu theoretischen oder zu Video-lastigen, z.B. durch die Hängung eines enomermen Gemäldes auflockernd malerisch zu flankieren oder durch eine flackernde Jenny Holzer im Monumentalen zu bespielen.
    Es wird gar nicht erst versucht, die alte Stimmung beschwörend wieder herzustellen: der zentrale, etwas abgesenkte große Raum, wirkt wie eine Mischung aus selbstgebauter Art Cologne und stylischer Flughafen-Lounge: eingebettet in weißen, elegant wirkenden Sofa-Inseln schaut man Filme wie Zuhause, in denen sich auf flachen Monitoren Menschen in etwas wälzen, das tatsächlich aussieht wie Kuchen. Flüchtige Bilder süßer, aber vergangener Exzentrik? Dokumente sozialer Umwälzungen oder die beginnende Gleichberechtigung der Geschlechter? Nach persönlichen Gesprächen mit Künstlern aus der Zeit darf man sich nicht sicher sein, ob nicht gerade die -60er und -70er Jahre, für die Unterdrückung der Künstlerinnen durch ihre männlichen Kollegen beispielhafte Zeiten waren.
Der eher neutralen Form des architektonischen Ausstellungskonzeptes widersprechen herumliegende, frisch fotokopierte Exemplare der Kunstzeitung „Gegenverkehr“ aus den 1960er Jahren und die zahlreichen Sitzsäcke. Im besten Fall gefühlsbetonende, zeitbezogene Reminiszenzen: die berüchtigten Design-Zitate.
    Die während der Eröffnung laufende Aktion der Taschenkontrollen mit der Markenklebung „O.K.“ am Revers und das fingierte Registrierungsbüro liefen allerdings der Zeit hinterher. Diese Aktion war ein schönes Beispiel für ein gern fehlinterpretiertes Verständnis von politischer Kunst heute – oder war es die Wiederbelebung einer alten Aktion, oder war es gar Realität? Es macht eigentlich keinen Unterschied.

    So wird das aktuelle Museum zu einem sentimentalen Ort, bei dem man vor allem versteht, das die außerhalb des Musealen sich entwickelnden sozialen und politischen „Happenings“ und Aktionen des 21.Jahrunderts, wie die des „occupy wallstreet“ oder des näher liegenden „occupy Düsseldorf“– trotz des Aufrufs zum Museum ohne Furcht – noch nicht als künstlerische Stimme wahrgenommen werden können. Heute sitzt der junge Aufbruch in kalten Zelten und entwickelt dort neue Formen der sozialen Kraft über selbstgemalte Poster. Draußen begehrt die Jugend auf gegen einen wegwerfenden Finanzbegriff und im Museum feiert man sich und einen fünfzig Jahre alten Aufbruch mit bemerkenswert klein gewordenen menschlichen Utopien. Ist es nicht die Generation der Sechziger die jetzt an den Schalthebeln der Macht und des Kulturapperates sitzt? Wo bleibt die Haltung des Aufbruchs dort? Im Pressetext erwähnte aktuelle Bezüge aus dieser Perspektive sucht man in den angekündigten neueren Arbeiten tatsächlich vergebens.

    Aus rein musealer oder didaktischer Sicht ist „Nie wieder Störungsfrei“ sicherlich eine sehenswerte Leistungsschau. Keine Frage: es gibt viele Arbeiten zu sehen, die richtig Freude machen und nicht nur als Erinnerungsstücke funktionieren können. Beeindruckend: Suzan Pitts Asparagus Theatre. Nice to have you back: die wieder aktive Grand Dame der Aktionskunst Chris Reinecke, die zumindest so mutig war eine neue Arbeit zwischen die alten zu hängen, die tollen wegweisenden Sachen von Peter Brüning, die unglaublich frischen Bilder d’Archangelos
Sieht man ja alles nicht so oft.
Auch nicht den besonders seltsam anmutenden kleinen Raum mit Grafik von Robert Stanley, der erst ab einem Alter von 18 Jahren betreten werden darf. Es war zu erleben, daß einige bunte grafische Umsetzungen von sexuellen Handlungen noch heututage zu einem hektischen Zuziehen der Vorhänge durch das Aufsichtspersonal des Museums führen. Eigenartig in einer Zeit, in der zwölfjährige Kinder Hardcorefilme auf Ihren Mobiltelefonen untereinander tauschen. Ist auch das eine Folge des Aufbruchs der 1960er Jahre?
Das Aachener Forum Ludwig hat eine schöne Schau im eigenen Haus produziert und dazu einen überaus sehenswerten Katalog gestaltet.
Ein gewonnenes Heimspiel.

NIE WIEDER STÖRUNGSFREI
Ludwig Forum Aachen
Aachen Avantgarde seit 1964
22.10.-05.02.2012

text und foto ©crschulz, duesseldorf 2011

Düsseldorfer Friedenspreisträger klagt gegen die Meinungsfreiheit.

2011-10-17T16:21:00.013+02:00

Menschen hoffen, Wunder kerzen.

Ein Blog eignet sich wegen seiner vorgegebenen Diskussionsfunktion besonders gut,
um ein öffentliches und interaktives, kritisches Medium zu sein: jedem Leser steht eine Kommentarfunktion permanent zur Verfügung. Der Düsseldorfer Friedenspreisträger von 2007, Herr Hubert Ostendorf scheint den massiven Klageweg gegen das Kunst- und Blogprojekt „Der Künstler als Kritiker“ und gegen den Blogger persönlich als Form der Auseinandersetzung zu bevorzugen. Zumindest ist, wegen angeblicher Beleidigungen innerhalb eines konstruktiv-kritischen Artikels, eine mehrseitige Klageandrohung und Schrift seines Anwalts in der Redaktion dieses Blogs eingegangen, die mit einer fünfstellig angesetzten Schadenssumme und hohen zusätzlichen Anwaltskosten versucht, eine kritische Stimme über zweifelhafte Methoden der öffentlichen Kunstvermittlung der Galerie- und Obdachlosen-Organisation fifty-fifty mundtot zu machen. Es zeigt sich darin eine Form der Auseinandersetzung, die man nicht von Menschen erwartet, die im Allgemeinen die eigenen Ziele und Ansichten stets auf der richtigen Seite der Güte verorten.

Aggressiver Schlag gegen ein Kunstprojekt

Tatsächlich soll hier nicht nur die jounalistische Freiheit und damit die Meinungsfreiheit mit dem Holzhammer finanziellen Drucks zertrümmert werden. Allemal ist es auch ein aggressiver Schlag gegen ein dokumentiertes Kunstprojekt, das sich seit 2009 mit den Zusammenhängen von Macht und Kunst beschäftigt - ein Angriff also, den man von einem Galeristen, dem der aktuelle Diskurs innerhalb der Kunst nicht fremd sein dürfte, am wenigsten erwartet. Schlimm ist jedoch, dass der Anwalt des Klägers Ostendorf von der Blogredaktion sogar die Herausgabe von Daten und Adressen Dritter (es sind tatsächlich Ihre Namen und Daten, liebe Leser), unter Androhung von Strafen und Gericht, zu erpressen versucht. (Der anwaltliche Brief steht als PDF-Download zur Verfügung: siehe link unten). Dies ist durchaus mit dem Aufruf zu einer Straftat vergleichbar.

Klassische Unterdrückungsmethoden

Das der Galerieleiter einer sozial orientierten Beschäftigung nachgeht, um die Gewinne aus Kunstverkäufen Obdachlosen zugute kommen zu lassen, scheint den Einsatz klassischer Macht- und Unterdrückungsmethoden, wie den Gebrauch starken finanziellen Drucks gegen die Meinungsfreiheit anderer Menschen, offenbar nicht zu verhindern. Das sich bei einem solch rigiden, antidemokratischen Vorgehen überhaupt anwaltliche Hilfe, durch den Düsseldorfer RA Rainer F., finden lässt, überrascht vollends.
Es gilt: an der in diesem Blog vom 16. September 2011 geposteten Kritik und gestellten Frage ist jetzt mehr denn je festzuhalten: wie weit haben sich Teile der Leitung des Obdachlosenprojekts „fifty-fifty“ von Ihrer eigenen sozial-verantwortungsvollen und sinnvollen Idee entfernt?

Die gute Absicht als Grundlage der Rechtsbeugung?

Mit der unreflektierten Reaktion gegen die Meinungsfreiheit und die Freiheit der Kunst hat
Herr Ostendorf erneut die ursprünglich gute Idee der Organisation um Bruder Matthäus beschädigt und offenbart, dass er sich selbst zubilligt über dem Recht und den Vorstellungen anderer zu stehen oder stehen zu wollen. Das ist überaus bedenklich zu nennen, denn die gute Tat rechtfertigt niemals die Unterdrückung anders Denkender oder gar Formen der Rechtsbeugung. Diese Art gesellschaftlicher Vorstellung berührt die beängstigende Logik der Ideologien, die freien Menschen unter Androhung von Strafen gute und schlechte Anteile zuweisen möchten.
Geforderte Einsicht, Haltung und die Suche nach neuen Formen sozialer Solidarität scheinen dringlicher denn je.
Ansonsten gilt es mit lauter Stimme zu verkünden:
„Es lebe die Kritik. Es lebe die Meinungsfreiheit. Es lebe die Freiheit der Kunst.“

Carsten Reinhold Schulz

Sie können die Klagedrohung hier nachlesen. Bitte klicken.

Droste Verlag: zweifelhafter Stadtteilführer „Flingern“

2011-10-14T09:47:00.010+02:00

Flingern, Kiez, Kunst, Kultur im Droste Verlag

Der Düsseldorfer Droste Verlag ist dabei, eine Reihe kleinerer Stadtteil-Führer, also Teilansichten der Stadt herauszugeben. Das dürfte alle diejenigen freuen, denen die bisherigen Stadtführer zu wenig spezialisierte Informationen zu bieten hatten und denen Lokalkolorit wichtig ist. Das neueste, 128 Seiten starke Heft handelt vom Stadtteil Flingern. Es ist trotz der vielen Gentrifizierungsdiskussionen der letzten Zeit mit „Kiez, Kunst und Kultur“ untertitelt. Das Buch handelt – etwa zur Hälfte – von der Geschichte Flingerns, mit Beschreibungen zu Stadtgeschichte und Architektur, die bis in die heutige Zeit hineinreichen und Besuchern und Einheimischen kleine Einblicke in Ihre Umgebung geben können. Allerdings lässt sich schon bei den Bildern des Stadtwerke-Parks das Foto eines Pavillons erkennen, das definitiv geschönt wurde oder viele Jahre zurückliegen muss. Mit der aktuellen und ästhetischen Lage vor Ort hat es nichts mehr zu tun.
Auch bei den Auflistungen der aktuellen Szene-Läden und sogenannter In-Treffs im Stadtviertel fehlen viele der wichtigen und prägenden Läden. Es scheint so zu sein, daß die Autorin des Heftes womöglich eine Auswahl getroffen hat, die von anderen Kriterien abhängig gewesen sein könnte, als von halbwegs objektiven. So fehlen die tatsächlichen und sympathischen In-Plätze wie das langjährig in Flingern ansässige „Café Rekord“ – letztes Jahr von einem renommierten Schweizer Verlag zu einem der hundert schönsten Cafés erklärt – ebenso, wie das „Oma Erika“, ein jeden Tag aus gutem Grund übervolles Café (das Bild der Galerie Leuchter wurde sogar aus der Café-Perspektive aufgenommen). Die echten Feinschmecker werden das zentral auf der Ackerstrasse gelegene „Haschi's“ im Buch vermissen, in dem einer der besten Köche Düsseldorfs mit seiner Frau exzellente Crossover Küche anbietet und gelegentlich der Fussballer Raoul oder der Kaberettist Dieter Nuhr vorbeischauen. Ganz zu schweigen, das von ambitionierter französischer Küche inspirierte kleine Restaurant „Chat noir“ auf der Herrmanstrasse. Es fehlt auch das echte Szene Restaurant „Vitale“ oder das super gelegene vegetarische Restaurant „Sattgrün“. Das gleiche gilt für eine echte Tradition: „Die Erbse“ hat Flingeraner Künstler und Musiker schon mit Kaffee und leckerer Küche versorgt, als beinahe alle im Buch aufgelisteten Lokale noch gar nicht da waren. Es ist nicht im Buch. Da wundert es nicht mehr, wenn das andere gute Lokal der gleichen Besitzer ebenfalls nicht im Heft ist. Vergessen worden sein kann es nicht, denn die gleichnamige „Flurklinik“ ist als ehemalige Entbindungsklinik natürlich beschrieben. Christiane Wink, als eine der innovativsten jungen Schmuck-Designerinnen des Viertels fehlt mit Ihrem wunderschönen Laden „Privat“ ebenso wie der unbedingt sehenswerte Flingeraner Anglerladen fünfzig Meter weiter. Auch nicht zu finden: das vom renommierten Designer Axel Wowereit wunderbar klar gestaltete „Noema“ auf der Hoffeldstrasse, einer der Top Adressen der Stadt, wenn es um Haare geht. Unerwähnt bleiben auch die beiden, im Sommer lange Schlangen bildenden Eiscafé des Viertels. Oder der Germany's next Top Model-Friseur „St. Pauli Blond“, der mit seinem großen Laden auf zum Teil spektakuläre Art und Weise versucht, Kultur, Mode, Party und Lifestyle zu verknüpfen – schon beinahe ein Kulturzentrum ... eindeutig ein Hingucker, wichtig fürs Viertel. Alle soeben aufgezählten Orte zählen zu den eindeutig „bildgebenden“ Momenten der Kultur in Flingern. Warum sind gerade diese nicht in einem gerade erschienenen, halbwegs aktuellen Heft? Alle diese Plätze und ihre Menschen verbindet wohl die fehlende oder ausreichend grosse Beteiligung an den gewerblich orientierten Werbe-Aktivitäten der Autorin, Frau H.-Kranz, im Vorfeld.
Da dies ein Blog über Kultur und Kunst ist, will ich auch über die im Heft auftauchenden, für Flingern exemplarisch erscheinenden Künstler sprechen. Ich hege ständige und große menschliche Sympathie zu den sechs beschriebenen Künstlern Herrn Bouchet, Frau Spook, Herrn Wanner-Krause, Frau Dembny (hat übrigens ihr Ackerstrassen-Atelier vor langer Zeit schon aufgegeben), Frau Etienne oder Frau Felicitas Lensing-Hebben. Der Stadtteil ist jedoch voll mit offener orientierten Künstlerateliers, daher muss ich es so deutlich sagen: die im Buch getroffene Auswahl ist, bis auf eine Ausnahme recht provinziell und schadet dem Kunststandort, der über so viele engagierte und professionell arbeitende Künstler verfügt, eher als er nutzt. Hier war die Autorin im besten Fall zu faul zur Recherche.
Das gegen Ende des Buches, auf mehreren Seiten redaktionell eingebunden, die Autorin Ihre eigenen, gewerblichen Aktivitäten zu den Leistungen und Besonderheiten Flingerns dazu zählt, macht den zweiten Teil des Heftes leider nicht angenehmer. Das ist letztlich schade und ruft eigentlich nach einem neuen Stadtteilführer, der mehr quaitative Einblicke vermitteln und tatsächlich aktuell sein könnte.
Der ansonsten seriöse Droste-Verlag muss sich fragen, ob ein solcher Führer professionellen Merkmalen und Ansprüchen genügt.

AKKi fliegt: 99 mal Malerei am Himmel

2011-10-13T22:22:00.000+02:00

Morgen, am Freitag geht das diesjährige Drachenkunstprojekt mit einer spektakulären, fliegenden Ausstellung von 15 -17 Uhr am Himmel zu Ende.
1034 Düsseldorfer SchülerInnen präsentieren 99 Riesendrachen, die sie in den vergangenen Wochen im Akki-Haus bemalt haben. Unterstützt wurden sie dabei von Akki-Mitarbeitern und den Düsseldorfer Künstlerinnen und Künstlern Anke Berßelis, Corinna Bernshaus, Ellen Bernstein, Christa Gather, Bettina Marx, Christian Dünow, Simon Evertz, Nils Hamm, Sebastian Kalitzki und Rainer Schmidt. Jeweils 12 Quadratmeter standen den Gruppen für plakative, großformatige Malerei bereit und damit für alles, was die Phantasie hergab.
So entstanden ebenso spannende wie witzige, märchenhafte und aktuelle, kinderkulturelle Themen. Vom „Spray-Can–Grafitti“ bis zum „XXL-Burger“, vom „fliegenden U-Boot“ bis zum „Luftschlösserbaum“, vom „Karottenmarterpfahl“ bis zum „Riesencomputerspiel“ und vom „Kinodrachen“ bis zum „segelnden Sportplatz“ – die Liste der origineller Einfälle und Skurrilitäten ist schier endlos.
Angesichts des prognostizierten, herbstlichen Sonnenscheins wird das ein poetischer Moment, den sich niemand entgehen lassen sollte, wenn er in Düsseldorf ist.

Hans-Peter Rams

Drachenkunst-Projekt
Rheinwiesen, Oberkassler Seite
Freitag, 14.10.2011
15.00-17.00 Uhr

Teil 2: Internationale Briefe an Das Zweite Feld

2011-10-11T15:18:00.008+02:00

Hello.

Off-off, I-freak, You-freak,

da geht’s so long weiter.
Further under lichten Linden,
Linda linda, lindo, Hoh.

Hat sich vermisst, La Dings

in meinem Kopf alleine voll feelings.

Das gewesen:

Quiet alles, but the corpus quietscht,

making purple noisetty noise

permanent spinning la bicycletten

machen voll, mach voll,

die vieux Gelenke schmieren. Nicht true?

Das old Fett sweat
mit voll den T-shirt Flecken

alles Gute für die Sommertime

Oh Weh, Oh Weh, Oh Weh,

Oh Weh, Oh Weh, Oh Weh.

Ist es nicht again the final?

Zum Year gehen das Ende?

That’s non in Ordre. Hell.

Was kommt noch die Gesamtheit, Menschen?

Ist es so Kurzweil geschehen über nuit?

Über Köpfe? Über alle Köpfe weggesehen.

Komisch point of Sicht, gell.

Dear Friend. Mach es well.

Und weiter. Ja. On and on.

Onononononononononon das.

Das Zweite Feld

Grafik (1991) and Text: ©crschulz, Düsseldorf, Oktober 2011

Die Kniende, ist die Kniende, ist die Kniende …

2011-10-10T16:28:00.008+02:00

Die Nachbarstadt Duisburg ist nicht weit und die Ausstellung zu Lehmbrucks „Kniender“ ist gefühlt bereits nah an einem hundert Jahre alten Herzenswunsch.

Parken am Kant-Platz um 11.00 Uhr und dann sind wir nicht die ersten Besucher, die eher betreiberfreundliche Öffnungszeiten ab 12.00 Uhr zur Kenntnis nehmen müssen. Egal.

Die Stadt liegt vor uns, also, rasch noch in die Küppersmühle, dem Museum für aktuelle Kunst vor Ort. Dort ist glücklicherweise schon seit 10.00 Uhr auf. Wunderbar entspannte Räume – toll, die Darboven-Harburg-New York-Nummer. Auf dem Rückweg an Dani Caravans Park und noch mehr vorbei, und ein extremer Regenguss lässt uns die sehr lieben und freundlichen Damen von der Bürgerstiftung Duisburg kennenlernen, die uns zum Trocknen dabehalten und einen Kaffee brühen. Wieso ist man eigentlich nicht öfter in Duisburg? Wir wußten nicht mal, dass es dort eine Stadtmauer gibt ...

Zurück am Lehmbruck-Museum ist es Frau Nicolai die uns einlässt (der Name steht glücklicherweise auf dem Kassenzettel). Sie setzt die Duisburger Riege von freundlichen Menschen an diesem Mittwoch fort.

Schon beim Eintritt ins Museum wird gleich klar, dass in dem, in den 1960er Jahren vom Sohn des Künstlers, Manfred Lehmbruck, entworfenen Bau, andere Betrachtungsbedingungen für Kunst herrschen, als in den meisten „white cube“ orientierten Museen. Hier muss man sich den Blickwinkel unter etwas schwierigeren, weil ungewohnten Rahmenbedingungen suchen. Rechts vom Eingang knubbeln sich die Skulpturen auf relativ engem Raum, unterlegt von schwierigen, grünlichen Sockelfarben, der größte, Foyer-artige Raum des Museums sieht dagegen seltsam leer aus, das zentrale Element des Raums ist nicht die Kniende, sondern die unglückliche Leere vor dem Flügel auf einer flachen Bühne. Möglicherweise ist dieser Zustand, der die Arbeiten Lehmbrucks oder Maillols an die verglaste Fensterfront drängt, den abendlichen Konzerten geschuldet? Am Fenster zu stehen bedeutet normalerweise gutes, natürliches Licht. In diesem Fall jedoch drängen sich viel zu große Lettern aus roter Schrift – es sind die Namen der von weit herbeigerufenen populären Mitaussteller und Zeitgenossen Lehmbrucks – hinter den Skulpturen ins Auge des Betrachters und hinein in die Empfindung. Ein für die Museums-PR notwendiges Namedropping muss nicht auf Kosten der ausgestellten Arbeiten gehen. Ein wenig zurückhaltende grafische Professionalität bei der Ausgestaltung des größten und damit prägenden Raumes wäre sinnvoll.

Auf die Ausstellung hatte ich mich gefreut, da ich von ihr weitere Einblicke in die gestalterische Welt des Wilhelm Lehmbruck erfahren wollte. Seine Kniende ist mir seit früher Jugend als ein Höhepunkt, aber auch als das Ende der rein figürlichen Skulptur vermittelt worden. Von verschwindenden Anklängen an die Formensprache der Gotik war in meiner Erinnerung gar die Rede. So etwas verblasst gegen die Vorstellung der Knienden als Skulptur der Erneuerung, als eine der Eintrittskarten in den Formenkanon der Moderne. Die Kniende wird wohl beides sein und natürlich rechtfertigt ihre Erscheinung vieles: alle mit ausgestellten Werke großer künstlerischer Zeitgenossen sollen die Bedeutung der Knienden erneut unterstreichen. Die kunsthistorischen Erkenntnisse oder Versuche, die Arbeit sei von den Tänzern seiner Pariser Zeit inspiriert, namentlich von Nijinski und Isadora Duncan, wirken dagegen spröde, sonderbar bemüht. Sie führen zudem zu Endlosschleifen kurzer Duncan-Performances auf Film und uninspiriert wirkenden alten Fotografien von Menschen, die selbst etwas mit Tanz zu tun hatten oder die jemanden kannten der mit Tanz zu tun hatte ..., u.s.w.

Nicht umsonst geblieben ist jedoch mein Versuch, mehr über die Bandbreite des Künstlers in der Duisburger Ausstellung in Erfahrung zu bringen. Man kann leicht feststellen, dass Lehmbruck, trotz seiner gestalterischen Klasse, ein eher schlechter Zeichner war. Sein Strich ist eher unbeholfen, in den zeichnerisch orientierten, aquarelligen Leinwandarbeiten ist er schöner, weich, feminin, zwar oft ohne Hände und Füße, die Mitten betont: Gesicht, Hals und Brust.
Die in erste Grundformen aufgelösten weiblichen Oberkörper vieler Skulpturen, die halbkugelförmigen Brüste, die kegelhaften Schultern und Oberarme verdeutlichen nicht nur ein ständig wiederholtes, oft beinahe deckungsgleiches Lieblingsmotiv des Künstlers, sie können natürlich als geformte Zeichen der sich anbahnenden, elementar neuen Anschauungen des beginnenden zwanzigsten Jahrhunderts gelesen werden.

Der von diversen starken Materialien und gläsernen Durchblicken geprägte Ausstellungsraum der ständigen Sammlung des Museums dagegen überzeugt schnell, weil er dem Werk Lehmbrucks eine Vielfältigkeit gibt, die man mit der Arbeit des Meidericher Künstlers nicht sofort verbindet - zu dominant ist die Konzentration auf die „Kniende“. Man ist regelrecht erfrischt, ob des Perspektivwechsels bei der Skulptur des auf allen Vieren hockendes Mannes oder des wunderbar lässig modellierten Frauenkopfes.
Das ist schön zu erfahren.

Es ist fraglich, ob eine Anhäufung so vieler Arbeiten so vieler bekannter Kunst-Grössen aus so vielen Museen zum Jubiläumsjahr wirklich notwendig war, gelegentlich erscheinen die Skulpturengruppen dann doch wie kuratorisches Spielzeug. Aber wenn es der Sache und der Forschung dient ...

Eine empfehlenswerte und inspirierende Ausstellung allemal, die – manchmal unbeabsichtigt – viele Dinge hinterfragen und beleuchten kann. Zum Beispiel: liebt man die Kniende lieber in weiß oder in schwarz?

Wir fanden, die weiße Kniende ist sehr überzeugend.

Im Zusammenspiel mit Graffitis sowieso.

carsten reinhold schulz
Der Künstler als Kritiker
Ein freies Kunst und Blogprojekt seit 2009

Fifty-fifty Galerie: das Ende einer guten Idee?

2011-09-16T12:12:00.012+02:00

Menschenverachtende Äußerungen bei der Führungsriege der fifty-fifty Galerie Düsseldorf?

Die Obdachlosenzeitung und Initiative fifty-fifty verfügt über eine Galerie und verkauft immer wieder namhafte Kunst deren Erlös den Obdachlosen zugute kommen soll.
Das sich Künstler mit gutem Willen oder einseitigen Absichten finden, die einen Teilbetrag oder Ihre gesamten Erlöse spenden ist eine gute Sache, selbst wenn diese Methode zu einer Entpolitisierung des Themas „Obdachlosigkeit“ führt. Längst gehören die Straßenmagazine zu einem System der Beruhigung der Öffentlichkeit vor immer größer werdenden sozialen Problemen. Die Beruhigung wird interessanterweise durch den Kaufimpuls ausgelöst und bringt kaum Nachdenken mit sich: scheinbar sind die fifty-fifty Verkäufer in Lohn und Brot. Als Resultat darf man sie dann getrost vergessen ...?

Unerträglich wird die Kombination von Kunst und Obdachlosenmagazin, wenn der Galerieleiter Herr Ostendorf in seinem Newsletter vom 14.09.2011 versucht, das Niveau der Bildzeitung deutlich zu unterbieten, um ausreichende Verkaufserlöse zu erzielen. Der Zweck heiligt offenbar die Obdachlosen. Da werden bei der jüngsten Verkaufsausstellung fotografischer Arbeiten einer Düsseldorfer Künstlerin mit viel zu schneller Hand Verbindungen zu den Opfern des Nazi-Terrors hergestellt, um die ausweglos schlichten Inhalte der Bilder theoretisch zu unterfüttern. Das die Künstlerin in ihren Darstellungen Plattitüden der Sexualität nutzt (Hirsch leckt ein Geschlechtsteil, blabla, etc.) und Abbildungen nackter ästhetischer Körper mit Kunstblut und Photoshop zu Pyramiden schichtet, resultiert aus dem Willen, mit einer hinlänglich bekannten Methode aufzufallen. Warum auch nicht? Sie wird wohl nicht anders können oder wollen. Eine lässig hergestellte Verbindung zu Nazi-Verbrechen schützt den Künstler und sein Umfeld vor Kritik und inhaltlicher Begutachtung. Diese Bilder auf der eigenen Künstler-Homepage als „Schocker-Kunst“ anzupreisen, bestätigt dann überdeutlich die bereits in den Bildern bewiesene sehr einfache Zielsetzung. Diese Kunst schockiert jedoch nicht im mindesten, weil sie nichts bewegt. Besser: weil sie nicht bewegt. Diese Bilder zeigen nichts außer – vermutlich persönlich zu nennenden – plakativen Projektionen. Auch wenn die Öffentlichkeit im fifty-fifty Newsletter um wirklich jeden Preis mit kunstvollen Inhalten versorgt werden soll. Liest das denn niemand gegen der etwas sensibler ist?
Dabei wird leider, quasi im Vorübergehen, Idee und Wirkung von fifty-fifty demontiert. Wenn die jetzige Galeriearbeit etwas aufzeigt, dann ist die laufende Ausstellung ein Gradmesser für die Entfremdung von der eigenen sozial orientierten Idee, zugunsten eines Wunsches nach (laut herbeigerufenen) Skandalen für die mediale Selbstinszenierung. Wenn Herr O. beinahe süffisant schreibt, die fotografische Simulation einer Heroin-Injektion wäre ein super Aufreger, dann ist das nicht nur menschenverachtend.
Dann hat er einige Stern-Titel der 1970/80er Jahre verpasst und ist vermutlich noch nie über die Friedrich-Ebert-Strasse gelaufen, da kann man Injektionen live sehen – ohne die für ihn offenbar reizvolle, distanzierende Simulation.
Wie weit ist fifty-fifty selbst von Ihrer unterstützten Klientel bereits entfernt?

Die Organisation, die mit einer glanzvollen Idee gestartet ist, sollte sich wieder an aktuellen Themen und Notwendigkeiten orientieren und dafür ganz neue Wege finden.

Denn: es gibt sie nicht mehr, die Bösen und die Guten und die Massen.

Es gibt jedoch Einsicht, Haltung und die Suche nach neuen Formen der Solidarität.

Carsten Reinhold Schulz

Das zweite Feld der Kunst

Gastautor RO Willaschek: eine Story zum Kunstgeschehen.

2011-09-13T13:34:00.001+02:00

Meister Joseph, ein Adler und der Kölner Dom

Vor kurzem erst wurde ich auf der Domplatte Zeuge eines seltsamen Ereignisses. Ich befand mich an einem grauen spätherbstlichen Nachmittag vor dem einschüchternden Kölner Dom. Und wie immer, wenn ich vor den 300 000 Tonnen bearbeiteten Trachyts stand, mußte ich – in ungewohnter Ehrfurcht – diese sakrale Meisterleistung zutiefst, aber auch ein wenig irritiert bewundern.

Da wurde ich jäh aus meiner Betrachtung aufgeschreckt durch eine pechschwarze überdimensionierte Staatskarosse, die mit Getöse um die Ecke schoß und mit entsetzlich quietschenden Reifen abrupt zu stehen kam. Dabei knallte die schlangenbelederte Schofföse, unschwer als Chesty Morgan auszumachen, ihre über alle Maßen großen Titten gegen die Windschutzscheibe. Sie hielt. Die Scheibe. – Zeitgleich entstieg dem trüben Himmel ein mannsgroßer goldener Adler und pflanzte sich, laut vernehmbar das „Lied vom Blut“ rezitierend, neben der Karosse auf. Er schwankte leicht und rülpste kurz, wobei er einiges von seiner Würde einbüßte. Offensichtlich teilte er mit Jaques Prévert, dem großen Dichter Frankreichs, nicht nur dessen Liebe zur Poesie – wohl auch den Hang zu Alkoholischem.

Was für ein Auftritt!

Dessen nicht genug, entstieg der protzigen Limousine – von den Toten auferstanden – Meister Joseph mit Hut. Er verteilte sogleich an einige Passanten – mit starrer Mine und pathetischem Habitus – giftgrüne Pamphlete, rosarote Buschröschen und gut gemeinte Ratschläge. Danach ergriff er ohne Übergang den Hals des verdutzten Adlers, würgte ihn und predigte dabei lautstark von Zeichen und Wundern, die in nächster Zeit das Dasein menschlicher Existenz radikal verändern würden.

Der Adler schien das alles locker hinzunehmen, was mich überraschte und auch verwunderte. Nachdem der Meister endlich von ihm abgelassen hatte, torkelte der Vogel noch einmal kurz, um dann umso standhafter – wie eine Deutsche Eiche –, mit stolz gewellter Brust, fest verankert auf der Dom-Platte zu verharren.

Schließlich öffnete sich schwungvoll das mächtige West-Portal. Ihm erquoll eine Unmenge stark nach Sandelholz und Weihrauch riechende Masse – wie Schlagsahne – die sich bald über die gesamte Dom-Platte ergoß. Meister Joseph meinte tief ergriffen zu Chesty, dem amerikanisch-polnischen Busenwunder:

„Der Meisner masturbiert wieder mal – aber diesmal übertreibt er es

wirklich. – Mein Gott auch, wie unästhetisch!“

Da rutschte Joseph auf der Sahne aus und schlug sich den Kopf blutig. Dabei flog ihm der heiß geliebte Hut vom Kopf, der von einem plötzlichen Wind ergriffen, auf Nimmerwiedersehen in Richtung Hohe Straße verschwand.

„Strafe muss sein!“ Meinte Josefs Schofföse mit polnischem Akzent und lachte sich dabei halbtot.

Das Volk auf dem Platz tobte vor Begeisterung und jubelte mehrere Halleluja.

Die enorme Ansammlung von Neugierigen, die sich – von mir unbemerkt – klammheimlich auf dem Domvorplatz einfand, entpuppte sich bei näherem Hinsehen als eine beachtliche Anhäufung feinstgekleideter Personen, Hände klatschend und kniehoch in der Kardinal-Brühe stehend, - sämtlich als Kunstkenner und -Sammler, Kulturdezernenten, Galeristen, Museums -Heinis, Verleger, Intendanten, Kritiker, Kultur-Beamten und dergleichen leicht auszumachen. Die komplette Kultur -Schickeria Kölns war vollzählig anwesend.

Es fehlten seltsamerweise die Künstler … Sie glänzten dieses Mal durch

Abwesenheit … irgendetwas war hier in Köln passiert, was mir als stiller Beobachter der Kunstszene entgangen sein mußte.

Wo waren sie hin? Wieso zeigten sich die Herrschaften ohne ihre Hausnarren und Schoßhündchen?

… Mir war ein wenig zum Kotzen.

Das war schließlich auch dem großen goldenen Raubvogel zu bizarr und auch zu viel des Guten. Er grinste nur noch kurz irritiert – und zeitgleich mit Meister Josef plus Frau Morgan machte er sich hinweg aus Köln.

Es war schon ein gewaltiger Anblick, wie er seine Schwingen majestätisch bewegte und am Himmel immer kleiner wurde, bis man ihn nicht mehr sah.

In Köln ließ sich der Adler, wie Josef B. plus Anhang im Übrigen auch, verständlicherweise nie wieder blicken; was ich persönlich bedauere, aber zutiefst nachvollziehen kann.

Dabei weiß ich immer noch nichts Genaueres über das Phänomen des bis heute andauernden kompletten Wegbleibens der Künstler aus Köln. Interessant ist aber der Umstand, daß es bis zum heutigen Tag noch Keinem aufzufallen schien.

Text © RO Willaschek 1995 | 2003

Gastautor Amy Antin: Monika von Starck

2011-09-11T11:53:00.001+02:00

Bild: Monika v. Starck

Who are these multitudes who press into the weave,

And though I’ve asked them to, they will not leave?

What waves have gathered up as if against my will,

Although I dream of love and daffodils?

These are my hands, this is my room

And I command, the sun at noon,

But when the light has sunken low,

What’s happened here---I do not know.

Whose eyes stare back at me as if they were my own?

In only hours, they’ve made themselves at home—

While naked bodies bend to tubes and strange machines:

I can account for them no more than dreams…

These are my hands, this is my brush

And I command the pressure and touch,

But when the river starts to flow,

Whose hands are these—I do not know.

.........................................................................................

I found the table set, with coffee cups and plates,

The finest chocolates and colored cakes—

We talked for hours on end of Art and Mystery

And when I left, that river followed me;

These are my hands and my guitar,

And I command the sounds that are,

But when a song hangs in the air---

I cannot say who put it there.

song und text: amy antin

homepage: hier klicken

Gastautor Monika von Starck: zu Amy Antin

2011-08-13T02:48:00.001+02:00

Amy Antin: painter, singer, songwriter

„ Entrez dans la glace !“ ( Geh durch den Spiegel), fordert Cocteau den Zuschauer in seinem Film über das Geheimnis der Kunst auf. Bilder sind Spiegel. Sie reflektieren einen Ausschnitt der Welt durch einen Filter, durch die Netzhaut – die Sehweise des Künstlers. Spiegel scheinen das wahre Abbild der Dinge wie ein Echo wieder zu geben , jedoch ist diese Wahrheit seitenverkehrt. Schauen wir aber unter die Oberfläche, hinter die Fassade, können wir dort das Geheimnis guter Bilder und ihre Wahrheiten entdecken. Wenn wir uns auf die komplexe Bildwelt von Amy Antin konzentrieren, werden wir die Ästhetik ihrer sensiblen Farb- und Formensprache und die hintergründige Tiefe ihrer Aussagen erspüren. In dieser Ausstellung werden drei Werkgruppen gezeigt. Die Malerin arbeitet auf großformatigen Holztafeln in Hoch- und Querformaten und auf quadratischen Bildgründen Die Kraft der Imagination wird in allen drei Werkgruppen deutlich. Auf den ersten Blick erscheinen die Bilder behutsam und leise. Sie fesseln den Betrachter sofort durch ihren hellen farbigen Zauber. Durch dieses Kolorit gelingt es Amy Antin, Luft und Licht auf den hölzernen Untergründen einzufangen. Ein Hauch von Gedanken beginnt zu tanzen. Diese poetische Kraft nährt eine Spiritualität, die aus der Tiefe durch die Lasuren hindurch bis in die oberen Schichtungen leuchtet.Während opak aufgetragene Weißflächen Verborgenes bedecken, öffnen sich halbtransparent gemalte Felder und Fenster auf fließende Farbvibrationen, auf Körperliches und Organisches. Die präzisen, geometrischen und hartkantigen Farbflächen suggerieren eine imaginäre Perspektive, die Räume öffnet und verschließt, in denen Lebendiges, Wachsendes und Zerfließendes sich bewegt. Die weich konturierten Formen schweben wie Lichtgestalten in dieser Bildarchitektur als Symbole des Organisch- Lebendigen und des Geistigen. Über und unter diesen Farbschichten zeichnen manchmal sparsame Linienspuren eine dunkle Kontur, als hätte ein urzeitliches Wesen seinen Abdruck hinterlassen. Einige Arbeiten beziehen sich in der Maltechnik auf die Maserungen des Holzgrundes. Wachsende Figuren schimmern durch halbtransparente weiße Partien, die wie Gazetücher über dem gemalten Untergrund fliegen, den Blick einfangen und Neugier erwecken, in die tieferen Schichten optisch einzudringen. Auf anderen Bildtafeln erinnert das zarte neonartig leuchtende farbige Wuchern in fernen Anklängen an die Peinture des französischen Impressionismus, zum Beispiel an Redon und Monet. Monochrom gemalte Flächen weisen auf die Vorliebe der Malerin für die Farbfeldmalerei des Amerikaners Mark Rothko hin. Das Zusammenspiel von geometrischen einfarbigen Feldern mit organisch wuchernden Formen in einer hingetupften vibrierenden Mehrfarbigkeit erzeugt eine neue so noch nie gesehene Bildwelt. Sich auffaltende oder verschließende Weißflächen flattern wie unbeschriebene Briefe über grünlichen und rosatonigen offen geränderten und fließenden Farbwolken, die sich figurativ verfestigen und wieder auflösen. In einer anderen Bilderfolge zeichnen neue schwarze skripturale Elemente Spuren. Sie irritieren kontrapunktisch die geometrischen Formen wie Dreieck, Viereck und Quadrat und schaffen eine beunruhigende Spannung und straffen das Bildgefüge. Diese unvermuteten kalligraphischen Pinselschwünge tanzen wie Gesprächsfetzen aus den Kulissen heller Farbfelder und verstecken sich wieder wie geheime Botschaften. Die künstlerische Intensität der Malerei von Amy Antin liegt in der bewegten Ruhe des hell leuchtenden Kolorits, dem flirrenden weißen Licht und den zeichnerischen schwarzen Irritationen der geschriebenen Linie. Das Statische und das organisch Wachsende vollzieht sich in imaginären strahlenden Farbräumen, die eine Sogwirkung beim Betrachter erzeugen. Diese magische Sogwirkung mit der Möglichkeit eines pulsierenden und meditativen Hineingleitens in die Tiefen der Malerei eröffnet einen neuen Blick. Die künstlerische Konzeption und Botschaft von Amy Antin ist ihre Passion für die Präzision und die Präzision der Passion. Diese Bilder sind mit den Ausdrucksmitteln unserer Zeit gemalt, doch erscheinen sie wie aus der Zeit gefallen. Die scheinbar unvereinbaren Gegensätze in ihren Gemälden, das technisch Konstruierte und das organisch Lebendige verstärken sich in ihrer Wirkung gegenseitig und werden zum zeitlosen Spiegel unseres vielschichtigen Seins.

Zur Austellung von Amy Antin „Bewegte Stille“, Malerei,
Köln, 26. September 2009
Text: Monika von Starck
Blogveröffentlichung im Rahmen des Projektes „Künstler als Kritiker“

english version and further information

Aufruf zum Rollentausch

2011-08-05T13:42:00.002+02:00

Modellhaft: Bildende Künstler in der Rolle des Kritikers

Es wäre toll, wenn möglichst viele Künstler und Kunstgruppen
im In- oder Ausland von diesem Projekt erfahren, um daran teilnehmen zu können.

Von September 2009 bis Juli 2011 hatte ich selbst meine Rolle als Künstler getauscht und im Kunst- und Blogprojekt „Rollentausch: Der Künstler als Kritiker“ 100 Kritiken veröffentlicht.

Ich möchte nun in der zweiten Projekt-Phase alle professionell
arbeitenden nationalen und internationalen Künstler aufrufen,
ihre Rolle ebenfalls kurzfristig zu tauschen und eigene Kritiken
zu Ausstellungen, zur Kunstentwicklung, zu Kunstmessen oder
anderen kulturell relevanten Themen zu verfassen.
Diese werden im Blog und später in einem Buch/Hörbuch
mit Namen und Tätigkeitsfeld für den Buchhandel veröffentlicht.

Wie macht man mit?
Einfach eine maximal DIN A 4 lange Kunstkritik einsenden.
Wahlweise ein selbstgemachtes Foto von sich oder oder dem Thema beilegen.
An den Blog senden unter folgender e-mail Adresse:

mail@carstenreinholdschulz.de

Ich freue mich auf Eure Einsendungen.

Diese Aktion schliesst an die von der Goethe-Zentrale und etlicher ihrer Institute
unterstützte CULTURWERT:SAMMLUNG von 1994 zur Funktion des Künstlers an.
Dankeschön für ersten Support: Frau Petra Gieler, BBK NRW, Herr Reinhard Hennig, BBK Köln

Kunsthalle Baden-Baden: Geschmack als doppeltes Spiel

2011-07-26T15:39:00.002+02:00

Macht Geschmack satt?

Ein doppeltes Spiel treibt der, welcher zwei oder mehr Anschauungen gleichzeitig dient. Der Geschmack und die Kunst sind von jeher dankbare Felder, um kompliziertere Spielformen des Lebens zu begleiten. Ob Johan Holten als Leiter der Kunsthalle sich über Kunst lustig machen will, wie in der Monopol behauptet, kann man schwerlich beurteilen. Im Zweifel für den Angeklagten. Kunstformen nach ihrem Geschmacksbild ausforschen zu wollen, den Kunstmarkt angeblich zu hinterfragen und genau diesen Markt mit allen zur Verfügung stehenden Klischees zu bedienen, ist erstmal ein vielschichtiges Vorhaben und bezeugt vorzüglich die intellektuellen Möglichkeiten und Kontakte über die Holten für sein erste Präsentation offensichtlich verfügt. Aber natürlich ist sie eine zynische Haltung, weil sie alles Erwähnte gleichzeitig tut. Sie will sich nicht festlegen und will jede Haltung vermeiden, sie will nur untersuchen ... Ohne Haltung zu sein bringt einen heutzutage vermutlich persönlich weiter, reduziert in diesem Fall jedoch alles auf ein intellektualisiertes Spiel mit dem üblichen Muster des Namedropping. Heute stellt die relevanten Fragen offensichtlich der Kunstraum, die Antworten soll der Künstler mitbringen. Es sollte besser andersherum sein, dann wird man den Funktionen gerechter, scheint mir. Dann erhält man allerdings auch Verantwortung und die erzwingt ärgerlicherweise wieder eine Haltung. Um so deutlicher zeigt sich das Dilemma, in der sich gerade Ausstellungshäuser mit einem zu verteidigenden Ruf des Aktuellen befinden. Der zu vollbringende Spagat, gleichzeit am Kunstdiskurs teilzunehmen, und dennoch genug große Namen zu präsentieren, um die Kassen zu füllen, lässt eine gruselige Lücke im spannenden Experiment – die jede Ausstellung bedeuten kann – zurück. Diese Lücke entsteht auch, wenn sich Ausstellungen um bereits gelöste Aufgaben drehen. Hits die schon zweimal unter den TopTen gelistet wurden, Witze die zu oft erzählt wurden. Die Top 40-Leier. Der Geschmack als Gesprächinhalt. Vielleicht macht sich Herr Holten doch über uns lustig? Ein Beispiel: wer die gut 25 Jahre alten Grafiken von „Join the free and fat society “ von Tomi Ungerer gesehen hat (und ich nutze bewußt einen satirisch arbeitenden Künstler im sogenannten Grenzgebiet von Kunst), was soll so jemand mit den Schnappschüssen eines Martin Parr noch machen, außer müde lächeln? Daß sie im Kunstumfeld überhaupt auftauchen überrascht. Einen sinnvollen Platz hätten die Bilder in der Bunten.
Ein Spruch von Iggy Pop dämmert ebenfalls aus populärer Vergangenheit herauf: „ ... die Leute wollten mein Arschloch sehen, also haben ich Ihnen mein Arschloch gezeigt, dann kam der Erfolg.“ Sind das schon die ewigen Werte die Kunst uns jetzt vermittelt oder kommen sie noch? Die auftretenden, aus heutiger Sicht das zerstörerische Projekt des Kapitalismus verfestigende Positionen von Immer-noch-Ikonen wie Warhol und seinen aufgebratenen Sprösslingen Meckseper, Tiehai oder Reyhle, sind der Führungsriege der Kunsthalle vermutlich selber etwas dünn vorgekommen, so daß sie diesen Vertretern lieber noch einen Feuerbach oder Schirmer an die Seite stellten (Henkel, da weiss man was man hat ...). Gerne wird von den Ausstellungsmachern übersehen, das sie die Ausstellungsobjekte in Wirklichkeit garnicht mehr zur Disposition in die Öffentlichkeit stellen können, sondern auch fadenscheinige Positionen durch Aufnahme in jedwede Ausstellung nochmals festgezurrt werden. Übrigens ebenfalls ein Erfolg des heutigen Systems Kunstmarkt. Das Thema Geschmack ist zudem so gut wie unangreifbar, jede Kritik wirkt selbst fad und geschmäcklerisch. Nicht umsonst wird auf der Homepage der Kunsthalle Baden-Baden unter der Rubrik „Fulminanter Auftakt“ eigentlich nur die Menge an Presseberichten gefeiert.
Der gute, der schlechte und der teure Geschmack. Johan Holten hat sich aus allem höchst geschmackvoll herausgehalten.
Gratulation zu einer super Idee.

Kunsthalle Baden-Baden und der Geschmack

SØLYST kommt.

2011-07-20T16:29:00.001+02:00

Der Promo-teaser ist heraus und man liest auf dem Cover erstmal so inspirierende Schweden-Häppchen wie optimyst, kelpie oder malstrøm. Die Musik auf der elf Titel umfassenden CD ist jedoch alles andere als Möbelhaustauglich. Beim ersten zufälligen Reinhören in den Titel „ned land“ traf ich z.B. auch den lange vermissten John Zorn wieder, diesmal in einem entspannten Selbstgespräch beim Heineken. Das hat mir gut getan und gut gefallen. Die eingespielten Drums stehen in einer steten aber sanften Konkurrenz zur percussiv eingesetzten Elektronik, was erfreulicherweise für Überraschungen sorgt und dafür, dass ein experimentelles Gefühl beim echolastigen Einsatz nicht vorschnell verglüht. Live hören kann man die immer wieder tanzbare Musik der Band auf dem OPEN SOURCE FESTIVAL am 23.07.2011 auf der Galopprennbahn im Düsseldorfer Norden.
Ich freue mich jetzt schon auf den Abend.
Hingehen.

SØLYST: Thomas Klein und TG Mauss. Label: Bureau B

SOLYST auf myspace

Kunstpalast: Mosebach hat ein Herz für Museen.

2011-07-19T21:58:00.001+02:00

Heute ins Museum oder zu McDonalds?

Einer Rede des Autors Martin Mosebach anlässlich der Eröffnung des Museum Kunstpalast folgend, sollen wir das Museum wieder als unser unbezahlbares Schatzhaus begreifen lernen. Laut eigener Schlussfolgerung hat Herr Mosebach für sich und für uns alle erkannt, dass jenes lebendig sein soll, wofür auf Dauer Geld ausgegeben werden muss. Ob das von ihm hierfür aktivierte Schatzhaus griechischer Prägung als Hort wiedergewonnener Inhalte tatsächlich fungieren kann, bleibt zu klären. Wer den derzeit monetär ausgerichteten Charakter der Museen in der öffentlichen Wahrnehmung wieder verschieben will, sollte sich nicht unbedingt ein antikes Vorbild nehmen, das nachweislich und gerne zur Manifestation von Sieg und Größe des Stifters zwar mit Weihegeschenken angefüllt wurde, jedoch waren eben diese weihevollen Exponate immer wieder Waffen, Rüstungen und Insignien von Macht und Unterwerfung anderer. Den geistigen Wert dieser Dinge im Nachhinein und im Vergleich auf die heutige Zeit bewerten zu wollen, kommt wüster Phantasie sehr nahe. Eine solche Haltung mag manche Autoren ausweisen, es kann jedoch auch als eine deutlich reaktionäre Einstellung gelesen werden: Museen sollen sich zwar entwickeln, aber bitte im Geiste unserer griechisch-geistesgeschichtlichen Wiege. Diese wird gerne aufgerufen, wenn es eng wird. Warum sollten wir irgendwelche alten Emotionen des Sammelns wieder in uns erwecken wollen? Damit Museen überleben? Ja, müssen sie das denn – und wer hat das gesagt?

Ganz im Gegenteil ist festzustellen: es wird auch privat so viel gesammelt wie nie zuvor. Das Museum zeigt sich zudem als eine neue Innenstadt-Mall: demnächst hat jedes Städtchen eine. Ein Muss. Es ist deutlich profaner als wir es wahrhaben wollen. Das Baugeld ist in den chronisch klammen Kassen der Städte (man wundert sich!) offenbar mehr als genug vorhanden, dem Tourismus gefällt es und die Kirchen sind sowieso unbrauchbar. In jedem Museum trifft der Besucher seine Künstler wieder, man kennt sich ja schon, ein bisschen ist es wie bei McDonalds, der schnell sättigende Geschmack ist schon vor einem da. So ist man in jeder Stadt gleich ein bisschen zuhause. Und jene Museumsleiter, die sich auf junge aktuelle Kunst spezialisiert haben, glauben vermutlich tatsächlich, sie könnten die Entwicklung aufhalten. Aber man holt sich nicht das Leben ins Haus, wenn man sich Bilder vom Leben aufhängt. Viele ahnen bereits dunkel, dass das nicht mehr lange funktionieren kann. Irgendwer wird demnächst mal nachfragen ...

Unsere gesellschaftliche Umsetzung der Idee von Freiheit hat längst dazu geführt, dass der öffentliche Bildungsauftrag, der mit dem musealen Gedanken für lange Zeit verbunden war, eigentlich ad-acta gelegt werden muss. Im Fernsehen ist dieser Gedanke längst aufgegeben worden. Die öffentlich-rechtlichen und die privaten Sender unterscheiden sich kaum noch in der Auswahl der Inhalte. Den Museen droht ebenfals Ungemach, nach den Kirchen werden in absehbarer Zeit auch die Museen nicht mehr als Horte des Hehren und Schönen gesehen werden, sondern als Orte idealisierter Insider-Entscheidungen (auch wenn man das bedauern kann). Es werden hohe Räume bleiben, einige Bilder und Ahnungen großer Verehrung. Eine interessante Analogie.

Die Zeit, bzw. das Internet haben die Werte-Selektion und den Zugriff auf zugehöriges Wissen längst in die Entscheidung jedes einzelnen Menschen verlegt. Die häusliche Sammlung, die Identifikation mit der internen Kunstvorstellung wird in der Zukunft maßgeblich sein und Wertebegriffe immer wieder verlagern. Dies wird Kunst und Politik verwandeln, denn der öffentliche Raum, die Strassen und Plätze oder die Datenströme werden zu Stätten der Kunst und der Diskussion werden. Genau dort wird auch jener Riss verschwinden, der mit der Trennung des Werkes von Entstehung und Aufgabe verbunden ist. Wenn ich darüber nachdenke, hört sich das alles kulturell lebendiger an, als jeder rückwärtsgewandte Versuch selbstbewusste Menschen erneut zu Verehrungsritualen gegenüber Bildern zu überreden. Verehren ist vorbei. Bewundern reicht völlig.

Und sich selbst ein Bild machen ist auch gut.

Zum nachlesen: die vollständige Düsseldorfer Ansprache von Herrn Martin Mosebach in der SZ vom 19.07.2011, Seite 19

Cy Twombly's Traueranzeige als Werbung

2011-07-10T11:49:00.002+02:00

Cy Twomblys Nachruf in der Süddeutschen Zeitung

Traueranzeigen sind prägnante kleine Weltsichten. Auch der Nachruf des Museums Brandhorst und der Bayerischen Gemäldesammlungen München zum Tode Cy Twomblys ist eine solche. Diese Traueranzeige ist jedoch – beinahe entwürdigend – zu einer Werbeplattform umfunktioniert. Das ist in solcher Bildhaftigkeit selten zu sehen. Einfach zu trauern war offenbar zu wenig: tatsächlich hat man es in sechs Zeilen geschafft, den Tod Cy Twomblys schamlos mit Informationen zur Grösse der eigenen Twombly Sammlung zu versehen, eine kuratorische Bewertung vorzunehmen, der Stadt München als Kunststandort auf die Schulter zuklopfen und für jedes Publikum vereinnahmend gleich mitzusprechen.
Das ist anmaßend, peinlich und erniedrigend für alle die Twombly als Menschen und Künstler lieben. Auch Herr Armin Zweite ist in der Traueranzeige verantwortlich aufgeführt. Ich habe ihn Mitte der neunziger Jahre bei einem Gepräch im K20 in Düsseldorf als sehr sensiblen und vorsichtigen Mann kennengelernt. Eine solche Todesanzeige ist jedoch von erschreckender Emotionslosigkeit.
Anstand und ehrliche Trauer hat der grosse verdienstvolle Künstler Twombly um jeden Preis verdient.
Die Traueranzeige von Herrn Brandhorst zeigt nur eine traurige Vermischung von eher unschönen Dingen.

Revolutionäre Front Bildender Künstler: Ein Aufruf an alte und neue Künstler.

2011-06-26T13:06:00.000+02:00

Revolutionäre Front Bildender Künstler: Ein Aufruf an alte und neue Künstler.: "Neue Kunst in neuen Anzügen. Jeder kann sich beteiligen. Dieser Blog sucht neue, bisher unbekannte Kunstformen. Denn: ..."

Edisyon: next stop Cihangir

2011-06-21T00:09:00.002+02:00

Nina Ahn: eine Künstlerin beim Projekt Edisyon, Istanbul

Bei einem Gang zwischen den Vierteln Beyoglu, Cihangir und Tophane, im orientalischen Teil von Istanbul, jenseits des genuesischen Galataturms, stößt man in den wunderschönen, von leicht morbidem Flair begleiteten Gassen irgendwann auf einen Raum, der sich als Ausstellungs- und Präsentationsforum für Editionen versteht.
Beim Betreten der kleinen Galerie ist man sofort von einer Fülle spannender, an die Wände gehängter fotografischer und grafischer Arbeiten umgeben. Von einer Empore aus wird man freundlich begrüßt und erfährt wahlweise auf englisch oder türkisch, daß das von Çağlar Kanzık und Yetkin Başarır geleitete „Edisyon“ nicht nur Ausstellungsfläche für Editionen von mittlerweile über fünfzig unterschiedlich arbeitenden Künstlern ist, sondern ebenfalls den Archivgedanken stark in den konzeptuellen Zusammenhang stellt. Dies hat offenbar zwei Gründe: einer ist in der Auseinandersetzung mit dem Verschwinden künstlerischer Techniken und Materialien, die für das Projekt „Edisyon“ einen schützenswerten dokumentarischen Wert haben zu finden – ein anderer liegt im Wunsch, einen Ort kollektiver Erinnerung durch unabhängige Kunst manifestieren zu können. Die in kleinen signierten Serien hergestellten Künstler-Editionen haben bei „Edisyon“ sicherlich auch eine politische Dimension: das seit geraumer Zeit stark gehypte Viertel Istanbuls braucht möglicherweise viel, nicht aber den Zirkus eines hochpreisigen Kunstmarktes. Die kleine Projektgalerie ist aus allen angesprochenen Gründen unbedingt zu empfehlen. Wer sich via Internet eine erste Übersicht über die beteiligten Künstler verschaffen möchte, kann sich auf der gutverlinkten Homepage von „Edisyon“ prima informieren und dort stöbern. Oder man fährt direkt hin, sollte man mal in der Nähe sein. Da auch die anwesenden Künstler in der Raumbetreuung vor Ort folgerichtig stets wechseln, ist es dann vermutlich nicht mehr die vornamenlose Frau Meyer, die alle Fragen persönlich und umfassend beantwortet.

Edisyon
Firüzağa Mahallesi,
Bostanbaşı Caddesi 20A
Galatasaray 34425 İstanbul
T +90 212 245 43 10
www.edisyonlar.com

New Decontemporary in Istanbul

2011-06-15T21:46:00.001+02:00

Foto: Gestern Nachmittag an der Galata-Brücke in Istanbul. Ich habe mir erlaubt mal kein kritisches Statement abzugeben, sondern einfach das schönste Bild von meinem jetzigen allerersten Türkeibesuch eingestellt. Beste Grüße an alle Leser.

Kunst im kleinsten gemeinsamen Nenner.

2011-06-12T21:45:00.000+02:00

Dark remote control.

Es ist nichts Neues, daß Kunst in vordergründig schöngeistigem Habitus mit PR-Kampagnen verquirlt wird – solche Verbindungen waren, auf die eine oder andere Art, immer präsent. Es erschreckt jedoch, daß diese Auswüchse zur Regel zu werden drohen. Niemand und schon gar kein Künstler darf sich heute darüber aufregen, dass Kunst auf immer durchsichtigere Art und Weise benutzt und bagatellisiert wird, will er nicht Gefahr laufen als Nestbeschmutzer zu gelten. Solange es noch so aussieht als ob Kuratoren, Geldgeber und Künstler ihre kulturellen Behauptungen gemeinsam aufstellen, sind auch Besucher und Medien zufriedengestellt. Was aussieht wie ein endlich durchgesetztes demokratisches Grundprinzip ist tatsächlich die Opferung diskutierbarer Inhalte zugunsten eines kulturellen Minimal-Konsens verschiedener Interessengruppen: man findet sich auf der Ebene öffentlicher Selbstdarstellung glückselig zusammen. Sie bedeutet zugleich die gruselige Legitimation durch ein gemeinsam genutztes System ausschliesslich quantitativ ausgerichteter Wahrheiten. Diese erzeugen in erster Linie den monetären Selbsterhalt im Vergleich zum qualitativ ausgerichteten subjektiven, künstlerischen Experiment, das jedoch in der Lage wäre gesellschaftliche Orientierung und Relevanz zu erzeugen.
Applaudiert wird daher mehr und mehr dem kleinsten gemeinsame Nenner.
Und eigentlich soll Alles nur Jedem gefallen …
Na, denn.

Düsseldorf Book of Photography

WGZ Bank III: der Vollständigkeit halber.

2011-06-12T20:47:00.001+02:00

Spielplatz Kunst im zweiten Feld.

Nachdem einer der Künstler der Ausstellung „Was uns antreibt“ (sic!) sich als Emissär der WGZ-Bank bei mir vorgestellt hat, um Druck wegen einer geäußerten Kritik auszuüben, hat der Pressesprecher der Bank in einem Telefonanruf erklärt, es entspräche nicht der notwendigen journalistischen Fairness, das Erlebte ohne Rücksprache mit ihm im „nd“- Blog zu notieren. Die Frage jedoch wie die Bank mir hätte beweisen wollen, ob der Künstler offiziell entsendet worden ist oder ob ihn ein beleidigtes Ego zu solchen Behauptungen angetrieben haben, konnte auch die PR-Abteilung der WGZ Bank logischerweise nicht schlüssig beantworten. Der Künstler schien glaubhaft. Was jetzt den Tatsachen entspricht, kann man, so man will, wohl nur versuchen zu erfühlen. Kurz vor Abschluss dieses Blogprojekts „new decontemporary-der Künstler als Kritiker“, ist durch das Thema WGZ Bank noch einmal anschaulich geworden, wieviele sehr schlichte Macht-, Interessenskonflikte und kunstferne Monströsitäten dieses Anschauungsfeld zu bieten hat.

IMUMBAU, Neuverortung von Kunst

2011-05-29T14:52:00.006+02:00

Verlag

Bildverschiebungen und neue Perspektiven.
Fotografien von Galerien aus Köln und Düsseldorf

Kunst befreit vielleicht. Aber wovon?

2011-05-23T14:19:00.018+02:00

Die Sammlungen Düsseldorfs sind wieder zu besichtigen und standesgemäß brauchen die beteiligten Museen einen adäquaten Slogan zur Bewerbung der eigenen Wiedereröffnung: „Kunst befreit.“ Das ist Headline, Devise und so etwas wie ein Schlachtruf des runderneuerten Neubeginns. In der Stadt erkennt man auf vielen Plakaten in den Strassen frisches revolutionäres Blut durch die Venen der Kunstvermittlung strömen. Kunst befreit demnach.
Aber wovon eigentlich? Von den Sorgen des Alltags? Das tun Karl Moik und seine Orginal Oberkrainer auch. Befreit es von zu hohen Eintrittspreisen an den Museumskassen? Befreit es möglicherweise von einer sich ausbreitenden Zwei-Klassen Moral? Befreit uns die Kunst von immer grösser werdenden sozialen Unterschieden? Von sozialer Ungerechtigkeit? Von mangelnden gesellschaftlichen Perspektiven?
Kann der museale Nachbau einer Ex-Kneipe wie der des Creamcheese tatsächlich für einen Neuanfang stehen – oder werden nur Begriffsköder wie „Translokation“ ausgelegt für ein wiederholtes Erfinden der Sechziger-Jahre-Helden-Manifeste? Kunst könnte von Dummheit und Oberflächlichkeit befreien. Gelingt dies mit der Mär vom erlösten Helden auf Werbetafeln, mit denen man sich in Form eines selbstgemachten Fotobeweises über Flickr an einem Preisauschreiben zum Gewinn eines künstlerisch gestalteten Liegestuhls beteiligen kann? Ist diese Methode ein Rest der einst berühmten Interaktivität zwischen Kunst und Betrachter? Tatsächlich wird man an die Gauloises-Werbung: „Liberté toujours“, vor einigen Jahren erinnert. Erstaunlich. Mir wird so austauschbar im Gefühlsbereich ..., daraus könnten Werber gleich die Austausch-Bar machen.
Es gibt wohl einen Ausverkauf. Und er hat in den Museen bereits begonnen. Der oft gutgemeinte Rest erscheint als Hyperventilation gleichgeschalteter Ideenbörsen.
Schlimmer jedoch scheint mir der Effekt den dieser Slogan auf eine israelische Künstlergruppe hatte, die kürzlich Düsseldorf besuchte: die Künstler erinnerte der Ausspruch sofort an „Arbeit macht frei“. Und es scheint nicht weit entfernt.

Was uns antreibt: WGZ Bank droht Bloggern durch Emissär.

2011-05-14T15:02:00.001+02:00

Die WGZ Bank droht Blogger wegen einer Kunstkritik?

Man mag es kaum glauben, aber ein kritisches Kunstprojekt wie dieser Blog, freut sich über eine erstaunlich zu nennende Reaktion der Bank auf eine seiner Berichterstattungen. Sie wirkt als Präzedenzfall, der Sachverhalte offenlegt. Die Details:
Nach der Kritik am letzten Ausstellungsereignis im Foyer der WGZ in Düsseldorf, entsendet die Bankspitze vor einigen Tagen einen Emissär (Name liegt der Redaktion vor). Er soll, nach eigenem Bekunden, unseren Blog-Autor aufsuchen und wegen der veröffentlichten Kritik rügen und bewerten. Offenbar sorgen nach dem Beitrag bankinterne Querelen und Machtspiele für Probleme bei der Bewertung von Kunst-Ankäufen und ihren Folgen – dem Blog wird fälschlicherweise eine Beteiligung an diesem Machtgerangel unterstellt. Das ist vermutlich eine Überreaktion verunsicherter Entscheider in der Bank, da der Blog absolut unabhängig agiert und ausschließlich kulturelle Interessen hat. Die genannte Unabhängigkeit ist sowohl Inhalt als auch einer der wichtigsten Faktoren des Kunst- und Blog-Projekts „new decontemporary“. Während des Treffens mit dem Unterhändler der Bank, am 9. Mai in Flingern, offenbarte sich ein weiteres mal das Dilemma der Sammelleidenschaften und Ausstellungspraktiken vieler Banken oder Versicherungen: man kann Kunst nur mit Herzblut sammeln. Zum sinnvollen Zusammenstellen von Kunst muss man selbst an etwas glauben, man muss selbst eine Position vertreten können. Es reicht nicht immer, Menschen nur einzukaufen und auf Gehaltslisten zu führen, die in der Folge Einsicht in komplizierte künstlerische Sachverhalte und einen daraus resultierenden Imagegewinn verantworten sollen. Auch die Auswahl von Künstlern von ihrer persönlichen Nähe zu namhafteren anderen Künstlern abhängig zu machen, ist ein dürftiges und kein triftiges Kriterium.
Eine Bank wie die WGZ hätte es jedoch nicht nötig, einem relativ unbekannten Blog und Künstler, der in Projektform seit 2009 in die Kritikerrolle schlüpft, über einen vorgeschobenen Mittelsmann, der selbst einer der in der WGZ ausstellenden Künstler ist, mit diskreditierender Absicht in eine obskure kriminelle Nähe zu rücken oder mit einem wie auch immer gearteten, schädigenden Glaubensentzug der Düsseldorfer Professorenschaft und der anhängigen Presse zu drohen. Es ist falsch und unverhältnismäßig, nein, es ist schlicht unseriös. Solche reaktionären Intentionen arbeiten gegen innovative Experimente im Kunstbetrieb. Denn um einen solches handelt es sich bei diesem Blog.
That’s all, folks. Whatever ...

Oswalt Kolle in Peking: Kunst der Aufklärung

2011-04-13T00:43:00.001+02:00

Über den eigenen, westlichen Tellerrand hinauszusehen ist schwer, wenn ein von der FDP mitregiertes Land infantile Machtpolitik kulturell verbrämt. Im chinesischen Nationalmuseum von Peking ist jetzt eine grosse Zahl von Werken aus staatlichen Sammlungen in Dresden, München und Berlin zu sehen. Die Ausstellung besitzt den öligen Titel „Kunst der Aufklärung“ und in stattlichen 600 Bildern wird offenbar versucht – welche weisen Runden verabschieden diese einfältigen Verknüpfungen? – die Idee der Aufklärung als Beginn eines demokratisierenden Dialogs nach China zu tragen. Nicht nur versucht eine solche Intention, die Kunst selbst auf platteste Art und Weise, entgegen allen Beteuerungen, politisch zu instrumentalisieren. Der Effekt eines solchen Vorgehens ist langfristig auch eine Marginalisierung der verbindenden Chancen von Kunst. Es könnte alles ein Affront gegen die chinesische Auffassung von Staat sein, ginge es wirklich um China als Adressat des Ausstellungstitels. Diese Aussage wird klarer, wenn man bedenkt, daß die Ausstellung im Nationalmuseum von Peking stattfindet. Die chinesiche Führung dürfte also früh im Bilde gewesen sein welche Ausrichtung die „Kunst der Aufklärung“ hatte. Warum sollte sie sich jetzt dagegen wehren? Letztendlich stellt sich hier Deutschland aussenpolitisch dar, nicht umsonst war es Aussenminister Westerwelle und nicht ein mit kulturellem Wissen und Kompetenzen ausgestatteter Beamter der die Eröffnungsansprache hielt. Der Verteidigungsminister wäre ebenfalls eine interessante Wahl gewesen. Hier scheint deutsche Kritik an China unerschrocken aufzuleuchten zu dürfen. Es ist gleichwohl ein Zeichen einer gewissen grösseren Toleranz, das ein immer noch totalitärer Finanzriese eine solche Exposition ausrichten lässt. China fährt relativ angstfrei auf eigenen Schienen. Wer glaubt, mit Bildern aus der Zeit der Aufklärung eine chinesische Demokratie in die Wege zu leiten, wie es medial kolportiert wird, wirft sehr kleine Steine ins wilde Meer. Eher ist es möglich, dass China, mit seinen grossen, politischen und gesellschaftlichen Traditionen, gemischt mit pragmatischen Konfuziansmus und den erlernten gesellschaftlichen Kontrollfunktionen aus dem kommunistischen Regime, neu zu bewertende Formen des Staatswesens errichten kann, die jedoch nicht unserer Auffassung von Freiheit und Gleichheit entsprechen. Sie werden vermutlich jedoch sehr effektiv sein. Der einzelne Mensch, das Individuum wird dabei nicht an erster Stelle stehen. Die hegelschen Ideen der Freiheit des Individuums als Grundbedingung einer vollkommenen Demokratie ist für die Chinesen so weit entfernt, wie das fehlende Verständnis der derzeitigen deutschen Politik für andere Kulturen offensichtlich ist.
Ai Weiwei ist im Gefängnis. Es sind also eher die aktuellsten Auffassungen von Kunst, Einmischung, Vernetzung und politisch nutzbare Symbolfiguren die gefährlich wirken. Was alle verwundern sollte ist die Tatsache die auch Ai Weiwei verwundert: wieso muss er allein alles ausbaden, wieso wird nur er von der internationalen Presse interviewt und permanent in den Fokus gerückt, wieso macht die Presse ausschliesslich ihn zum einzigen Ansprechpartner in Sachen Kultur in einem Land mit einer Milliarde Einwohnern? Die Presse baut nur aus einem einzigen Grund ihre Helden auf. Um sie später zu opfern. Wem hilft das? Dagegen nimmt sich der Dialogansatz bei „Kunst der Aufklärung“ und die ganze Haltung wie reichlich altbackenes Trockenrudern aus. Es haben sich drei staatliche Museen für ein heute schlecht einzuschätzendes, voruteilsbehaftetes Wort im Titel einer Ausstellung profilieren wollen und dabei gerne instrumentalisieren lassen: die gute alte „Aufklärung“. Vielleicht wäre Oswalt Kolle noch brisanter gewesen. Deine Kultur, das unbekannte Wesen ...

Japan bringt das Beste hervor ...

2011-04-09T14:19:00.003+02:00

Die bedrückende Gewissheit der eingetretenen Katastrophe in Teilen Japans erzeugt auf allen Kontinenten der Welt beispielhaften Leidensdruck und politische Unsicherheit. Was machen eigentlich die Künstler mit dieser, menschlich und sozial gesehen, extremen Situation? Eine Methode, eine Art Reflex, scheint die Organisation von Benefizkonzerten jeglicher Art – gekoppelt mit den notwendigen Spendenaufrufen zu sein. Andere Künstler haben eine Kette von Film-Festivals anlässlich der Katastrophe organisiert. Nicht nur Autoren in Zeitungs-Feuilletons verbinden Kunstproduktionen und Ausstellungen mit der hellseherischen Sicht vieler Künstler auf solche Desaster. Fotografen zeigen in Dia-Shows und Fotostrecken ästhetisierte Bilder aus den Krisenregionen innerhalb des Pressekosmos Internet. Mode-affine Gestalter erfinden Jutetaschen mit Roter-Punkt-Japan-Motiv und einer zehnprozentigen Spende vom Kaufpreis für die Opfer. Wenn das Poster „The Great Wave of Kanagawa“ von Hokusai unter den ersten Treffern bei Amazon steht, ist das ein Resultat der internationalen Hinwendung zum Land der aufgehenden Sonne? Das Wiener Dorotheum versteigerte Kunst für die Opfer des letzten Tsunamis. Blogger posten die bereits hundertfach von Pressorganen publizierten Videos der Flutwelle wie ein tausendfach wiederholtes Echo erneut. Warum eigentlich? Es gibt schon wieder Kunstmaler, die, wie schon 2005 Bilder machen die „Tsunami 1-10“ heissen. Ein Fotograf der bereits voyeuristisch motivierte Einlicke in japanische Privaträume zu seinen Leistungen zählen kann, hat jetzt zur Spendenaktion für Japan aufgerufen. Sie ist nur zufällig mit seiner Ausstellung gekoppelt. Der Bachsche Titel „Ich hatte viel Bekümmernis“ des Dresdner Kreuzkirchen Benefizkonzertes korrespondiert ebenfalls einzigartig mit dem Geschehen in Japan. Designer in Social Media Agenturen entwickelten elektronische Spenden-Badges zur permanenten Einbindung bei Facebook mit dem Hinweis, „... sodaß jeder sehen kann, daß man Japan helfen möchte.“ Der landläufige Satz: „Tue Gutes und rede darüber“, war vermutlich noch nie so richtig wie zu Facebookzeiten. Jeder will helfen, was könnte daran verwerflich sein? Die unbedingte Koppelung der eigenen, mehr oder weniger künstlerischen Produktion an die humanitäre Hilfe stimmt kulturell nachdenklich und lässt befürchten, daß das nächste wirkliche Unheil dem unbedingten Wunsch nach totaler Solidarität entspringen könnte.
Künstler verorten sich gerne auf der guten Seite. Entweder Lena oder Berge von Leichen versprechen eine Menge neuer emotionaler Freunde: ein gemeinsamer sozialer Nenner.

Sammlung und Anspruch: „Was uns antreibt“ in der WGZ

2011-03-23T17:03:00.007+01:00

Man kann auf verschiedene Arten seinen guten Ruf verspielen.
Kunst dient in vielfältiger Weise dazu einen Ruf und das zugehörige Sozialprestige zu festigen. Dieser Umstand gilt unbedingt, wenn man eine Bank ist, die über eine nicht unbedeutende Kunstsammlung verfügt und deren kuratorische Praxis darin auch von innovativen Ansätzen geprägt schien. Ein solcher Ansatz dürfte ein Minimal-Standard sein für einen adäquaten Umgang mit aktueller Kunst – vor allem, wenn man sich die Förderung junger Düsseldorfer Künstler auf die Fahnen geschrieben hat. Sollte diese Förderung ein Qualitätsanspruch sein, dann gilt es ihn zu bewahren. Er ist ein hohes, ein verletzliches Gut. Hier sollte Fingerspitzengefühl und Kompetenz agieren. Eine solche Sammlung schafft Verantwortung und wird von vielen Augen beobachtet.

Umso weniger ist die gestrige Ausstellung in der beeindruckend großen Halle der WGZ Bank an der Ludwig-Erhard-Allee 20 nachzuvollziehen. Die große Fülle an Besuchern und die höchste Riege der städtischen Führungselite konnten nicht darüber hinwegtäuschen, dass jeder Anspruch an die ausgestellte Kunst von der Bank ganz offensichtlich aus den Augen verloren worden ist. Weder ließ sich ein Zusammenhang oder eine begriffliche Klammer in der kuratorischen Umsetzung der Ausstellung finden, noch hatte sich die Berlinerin Ulrike Damm, als Verantwortliche, für Künstler entschieden, die eine echte Position auch nur entfernt zu vertreten gehabt hätten. Von Aktualität oder gar gesellschaftlicher Relevanz waren alle gezeigten Arbeiten so weit entfernt wie möglich.

Wenn der Vorstandvorsitzende der WGZ Bank, Herr Werner Böhnke, in den vorab ausgegebenen Informationen die „ ... sich rasant entwickelnde Gesellschaft “ anspricht und seinen Willen bekundet „ ... der Kunst angemessenen Raum zu geben“, dann sollte er sich auch für Kunst entscheiden die diesem Anspruch genügen kann. Alles Bildnerische der jetzigen Ausstellung, sei es das im informationsfreien Vortrag von Frau Damm zitierte Bild des Malers Roda („... saugt den Betrachter ins Bild“), oder die mehrfach bekräftigte (und sehr falsche) Behauptung der Maler Schneider hätte eine einzigartige Maltechnik entwickelt, weder die bunten Nashörner eines Nagel in „Radschlägerkampagnen-Manier“ oder die ermattende Methode verwischte Fotografien von Claes mit Malerei zu verbinden können noch auf fruchtbaren Boden fallen: das alles sind bestenfalls Befindlichkeiten, nur mühsam gestützt durch Allgemeinplätze und Begriffe eines bereits lange verrauchten kuratorischen Instrumentariums. Kein Experiment ist in den Werken wirklich zu spüren, keine Neuerung, keine Bewegung, keinerlei starke Haltung, bestenfalls verkürzende Reminiszenzen an künstlerische Vorbilder. Innovativ ist vielleicht, das die Kuratorin gleichzeitig auch Verlegerin des für 20.– EUR am Abend angebotenen Kataloges ist.

Die sich deutlich zeigende, auf weniger als das Mittelmass zielende künstlerische Perspektive der Ausstellung kann bereits als Verlust der Diskursfähigkeit innerhalb des aktuellen kulturellen Kontextes gewertet werden. Hier gilt es für die Sammlung die Notbremse zu ziehen, um nicht ins Unsägliche oder kulturell Provinzielle zu geraten. Mit der ursprünglichen Offenheit der Bank und dem früher oft unter Beweis gestellten Weitblick des für die WGZ-Sammlung verantwortlichen Ralph Hartwig sind versierte Voraussetzungen für reifere Intentionen vorhanden.
Abschließend lässt sich sagen, dass bereits im theoretischen Ansatz ein obskurer Weg gewählt wurde, Titel und Inhalt der Ausstellung mit einer Imagekampagne der Volksbanken zu verbinden und diesen Gedanken als Mehrwert öffentlich in den Pressetexten zu bekunden. Der Titel „Was uns antreibt“ zielt vorderseitig eher auf psychologischen Rückzug, auf Innerlichkeit, persönliche Kompensierung innerhalb der künstlerischen Arbeit und rückseitig zu durchsichtig auf ein niederschwelliges Imageangebot der Bank.

Mit einer sich rasant entwickelnden Gesellschaft oder echter Förderung von Kunst hat diese leichtfertige Ausstellung nichts zu tun.

Leider nicht empfehlenswert.

„was uns antreibt“
Foyer der WGZ Bank
Ludwig-Erhard-Allee 20
Düsseldorf, hinter dem Hbf
Öffnungszeiten:
9-19 Uhr, der Besuch ist kostenfrei

Internationale Briefe an „Das Zweite Feld“

2011-03-21T15:33:00.000+01:00

Meisje. Hände. Colour.

Eine, bitte. Eine, Bitte. Bitte, bitte, bitte, bitte.
Kannst Du mal par Namen nehmen von den: mir sagen.
Bin dankbar.
Dank-jewel.
Bin tier oder was?
Fool mich jetzt wie einsam tier unterwegs.
Ohne futter aus der vorbeigelaufen Mädchen Hände.
Mein animal ist mimosil. Mein animal ist mimosil.
Bin ganz voll die farbe und meine nase colour und augen eins.
habe gehört du machst die Künst?
zeker? zeker?zeker?zeker?zeker?zeker?zeker?zeker?
Du, super Mann ohne angst.
Pour toi wünsche ich auch viel mehr:
bei dir jetzt alles geht es gut ab Jetzt.
Unter diese nummer ich finde mich.
bin aber nicht sicher zonder hals.

O.K. O.K.O.K.O.K.O.K.O.K.O.K.O.K.O.K. O.K.O.K.O.K.O.K.O.K.O.K.O.K.
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themes and songs from zonderland © daszweitefeld, düsseldorf 2011

Martynow, Kerstin Holm, FAZ

2011-03-21T01:05:00.001+01:00

Der Bericht im Feuilleton der samstäglichen FAZ, zur zehnjährigen Kulturproduktion des russischen Post-Komponisten Wladimir Martynow, macht nachdenklich. Er ist betitelt mit dem nahezu genialen Satz: „Große Musik ist auch nur eine Form von Arroganz“. Die Art und Weise jedoch, in der das Experiment des Herrn Martynow und seine Überzegung in einer Zeit zu leben, die nur noch für Nicht-Komponisten gemacht zu sein scheint und in der er dennoch Musik machen will, als schräge Hymne an den Dilettantismus abgetan wird, ist nett geschrieben, aber als Demontage gedacht. Richtiges beschreiben aber die falschen Schlüsse ziehen sind das Credo des Artikels von Kerstin Holm. Sind nicht Martynows, in der Überschrift anklingende, theoretische Ansätze nachvollziehbar folgerichtig und eine durchaus mögliche Essenz aus den künstlerischen und gesellschaftlichen Entwicklungen? Sind es nicht hauptsächlich die aus traditionellen Künstler-Schulen und Akademien resultierenden Kunstgattungen und Künstler, die keinen nennenswerten Beitrag zur Lösung zukünftiger gesellschaftlicher Aufgaben zu leisten imstande sind, weil sie die Konsequenz, die in ihrer eigenen, janusköpfigen Situation liegt, scheuen? Warum trennt die Autorin des Artikels gerade Martynows Streitschriften, von der sie sagt, daß sie in jedem Buchladen zu haben sind, und seine Hinwendungen zu Multmedia von seiner künstlerischen Produktion als Komponist? Auch Journalisten sollten keine Angst entwickeln vor den sich auflösenden Formen traditioneller Kunstproduktion und Genres. Das der ehemalige Komponist Martynow der Kunst im Allgemeinen eine Absage zu erteilen versucht ist natürlich unsinnig. Entweder bezieht er sich bei seinen Äusserungen auf traditionelle, durchlebte Kunstformen oder es handelt sich um eine ganz persönliche Lebensentscheidung, über die man einen ganz anderen Artikel schreiben müsste. Ein Künstler der sagt, „daß große Musik auch nur eine Form der Arroganz sei“, bestätigt letztlich nur mit lockerer Hand die Erkenntnisse eines Kultursoziologen vom Format Pierre Bourdieus, nach dem es auch oder gerade die angeblich edlen Formen der Kunst sind, die für die Legitimierung sozialer Unterschied sorgen. Das Postulat der heutigen freien Kunst ist, in Bezug zu ihrer Beliebigkeit und Systemkonformität, möglicherweise nur frei von weitergehenden Bedeutungszusammenhängen.

Das zweite Feld der Kunst.

Die Rolle des Künstlers nach Berger

2011-03-15T09:10:00.001+01:00

„Selbstportrait im fremden Bild“, Carsten Reinhold Schulz, 2011

Es gibt zum Glück immer wieder Äusserungen von Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, die ein wenig Licht auf die Rolle des Künstlers in heutigen europäisierten Gesellschaften werfen können. So äusserte sich Mathias Berger (in der SZ), seines Zeichens Leiter der Psychotherapeutischen Klinik in Freiburg und erklärtermaßen einer der führenden Köpfe der Psychotherapie, das „ ... die Therapeuten sich nicht wie Künstler gerieren sollten, die an etwas herumbasteln ...“, das sei „Eklektizismus“ – gemeint ist vermutlich versatzstückhaftes Arbeiten. Diese Vorstellung von der Arbeit des Künstlers ist hochinteressant und hat sich abseits der Kunstproduktion offensichtlich durchgesetzt. Es erscheint die künstlerische Tätigkeit als ein, weil bruchstückhaft oder „bricolierend“, von ernst zu nehmender wissenschaftlicher Arbeit strikt zu trennender Prozess. Somit schwebt die Vorstellung künstlerischer Arbeit heute tatsächlich übergreifend zwischen dem gerne beanspruchten genialischen Moment, dessen Ursache den meisten Menschen jedoch unklar bleibt, und einer schwärmerischen Fleissarbeit. Dennoch bestehen die Liebhaber von Kunst auf ihrem inhaltlichen oder formalen Mehrwert, der jedoch offenbar nur für relativ kleine Interessensgruppen repräsentativ zu bestimmen ist. Eine gesellschaftliche Bedeutung bekommt der größte Teil heutiger Kunst, da sie schon lange nicht mehr zu breitgefächerter Diskussion führt, noch mittels der plakativ-medialen Darstellung und haltloser Preise. Die Künstler selbst, bereits marktorientiert erzogen, bleiben zwischen den Stühlen stehen: auf der einen Seite müssen sie die eigentlich überlebte Präsenz des genialen Menschen aufrecht erhalten, der ihnen zum persönlichen Selbstverständnis zusätzlich den monetär unangreifbaren Teil des Bildwertes verspricht. Eine quasi göttlich vergebene Genialität scheint, trotz einer beispiellosen Zahl von Kirchenaustritten, erstaunlicherweise auch heute noch so gut wie unanfechtbar und stillt bereits das inhaltliche Verlangen nach ausgehandelten Substituten vieler Kunst-Käufer. Die sogenannte kreative Genialität sprudelt jedoch aus uralten Quellen lang gepflegter christlicher Erhöhungen, mit denen – im Gegensatz zu heutiger Auffassung – stets eine direkte Funktion des Schaffenden und seiner Arbeit verbunden war. Diese pseudo-religiös basierte Wertegrundlage widerspricht diametral den heutigen, beinahe ausschliesslich atheistisch ausgerichteten Künstlern. Die Entwicklung der Kunst hin zu einer psychlogisch motivierten, selbstreferentiell ausgesteuerten Tätigkeit, mit wiederholten, ermüdenden Bezügen zu bereits vorgelebten Formen künstlerischer Entwicklungsgeschichte, ist möglicherweise nur ein verklärter Ausweg aus dem Dilemma des Künstlers, der endlich neue gesellschaftliche Wege und Aufgaben auftun müsste. Dieses nicht zu übersehende Vakuum ist eine mögliche neue Aufgabe heutiger überpolitisch arbeitender Künstler. Die losen Enden zu verbinden sollte keine Aufgabe der Psychotherapie bleiben. Nach Herrn Berger versucht sie selbst gerade ein mehr wissenschaftlich fundiertes Terrain zu erreichen. Warum eigentlich?

Neue Formen der Kunst kann man hier ansehen und einstellen.

Veraltete Kunst hinter sich lassen ...

2011-03-05T12:36:00.003+01:00

„Das Feld der Scheisse“, Carsten Reinhold Schulz / Das Zweite Feld / Google Übersetzer, ©2011, mehrsprachige Audio Datei

Eine diskussionswürdige Perspektive, um neu in das Feld der Kunst einzutauchen, ist die in anthroposophischen Kreisen nicht unübliche Vorstellung, die gestaltete Kunstproduktion sei mit ihrer Fertigstellung für den Künstler selbst unwichtig geworden, weil: abgearbeitet, überlebt durch Bearbeitung, Exkrementwerdung nach Erledigung. Aus dieser Haltung heraus lässt sich allerdings ganz prima eine internationale Kunstproduktion machen. Zum Beispiel über das Feld der Ehre, die Fields of Honour. Verdammt schöne Kreisläufe.

Das Zweite Feld der Kunst.

Auf Kunstmessen lernen.

2011-02-20T22:55:00.000+01:00

Obwohl der Neusser (sic!) Initiator der Düsseldorfer Kunst- und Antiquitätenmesse gerade die Remscheider Zeitung als Referenzblatt für sich beinahe Unaussprechliches sagen lässt, ist der Gesamtauftritt in der überschaubaren Messehalle 8 A nicht uncharmant. Das liegt zum einen an der geschickt-geschmackvollen Auswahl der größtenteil grauen Stand- und Wandfarbe. Zum anderen lässt sich in der Gegenüberstellung der allerdings wenig präsenten, aktuellen Kunst und exzellent gearbeiteten Antiquitäten schnell eine gewisse Bedürftigkeit auf Seiten der Kunst attestieren. So wundert es nicht weiter, daß viel Expressionismus und Altbewährtes zu sehen sein muss – neben dem armen, offensichtlich schlaflosen Robert Indiana, der an beinahe jedem Stand zu finden ist. Ganz stark: ein ganzer Raum voll schönster Matarés bei Vömel. Das konnte an Kraft und Finesse durchaus gegen die vielen hochwertigen und abwechslungsreich präsentierten Antiquitäten ankommen. Eine Messe also, bei der die Schwerpunkte noch etwas unausgewogen verteilt wirken. Verbessert man jedoch die Qualität bei der Auswahl der Galerien mit aktueller Kunst entscheidend, hat diese kontrastreiche Show eine spannende Zukunft und Expansionfähigkeit vor sich – auch weil der zeitliche Abstand zur unschlagbar scheinenden Maastrichter TEFAF gerade groß genug ist.

Kriwet, Ferdinand. Hörstücke, Konkretes.

2011-02-20T11:42:00.000+01:00

Ein bisschen wehmütig wird es oft, wenn die Kunsthalle ruft. Es ist jedoch eine gute Idee gewesen Ferdinand Kriwet, dem breiten Publikum hierzulande kaum noch geläufig, dem Schicksal des Vergessenwerdens nicht anheim fallen zu lassen – auch wenn seine Einflüsse bis heute spürbar sind. Herr Kriwet ist ein 1942 geborener deutscher Künstler, der aus der Kombination seiner Hörstücke und vielfältiger bildhafter Textbearbeitungen für jeden Interessierten gut zugänglich ist. Die Präsentation in der Düsseldorfer Kunsthalle bewegt sich jedoch auf einen etwas lauten, hauptsächlich collagierten Kriwet zu. Wenn sich einfache Ableitungen aus den Arbeitstechniken des Künstlers kuratorisch für die Präsentation herstellen lassen, scheinen die Wände jedoch gelegentlich überbunt. Ein wenig zu grob, zu voll für Nuancen. Zu laut. Zudem zeigt sich die Problematik in der Präsentation eines Künstlers der spartenübergreifend und audio-visuell gearbeitet hat in der Ausstellungspraxis: Die wenigen bereitgestellten Kopfhörer, um sich die tollen Hörstücke anzuhören, sind für die meisten Besucher anstrengend und scheinen den Betrachter beim Gang durch die Ausstellung zu isolieren. Eine andere Lösung als Filmbeiträge und Kopfhörer auf schlichten Bänken wurden für die Düsseldorfer Show jedoch leider nicht gefunden. Hier wäre mal richtig nachzudenken – mir fielen da ein paar schöne Sachen ein, das dürfte also auch dem Kuratorenteam gelingen. Die Hinwendung und Nutzung von Licht- und Werbeästhetiken und damit die Hinwendung zu Gefilden des POP frisst dann die Arbeiten Kriwets schliesslich deutlich auf. Man findet immer weniger menschliche Substanz. Die Beendigung seiner künstlerischer Laufbahn in den 1980er Jahren ist folgerichtig. Ein bisschen wehmütig wird es ja oft, wenn man die Kunsthalle verlässt.
Also: anschauen und selbst beurteilen.

Helga Meister, Kulturjornalismus und Machtmissbrauch II

2011-02-10T12:03:00.001+01:00

Der letzte Blogbeitrag zum Thema des persönlich instrumentalisierten Kulturjournalismus, betitelt „Helga Meister, Kultur und Korruption?“, hat zu etlichen positiven Reaktionen geführt. Nicht nur Künstler und sonst verhaltene Galeristen haben diesem Blog von weiteren Fällen des journalistischen Missbrauchs berichtet und (zumindest stille ...) Solidarität erklärt, ich erhielt auch einen Artikelvergleich, der das beschriebene Prinzip veröffentlichter Fehlinformation in der WZ durch Frau Helga Meister im kulturellen Bereich in weitere fatale Dimension trägt. Diesen Vergleich möchte ich den Lesern des Blogs nicht vorenthalten, bestätigt er präzise geschilderten Verdacht und Methode. Dass Frau Helga Meister selbst kuratorisch tätig ist und sein möchte, könnte ein Indiz sein für die Steuerungsabsichten und persönlichen Interessen hinter den scheinbar schlecht recherchierten Kulturbeiträgen, bei der sie möglicherweise die Westdeutsche Zeitung für ihre Zwecke nutzen darf. Der gut recherchierte und seriös formulierte Artikel aus der NRZ (WAZ Gruppe) von Frau Julia Killet vom 7. September 2010 beschreibt Geschichte, Veränderungen und die kulturellen Verdienste des mitgliederstarken und innovativen Kunstvereins WP8 in Düsseldorf. Im Artikel-Vergleich dazu sieht man erneut die fehlerhaft recherchierte, mangelhaft ausgeführte Berichterstattung der WZ Kulturedaktion durch die bereits erwähnte Autorin Meister, vom 26.8. 2010. Das mehrfache, vollkommen überflüssige Namedropping Andreas Gurskys als Gründer und Retter des Kunstvereins WP8 verdeutlicht die bereits peinlich zu nennende, simpel gestrickte Rechnung Meisters, die im gesamten Artikel die Rolle und die Lage des Kunstvereins nicht nur nicht erkennt, sondern ihn verfälscht und destabilisiert. Von der beschriebenen ästhetischen Tarnung der Räume gegen Obdachlose und Drogenabhängige lässt sich wohl eher auf beinahe rassistische Vorurteile der Autorin schliessen, als auf das offene künstlerische Klima im Kunstverein.
Ein Tabu unserer Gesellschaft bleibt die Situation von Kultur und ihren Strukturen, die zum Teil von einem freien, verantwortlichen Umgang mit menschlicher Kreativität wegführen. Die Presselandschaft braucht mehr kritische Journalisten mit einer echten Haltung und mehr sozialer Kompetenz. Meinen Dank an Frau Killet die mutig genug war, genau das aufzuzeigen. Beide erwähnten Artikel sind mit dem unten stehenden Link nach zu lesen.

Beide Artikel zum download, hier klicken

Helga Meister, Kultur und Korruption?

2011-02-03T21:47:00.008+01:00

Eine der altgedienten Galionsfiguren des rheinischen Kulturjournalismus.

Kunst besprechen und kritisieren: das gehört selbstverständlich auch zum Alltag eher regional orientierter Gazetten wie der Westdeutschen Zeitung. Zu wenig untersucht wird die Bedeutung einzelner journalistischer Köpfe innerhalb der Feuilletons, bzw. der Kulturseiten als gesellschaftlicher und wirtschaftlicher Machtfaktor. Die angesprochenen Kulturjournalisten werden von Künstlern und Galerien zum Teil hofiert, zum Teil gefürchtet, fände man doch als kulturelle Leistung nur unzureichend statt, hätte man nicht ab und an eine Besprechung in Form eines redaktionellen Artikels (zumal, wenn man kein Blogger ist ...). Da halten viele, trotz mancher Ungerechtigkeit lieber den Mund, um sich den nächsten Pressebesuch nicht zu verscherzen. An welchen künstlerischen Vorstellungen und journalistischen Werten orientieren sich jedoch derzeit diese Journalisten? Aus welchen Quellen fliessen zusätzliche Honorare? Nach welchen Kriterien filtern Kultur-Journalisten Kunstinformationen für die Leser heraus? Welches gesellschaftliche Bild erzeugen sie damit? Um das genauer zu beleuchten, möchte ich ein konkretes, ein nachprüfbares Beispiel geben und Namen nennen, um zu zeigen, wie Mitarbeiter von Zeitungen Entwicklungen steuern, verschieben oder gar unterbinden können, im besten Fall ohne darüber nachzudenken. Die Fakten: ein in deutsch-weissrussischer Kooperation gänzlich neu entwickeltes Galerieprojekt in Düsseldorf Flingern, wird von einer Journalistin der WZ, Frau Helga Meister, besucht – sie sagt, sie möchte etwas über die Künstler und die Idee der Galerie schreiben. Alle Fragen werden der Journalistin detailliert beantwortet. Aus diesem Interview entsteht ein Artikel, der zum größten Teil das genaue Gegenteil der Festgestellten berichtet und die Galerie-Idee nicht nur vollständig unterschlägt, sondern sie regelrecht untergräbt. Ein Artikel, der in Teilen bis heute im Internet erscheint und sich für diese Galerie lange imagezerstörend ausgewirkt hat. Frau Meister, die sich mit den Sternchen der regionalen Szene immer wieder gern selbst fotografisch in Szene setzt, berichtete in ihrer Arbeit ohne jeden Skrupel davon, das die Galerie nur Künstler des Stadtteils zeigt, alle Macher aus Flingern stammen und das selbst die Galeristin im Haus wohnen würde. Was scheinbar harmlos klingt ist nicht nur falsch, es ist zudem für den beginnenden Ruf einer international ausgerichteten Kunstvermittlung eine weltweit abrufbare, fatale Fehlinformation. Die so in der Zeitung und später im Web angezeigte, angeblich regionale Ausrichtung der Galerie, die offizielles Mitglied des BVDG und der profilierten Düsseldorfer Galeriengemeinschaft „parallel“ ist, verfügte jedoch von Beginn an über ein breit gefächertes Angebot von Künstlern verschiedener programmatischer Ansätze und Nationalitäten aus ganz Deutschland und tatsächlich zur Hälfte aus Osteuropa. Das Ziel, der auf privater Initiative entstandenen, mit hohem persönlichem und finanziellem Einsatz gestalteten Idee, osteuropäische Kunst und Kultur, gerade aus dem weitgehend unbekannten Weissrussland hinter dem Vorhang des Politischen und Unsichtbaren hervor zu holen und in Düsseldorf öffentlich diskutieren zu lassen, wurde von der Kulturredaktion der WZ und Frau Meister mit einer Leichtfertigkeit verspielt, die im schlimmsten Fall den Verdacht der Korruption oder der Absprache innerhalb des Systems der Galerien und des Kulturjournalismus in Düsseldorf nahelegen könnte. Das nach diesem Artikel verhängte Hausverbot von Frau Meister hatte zum Resultat, dass für eine gewisse Zeit in keiner wichtigen Zeitung der Region mehr Reaktionen oder Artikel über die Galerie erschienen. Noch nicht einmal zum Anlass der erneuten, auch kunsthistorisch gesehen, nicht unbedeutenden Ausstellung mit Deutschlands erster Aktionskünstlerin Chris Reinecke in Düsseldorf, der Mitbegründerin der legendären LIDL Gruppe. Diese Künstlergruppe hat Reinecke in Kunstkreisen und ihren Ehemann Jörg Immendorf in der Welt berühmt gemacht (noch etwas, das man hinterfragen müsste). Wäre dies ein journalistischer Einzelfall, so würde man vielleicht resigniert mit den Achseln zucken, jedoch liegen diesem Blog Informationen vor, das auch in einem anderen Fall Frau Meister für die WZ erstelltes Bildmaterial zur Verfolgung eher persönlicher oder vielleicht politischer Ziele benutzte. Ein Foto, das von ihr auf einer Kunstausstellung gemacht wurde, taucht im Zuge eines sozio-politischen Tauziehens um alte Fabrikgebäude später in eben diesen Zusammenhängen wieder auf. Auf diesem Fotos abgebildet auch Menschen, die mit den Zielen des Artikels überhaupt nicht konform gehen. Hier hätte zumindest eine einfache Recherche gut getan. Übrigens: mehrfache Versuche Gegendarstellungen der offensichtlichen Unwahrheiten in der WZ zu erhalten, wurden mit der Androhung von sehr teuren und langwierigen Gerichtsverfahren durch den damaligen Vorgesetzten von Frau Meister in mehrstündigen persönlichen Gesprächen mit der Galerieleitung unterdrückt.

Dieser Blog plädiert hiermit nachdrücklich für einen Journalismus der Kritik, aber gegen journalistische Fahrlässigkeit und eklatanten Machtmissbrauch.

Die Frage, ob Blogs den seriösen Journalismus beschädigen, darf somit gerne auch ganz anders gestellt werden.

Galerie Ruth Leuchter, Jan van der Ploeg, Flingern

2011-01-21T22:01:00.002+01:00

Es ist besonders schön zu sehen, wie zeitbezogene theoretische Vorurteile zur Farbfeldmalerei oder der Op-Art im Nichts verpuffen, sobald man vor, bzw. innerhalb der Arbeiten steht. Der 1959 in Amsterdam geborene Ploeg ist mit seiner Kunst weit entfernt davon behäbig zu wirken. Im Gegenteil. Mit diesem Künstler, der glücklicherweise keine Angst vor seiner Zuneigung zum Design zu haben scheint, wirkte die Galerie von Ruth Leuchter wieder als die direkteste und frischeste beim ersten Galerienrundgang in Düsseldorf-Flingern 2011. So ist es sicherlich nur ein Zufall, das der Ausstellungsraum nicht in der Gruppenliste der gemeinsam eröffnenden Galerien in diesem Stadtteil mit beworben wird: die starken, griffigen Farben der mural-paintings leuchteten bis auf die Strasse und stellten ihre archtektonischen Fragen nicht nur innerhalb der Galerieräume. Ansichten wie bei modernen Schattenspielen taten sich wie nebenbei in den Fenstern auf. Die Tendenz einiger Künstler hin zu temporären Arbeiten, die sich auch in dieser Ausstellung zeigt, ist ein Schritt in eine vergängliche Schönheit, die jede Farbwirkung, gerade in dieser raumbezogenen Form, deutlich mit Musik verbindet.
Auf jeden Fall anschauen oder anhören ...

Jan van der Ploeg
Galerie Ruth Leuchter
Düsseldorf Flingern

Street Art, die Stadt, der Tod.

2011-01-19T03:14:00.001+01:00

Die Methoden der Vereinnahmung und jede werbestrategische Mehrfachnutzung sogenannter Street-Art-Künstler und Sprayer sind Legion und werden gerne mit selbstgefälliger Attitüde besprochen.
Es gibt keinen Grund über die Eingliederung von Street-Art in den Kunstmarkt besorgter zu sein als über die zu schnelle gesellschaftliche Absorbtion jeder anderen Kunstform auch. Wenn man allerdings Alex Rühles kleinlaute Auslassungen zur Street-Art in der SZ liest, mag man aufhorchen: scheint selbst ein manifestiertes Ranking solcher Kunst in den Neuerscheinungen des Buchmarktes für den Autor kein diskussionswürdiges Problem dazustellen. Eine ursprünglich tribalistisch und sozial motivierte Form der Selbstdarstellung wird hier mit Methode genialisiert und dem zugeführt wohin alle Kunst wandert – behält sie nur lange genug eine gewisse Ähnlichkeit – um gelabelt zu werden: in einer verkürzten Anerkennung als Produkt. Die Street-Art birgt allerdings Möglichkeiten neuer gesellschaftlicher Einsichten, die weit über städtische Fahrradkarten, auf denen die neuesten Arbeiten von Banksy oder Slinkachu verzeichnet sind, hinausgeht. Die Besprechung erinnert fatal an die verstümmelt rezipierte Version von „Jeder Mensch ist ein Künstler“ durch die Bild-Zeitung der 60er bis 80er Jahre, die zwar zu einem Zuwachs von Malkursen an Volkshochschulen führte, jedes revolutionäre Moment der Kunst jedoch zu verhindern wußte (siehe letzter Blogbeitrag). Das diese öffentliche Rolle jetzt der Süddeutschen Zeitung zukommt bestürzt.
Aber es sind auch die Künstler selbst die den Diskurs leichtfertig verschenken. Der öffentliche Raum und die Marke „Street-Art“ sind nicht nur für Firmen interessant, sie eignen sich ebenso aus Künstlersicht zur Selbstpopularisierung in Manier der Guerilla-Werbung. Der Umstand das Künstler sich meist selbst vermarkten müssen wird gerne vergessen. Er passt nicht so recht zum verträumten, idealisierten Künstlerbild. Die Entwicklung der Street-Art/ Urban-Art hat zu einem Rundum-Design des Öffentlichen geführt, durch soziale Netzwerke und YouTube ebenso vervielfacht wie instrumentalisierbar. Die fühlbaren Nischen und blinden Flecke einer Gesellschaft sind mittlerweile in den stylischen Präsentationsmodus geschaltet. Todd James u.a. liefern eine verdünnte Biennalemusik dazu.
Es beginnt jetzt die Zeit, in der die öden und für Sprayer unerreichbaren Flächen unter den Brücken der Stadt zu einer uniquen Dimension der Stille reifen.

Zur Weiterentwicklug der Street Art

Johannes Stüttgen auf der Birkenstrasse und das Kapital kommt nach Flingern

2011-01-13T00:30:00.001+01:00

Den gegenseitigen Begrüssungen zufolge wirkte es wie ein Treffen alter Bekannter, die der Einführung in den erweiterten Kunstbegriff von Joseph Beuys durch Johannes Stüttgen beiwohnen wollten. Ort: ein Kunstverein auf der Birkenstrasse in Düsseldorf Flingern. Das als kreativ gehypte Viertel Düsseldorfs, in dem die ersten Galerien schon wieder abwandern, ist bestimmt nicht der schlechteste Ort für das Gespräch über einen Kunstzusammenhang, der den gesamten Menschen fordern will. Johannes Stüttgens Unmittelbarkeit im Vortrag wirkt auch deswegen so symphatisch, weil der, trotz seiner langen Erfahrung bei der unermüdlichen Klärung von Fragen, suchende Stüttgen, der im vorgestellten besten Sinne Künstler Stüttgen, immer präsent ist. Nicht nur in einer gelegentlich vorsichtigen Suche nach der formenden, den Sinngehlt weitertragenden Wortwahl, sondern auch in der Gestik und Bewegung zeichnet er so Teile der Arbeit von Joseph Beuys deutlich nach. Es ist jedoch auch eine sprachliche Welt in die hier eingeführt werden muss. Präzise Begriffsdefinitionen und Kontexteinfügungen führen zu strukturierenden Perspektiven, wie bei der Materie und der Erde als Widerstand oder den erweiternden Zusammenhängen von Kapital und Kreativität. Ob am späteren Abend viele der Zuhörer die Über- und Unterschneidungen der Begriffe Substanz, Materie und Material noch so klar verinnerlicht haben werden, wie zum Zeitpunkt des Vortrags, ist schwer zu sagen: gerade in einer Zeit in der das Piktogramm beginnt die Sprache zu bespaßen. Daher ist es eines der Verdienste von Joseph Beuys die Erfahrungen über das Material und die Zeichnung – als ein Urtypus des Bildes – wieder auf menschliche Ebenen gelenkt zu haben, die mit Kopf, Gefühl und Willen nachvollzogen werden können und daher beständig wichtiger werden. Johannes Stüttgen sei unter anderem dafür Dank, daß wir das nicht so schnell vergessen wollen. Eine seiner Publikationen aus dem Jahre 1983 hat mich immerhin mit veranlasst herauszufinden was es bedeutet Künstler zu sein und trotzdem Humor zu haben.
Es hiess nach einem Titel der Bild-Zeitung: „Professor lag der Länge nach in Margarine.“

Johannes Stüttgen liest aus DER GANZE RIEMEN

Triegel malt den Papst nach Leipzig

2011-01-11T16:27:00.003+01:00

Den Pabst von einem Foto abmalen dürfen und glauben, das sei ein Tabubruch? Das ist sehr lustig, Herr Triegel. Aber so äußern sie sich im Feuilleton der Welt von letzer Woche. Soweit wir alle wissen: der Papst ist mittlerweile ein netter Popstar mit leidlich grosser Anhängerschaft. Das manche ihn für ein Symbol halten ist die kulturelle Tellerrandidee eines schon lange verkauften Sinns. Nicht an eine Avantgarde zu glauben ist ebenso ein Allgemeinplatz, aber daraus falsche Schlüsse zu ziehen ist noch weniger eine Leistung. Sie hätten zudem gern selbst einen Glauben? Na, dann machen Sie sich doch einen, oder nehmen Sie einen aus dem großen Angebot. Glauben kann man alles. Man muss nur wollen. Kunst füllt die Leerstelle der Religion übrigens schon seit langem nicht nur in Ihrer Vorstellung, sondern gefühlt tatsächlich aus, und das eben nicht zum Vorteil der Gesellschaft. Dazu fehlen der Kunst die Möglichkeiten korrektiver Hinwendung und ein grundsätzlicher gesellschaftlicher Konsens. Wenn man den überhaupt suchen möchte, erreicht man ihn nicht mehr über religiös-mythologische Substrate, gezeugt im Glauben an das Handwerk. Damit stärkt man höchstens das System „Kunstprodukt“ in seiner heutigen, gesellschaftsklitternden Funktion. Fragen nach dem Avantgardismus sind ebenso veraltet, wie ein altmeisterlich wirkendes Gemälde vom Papst Teil jeder Bierwerbung sein könnte. z.B. zwei Japaner und der Papst hängt im Biergarten ... Jedes kreativ motivierte Papstbild ist das Gegenteil eines Tabubruchs. Es ist ebenso konform, so angepasst wie eine sehnsuchtsvoll zurückschauende Maltechnik heute als blosse Methode unter Hunderten gleich gültiger Möglichkeiten erscheinen muss.
Aber: ein toller Hund war auf dem Atelierfoto.

Wutbürger beten.

2011-01-05T23:06:00.001+01:00

Ausdrücklich vermeidet die Deutsche Gesellschaft für Sprache jede Wertung zum Wort des Jahres 2010. Warum eigentlich? Es heißt „Wutbürger“ und keiner weiss wirklich, ob man sich über das Wort freuen kann oder nicht. Vielleicht ist es die phonetische Nähe zu „Gutbürger“ die irritiert? Das Wort ist vor allem deshalb Wort des Jahres geworden, weil es gezählt sehr häufig von der Presse gebraucht wurde, vor allem um die Haltung der Bürger bei den Protesten in Stuttgart zu beschreiben. Was hat die Presse nun dazu veranlasst dieses Wort immer wieder für sich zu nutzen? Welches öffentliche Bild aufständischer Bürger hat man damit erzeugt? Wut ist eine Emotion von grosser Wucht, die in Demokratien unserer Prägung wenig erwünscht ist. Die Verbrämung des Wortes mit Aspekten des undefiniert Bürgerlichen verschleiert die Kraft dieser Emotion. In Wirklichkeit wurde in Stuttgart ein Aufstand niedergeschlagen. Die Demonstrationen zu Stuttgart 21 war auf keinen Fall ein Zusammentreffen von Wutbürgern. Das soll in etwa so harmlos klingen wie ein Wettessen von Hamburgern oder das Feiern mit Blutsbrüdern. Die Redaktionen der führenden Presse dürfen wahrlich nicht stolz sein auf dieses Wort.
Es betet die Demokratie weiter herunter.

Ein echter Bürger.

Schirn Frankfurt, Outsider?

2010-12-21T19:41:00.001+01:00

Die Kuratorin der Schirn, Dr. Martina Weinhart, lässt es erstaunlicherweise zu, daß ihre Ausstellung „Outsider“ einen Begleittext erhält, der einem Offenbarungseid aktueller Kunst gleicht. Er trennt auf groteske Weise noch im 21. Jahrhundert eine sogenannte normale Kunst von einer sogenannten Outsider Kunst. Das vor allem etwas unerfahrene Kuratoren gerne eine vorhandene Ordnung übernehmen, ist aus ihrer Sicht verständlich und vermutlich der wenig kreativen Ausbildung geschuldet. Der Text belegt jedoch, wie wenig heutige Kunst aus Sicht der Schirn noch in der Lage zu sein scheint, sich in neuen Positionen und im Denken abseits von Normen und Konventionen zu bewegen. Er zeigt zudem die klischeehafte Aneignung des Begriffes „Outsider-Kunst“ des Kunsthistorikers Roger Cardinal. War es denn nicht von jeher geradezu eine Notwendigkeit guter Kunst im Allgemeinen grenzerweiternde Aspekte des Lebens erscheinen zu lassen? Zur weiteren Erhellung hier ein Auszug aus dem offiziellen Text der Frankfurter Schirn zur angesprochenen Ausstellung: „Das Denken jenseits der Norm lässt fantastische Werke entstehen. Gebunden an die schöpferischen Fähigkeiten, an seelische Zustände, die vom Alltäglichen, „Normalen“ mehr oder weniger abweichen, enthüllen Outsider-Künstler in ihren Werken Unerwartetes. Häufig am Rande der Gesellschaft stehend, beleuchten sie die Grenzen und Widersprüchlichkeiten des menschlichen Daseins und vermitteln eine tiefe Unruhe über die Beziehungen zwischen Wirklichkeit und Fantasie. Sie lenken den Blick auf die undurchsichtigeren Wege des Denkens und geben Anlass zu grundsätzlichen Fragen.“ Gilt eine solche kuratorische Belanglosigkeit nicht stets und für alle Kunst? Hätte die Art Brut nicht als antiakademische Bewegung die Möglichkeit geboten, über diese Weltanschauung als Sichtweise zu diskutieren? Wäre das nicht die didaktische Chance des Museums gewesen? Warum werden die derzeit in der Schirn ausstellenden Menschen immer noch mit dem Titel Outsider gelabelt? Ist das irgendwie interessanter? Obwohl die Kunst längst arriviert ist und nicht mehr outside ist, wie der Ort der Ausstellung selbst gut zeigt. Geht es um einen irren Reiz? Ist diese innere Trennung der Kunst nicht tatsächlich ein unbemerkter Nachbrenner der Kunstauffassungen aus dem Dritten Reich? Die an der Ausstellung beteiligten Künstler wie Aloïse, Judith Scott, George Widener oder August Walla haben so einen Unsinn auf jeden Fall nicht verdient.
Starke Bilder allemal – in einem offensichtlich unaufmerksamen Museum.

Für echte Outsider hier klicken ...

Jochen Gerz, 2-3 Strassen

2010-12-16T22:08:00.000+01:00


Jochen Gerz wohnte für uns in einem Haus in Essen.

Wie schon oft ist es Jochen Gerz mit der jetzt beendeteten Aktion „2-3 Strassen“ wieder gelungen, mit, soweit es sich übersehen lässt, gesellschaftlichem Gewinn, die Vorstellung vom einfachen Bürger mit der überholten Idee der heutigen Künstler als Polarität sowohl in Frage zu stellen als auch zu nutzen: Kreative aus ganz Europa zogen in verschiedene, bewohnte Häuser im Ruhrgebiet für ein Jahr – und alle haben darüber in einem offenen Buch geschrieben. Die Idee einer gesellschaftlichen Autorenschaft, die er sucht und die seiner Arbeit stets zugrunde liegt, ist so entscheidend und vielversprechend, daß er es schwer haben dürfte jenseits seiner Bezüge zur Erinnerungskultur langfristig in der Öffentlichkeit wahrgenommen zu werden. Der Grund dafür ist einfach: die Ideen sind wichtig und zerstören inhaltlich die trägen Auffassungen von Kunst. Noch sorgen die öffentlichen Auftraggeber aus eigenem Interesse für die notwendige Pressearbeit. Der finanzielle Einsatz der öffentlichen Trägerschaft muss schliesslich beglaubigt werden. Gerz hat jedoch Elementares verstanden und seine Grösse liegt auch im steten Suchen nach dem geeigneten Bild für den Anstoss zu neuen, komplexen gesellschaftlicher Prozessen. Jochen Gerz ist damit ein deutlich wichtigerer, aber weitaus schlechter bezahlter Künstler als die gestrigen Richter oder Gursky. Gerz Konzepte, die sich auf den Wandel der ästhetischen Anschauungen beziehen, verlangen nichts weiter als die Neuorientierung der Kunst schlechthin und einen Verzicht auf herkömmliche Bildformen. Damit deckt sich seine Auffassung mit denen aktueller Kunstgruppen, die allerdings den Begriff der Autorenschaft oft vollkommen freigegeben haben. Die Autorenschaft allerdings scheint Gerz noch stets mit dem Einzelnen und seinen persönlichen Ideen zu verbinden, womit er dem Verständnis des genialischen Künstlers noch verhaftet bleibt. Das er mit seiner Arbeit wichtige Felder neuer Kunst bearbeitet ist ein kaum einschätzbarer Wert für uns alle.

Wikileaks zum Kunstwerk erklärt.

2010-12-01T12:28:00.001+01:00

Alte Angst wird gegen Wikileaks benutzt ...

Ist das nicht Kunst? Die Internetplattform wikileaks macht geheime, selten zu sehende Informationen, Bilder und Dossier aus politisch verantwortlichen Kreisen öffentlich und für jeden zugänglich. Wer könnte sich darüber aufregen? Jeder der halbwegs mit beiden Beinen auf der Erde steht kann leicht einsehen, daß dies ein Schritt gegen Geheimdiplomatie, Faktenverschleierung, Unehrlichkeit, Machtmissbrauch der politischen Klasse und damit gegen Unterdrückung und für die Verwirklichung einer demokratischen Grundordnung ist. Vielleicht ist Wikileaks eines der spektakulärsten Kunstwerke unserer Zeit. Wir alle sollten es dazu erklären. Ein Werk von glänzender Schönheit. Es dechiffriert die überkommenen Methoden der Politik und klart den Himmel unserer verstrickten Welt ein wenig auf. Gerade in den medialen Nachwehen kann wundervoll beobachtet werden, wie unendlich weit sich Diplomaten und selbst demokratische Volksvertreter und Regierungen von den Ideen der Verantwortlichkeit und Offenheit gegenüber ihren Bürgern, für die sie letztlich arbeiten und die sie bezahlen, entfernt haben. Herr Geissler wurde benutzt um diesen Graben in Deutschland zuzuschütten. Wie wird das weltweit gelingen? Der Finger ist in der Wunde und die Politik benimmt sich wie im B-Movie. Sonst nichts.

Wie aus wikileaks ein Kunstwerk wird. Hier klicken.

Schlichter Spruch zerredet Demokratiebewegung

2010-11-30T20:58:00.001+01:00

Sieht das cool aus, oder was?

Es verwundert nicht, dass der heutige Schlichterspruch ein Lächeln auf das Gesicht der Verantwortlichen der Deutsche Bahn zaubert. Obwohl die von Herrn Geissler auch medial geschickt gelenkte Schlichtung auf die meisten von uns ausnehmend gerecht wirken soll, letztlich sind alle Beteiligten ins gemeinsame (sic!) demokratische Boot gekommen und haben das berühmte „Gespräch auf Augenhöhe“ möglich gemacht, ist unklar, ob auch alle mit heiler Haut aus der Situation heraus gekommen sind. Apropos Augenhöhe: das bisherige Gefälle der politisch Verantwortlichen gegenüber dem Engagement der Bürger könnte wohl nicht klarer ausgedrückt werden als mit diesem Zitat des Tages. Tatsache ist, dass Stuttgart 21 rechtlich immer auf sicherem Boden stand und ein Gespräch nur stattgefunden hat, um die öffentliche Brisanz der Bürgerbewegung zu entschärfen und vom Demokratiebegriff zu entkoppeln. Ein modifizierter Bahnhof oder „S21plus“ dürfte daher keine Überraschung sein. Einige etwas deprimierte Gesichter von K21 Befürwortern zeugten sympathischerweise von echter Hoffnung auf mögliche Veränderung. Die sogenannte Bürgerrechtsbewegung hat in einer großen Detailversessenheit ihre Professionalität überzeugend dargestellt, jedoch damit viel zerreden lassen und detaillierte Informationen geliefert, um Stuttgart21 nun auch öffentlich wasserdicht zu machen. Es wurde ja alles getan ... Die Demo-Luft dürfte bei vielen empörten, weil ungerecht behandelten Menschen, eine wenig raus sein. Wenn gestandene Landesväter plötzlich behaupten, seit den Prozessen um S21 viel gelernt und wichtige demokratische Erfahrungen gemacht zu haben, wirft das ein grauenhaftes Licht auf den Stand von Erfahrung und Emphatie der von uns gewählten Politiker. Jedoch ist das politische Ziel der Befürworter der Rechtssicherheit erreicht: das Ende der gefährlich großen Demonstrationen. Sie sind näher an der Bürgerrevolte gewesen als vielen bewußt war– auch für die Bundespolitik keine entspannte Situation. Ob sich neue demokratische Verfahren als Resultat der Stuttgarter Gesprächskultur abbilden lassen können, wird man noch beobachten müssen. Das bedeutet für die politische Klasse ihre Macht ab- und in die Hände des Volkes zurückzugeben. Die Historie hat gezeigt, so etwas passiert selten aus Einsicht. Herr Geissler muss sich nun für das eigentlich dürftige Schlichter-Resultat als Erneuerer der Demokratie feiern lassen. Das dürfte ihn selbst überraschen.

Neues Morsbroich Neues Rheinland

2010-11-25T21:30:00.002+01:00

Das Museum Morsbroich muss tief in die professionelle kuratorische Trickkiste greifen. Die unter der Ko-Kuratierung von Markus Heinzelmann stehende Ausstellung, trickreich Neues Rheinland genannt, versucht eine lose Gruppe von Künstlern, oft aus dem direkten Galerienumfeld Leverkusens, mit den Leistungen der ZERO Gruppe und nicht näher bestimmten Größen der 1980er Jahre zu verknüpfen. Gleich einer Corporate Identity werden diese Künstler der 1970er Jahrgänge nun „Neues Rheinland“ und „Postironische Generation“ gelabelt, sollen doch alle Teilnehmer ein gemeinsames Interesse an bestimmten Themen haben. Diese Themen stellen sich als die Ablehnung der Ironie heraus, die man durch Ernsthaftigkeit und Humor ersetzt sieht. Ein Schachzug. Humor steht hier für die Hinwendung zum Trotz-Allem. Nur, es fehlt der rechte Glaube an eine im Kapitalismus groß gewordene und zusammenhängende Generation – in Zeiten fortschreitender Entropie – die man so einfach auffächern könnte. In der Ausstellung sind Künstler einer Generation, denen vor allem akademische Humorlosigkeit, die überzogenen Einkommensvorstellungen der 1980er und die Resignation vor ihrer eigenen politischen Rolle bei den globalen Problemen eigen ist. Galt es doch stets die ausgetretenen kapitalistisch vorgeprägten Wege und die Strukturen nachzuzeichnen, um sich am Markt behaupten zu können und dennoch eine angeblich verinnerlichte Kapitalismuskritik vor sich her zu tragen. Selten findet man so viel Hochmut und fehlende Distanz zur eigenen Arbeit wie in den Ausstellungen und Galerien dieser Leute. Die erneute Hinwendung zum Handwerk und zu seltener eingesetztem Material könnte auch als ein deutliches Zeichen für die anstrengende Substitution von Inhalten gelesen werden. Ein Spagat. Auch die Gegenüberstellung von Ironie und Ernsthaftigkeit als Gegensätzliches ist als Ansatz eher fragwürdig, oder, wenn man die Begrifflichkeiten definiert, deutlich verkopft. Man wird sehen, ob eine ernstgemeinte Ausstellung in Leverkusen zustande gekommen ist oder ob man einigen, mit dem Museum verbundenen rheinischen Galerien den Gefallen tut etliche ihrer Künstler zum Jahreswechsel noch mal unter der markanten Sammler-Headline des Neuen Rheinland aufzuwerten.

Aber wo ist das im Homepagetext des Museums postulierte Engagement der Künstler?

Und worin besteht es? Es wird Zeit die Dinge zu Ende zu denken.

RFBK. Aufruf zur Revolution der Künstler.

2010-11-23T13:36:00.001+01:00

Offene Wege.

Es ist soweit. Die Gesellschaft und die Medien sind zwar gefühlt durchdrungen von Kunstpräsentationen beinahe heilsbringerischer Ausmaße, nur klafft die Schere zwischen einer gesamtgesellschaftlichen Diskussion, den Menschen ausserhalb des Kunstdiskurses und den Künstlern, soweit auseinander wie nie. Was die Kirche seit langem erlebt steht der Kunst noch bevor. Eine stärker werdende Spaltung versucht ein neues Projekt mit dem Namen „Revolutionäre Front Bildender Künstler“, und dem Kürzel RFBK zu überwinden. Die bisherigen bildnerischen Kunstformen werden rigoros in Frage gestellt, um z.B. über das radikale Hinterfragen des Künstlerbildes, zu gesellschaftlich relevanter Kunst und einer elementaren, auch politisch sich verantwortlich zeigenden Bildsprache zu gelangen. Offenbar kann man in die RFBK eintreten, sich selbst damit zu einem Künstler subversiver Prägung erklären und Vorschläge zu völlig neuen Kunstformen hinterlassen. Kritische Künstler in die RFBK. Endlich geht's los ...

Mehr zur Mitgliedschaft in der RFBK hier klicken.

Migros kauft Mecksepers Ölbohrturm

2010-11-19T12:09:00.001+01:00

Der Bohrturm ist von Thomas aus dem Spielzeughandel und dieser Blog bekommt dafür kein Geld.

Liebe Frau Josephine Meckseper,

es ist ein weit verbreiteter Irrtum zu glauben, politische Kunst würde aussehen wie ein nachgebauter Ölbohrturm. Das ist so schlicht, wie es die künstlerischen Auffassungen derjenigen bedient, die sich mit der Goutierung plakativer Kunst für gesellschaftskritisch halten. Das Gegenteil ist der Fall. Produkte dieser Art manifestieren und unterstützen auf geradezu perfide Weise das System, das zu kritisieren man vorgibt. Sie fahren Ihr freudiges Schifflein offenbar ohne Angst, aber eine unmutige Brise blaeht die schlaffen Segel. Überraschenderweise nimmt die Migros-Bank mit dem Ankauf der Arbeit teil am erkenntnisfreien Fall. Sie geben aber auch eine Zeitschrift heraus. Die ist kritisch und das stimmt dann doch freudig. Kommen Sie in die RFBK.

J.L.Byars im Schloss ohne Zukunft

2010-11-13T23:03:00.002+01:00

LED Leuchte eines unbekannten Meisters

Frustrierend ist der Umstand, das im Rahmen der Quadriennale Düsseldorf Arbeiten von James „I'm from the future“ Lee Byars nur im Schloss Benrath gezeigt werden. Als ich vor dem Schloss stehe, erfahre ich, das Einlass zu Byars nur mit einer Führung möglich ist. Soweit so gut. Kann man akzeptieren. Die Führung wäre eigentlich auch jetzt um 11. 00 Uhr, da hätte ich normalerweise gerade Glück, sagt die Kassiererin, aber heute wäre die Führung ausgefallen, da keine Besucher da gewesen seien. Ausser mir versteht sich. Ich schaue auf die Uhr. Es ist 11.00 Uhr. Düsseldorf, die Kulturstadt? Danke schön. Für eine Fahrt von der Innenstadt nach Benrath braucht man mit der Strassenbahn etwa eine halbe Stunde. Das macht über eine Stunde überflüssiges Herumfahren. Die Dame an der Kasse hat mir dann netterweise handschriftlich die Führungszeiten aufgeschrieben. Denn gedruckt waren sie nicht zu haben. Die nächste Führung war drei Stunden später. Mein Interesse für James Lee Byars war eigenartigerweise ein wenig erlahmt. Beehren Sie uns bald wieder.
Mit meinen persönlichen Grüßen an die Leitung der Quadriennale.

Carsten Reinhold Schulz

Beuys d'Ackermann

2010-11-13T22:51:00.002+01:00

Beinahe unheimlich empfehlenswert ist die Düsseldorfer Beuysausstellung „Parallelprozesse“, die von Marion Ackermann verantwortet wird. Dort kann man zwar keine Weihnachtsgeschenke kaufen, aber man kann etwas sehr Aktuelles mitnehmen: die Vorstellung einer absoluten Hinwendung zum Leben, die im vollen Glauben an die Kunst mündet. Das geradewegs leichtfertige Gefasel der Zeitschrift Monopol zu dieser wunderbar klaren Ausstellung im Düsseldorfer K20 ist theoretisiert und nicht empfunden. Das macht die dort notierte Kritik zum Fehlen des Künstlers Beuys in seinem Werk, (eine ewige, unsinnige journalistische Litanei ...) praktisch wertlos. Kaum eine andere Kunst fordert so leicht zu einfachen Fragen auf, Fragen die jeder in der Lage ist zu stellen. Kaum ein anderes Werk ermöglicht so direkte, persönliche, menschliche Zugänge in einer hochaktuell gebliebenen Kunst. Eine wunderbare Überraschung ist die letzte Arbeit des Künstlers mit Obstleiter, Stahlseilen und zwei Eisenkugeln.

Hingehen. Und dann nochmal hingehen.

Joseph Beuys
Parallelprozesse
Bis 16. januar 2011. K20 Grabbeplatz, Düsseldorf

Salonkunst für Flingern

2010-11-13T22:21:00.000+01:00

Als die WELT vor kurzer Zeit den Vergleich anstellte, Flingern sei das Kunstviertel Düsseldorfs auf internationalem Niveau, so dürfte das die Stadtväter und die Tourismusbranche gefreut haben. Eine neue, wenn auch temporäre Einrichtung in Sachen Bilder im Viertel, dürfte der Kunstsalon Flingern sein. Die ehemaligen Räume der Galerie Walbröl (zu Zeiten als das Wort Gentrifizierung nur in echten Großstädten bekannt war) und spätere Fotostudio des Portrait-Fotografen Emil Zander, wurden nun nach dem unsanften Rausschmiss des hundefreundlichen Designladens mit dem funktionalen Namen „Unterhaltung“, wieder mehr in Richtung traditioneller Kunst und Fotografie gerückt. Um den Fotografen Zander herum, der auch selbst ausstellt, gruppiert sich eine Gruppe Kunstschaffender aus dem umliegenden Stadtgebiet.
Denkenswert: wird in Berlin ein Raum frei, findet sich schnell eine Gruppe Wilder die mit neuen Positionen zumindest den gemeinsamen Willen zeigt die Kunst zu verändern. In der heimlichen Hauptstadt der plastischen Schönheitschirurgie Düsseldorf wird aus solchen schönen Gelegenheiten eine vorweihnachtliche Verkaufsaustellung mit zumeist schön gerahmten Arbeiten. Das macht vermutlich den kleinen Unterschied zu Berlin und allen anderen Hauptstädten dieser Welt aus. Joseph Beuys war es, der einmal feststellte, daß man sich in Düsseldorf zwar in Ruhe seine Projekte ausdenken könnte, realisieren müsste man sie jedoch woanders.
Dieses Klima ist kaum abzuschütteln und wirkt gelegentlich irritierend.
Kunstsalon in Flingern,
Ackerstrasse/Ecke Dorotheenstrasse
bis 21. 12.2010

Brewster Stereoskop

J.S.Foer: Tiere essen

2010-10-31T09:52:00.000+01:00

Wenn Künstler Verantwortung übernehmen, kann das so aussehen wie dieses Buch. Vor der Unfassbarkeit der globalen Situation und den überbordenden Problemen unserer Welt will Foer sich nicht davonstehlen. Anhand der Massentierhaltung und den gesteuerten Zusammenhämgen industrieller Nutzung von Tieren, zeigt er klar unsere Selbstgefährdung als menschliche Spezies und unsere spektakuläre Borniertheit gegenüber dem Leid anderer auf. Warum uns nicht längst alle das Grauen packt, angesichts milliardenfachen jährlichen Leids, das durch den Konsum von billigem Fleisch jeglicher Art erzeugt wird, bleibt unser derzeitiger gemeinsamer schleierhafter Wesenszug. Das Buch Foers sollte aber langfristig beschäftigen und zu grundsätzlichen Fragen selbstgewählter Werte führen. Wir können nachdenken und ebenso können wir vordenken. Daher sind wir in der Lage, die dringend gesuchten Wege zu finden, uns sinnvoll vom Gängelband der industriellen Fleischversorgung (und anderer industrieller Machenschaften) abzukoppeln, um ökologische Ungleichgewichte und die erschreckende Probleme des weltweiten Hungers langfristig in den Griff zu bekommen. Wie überwindet man also die jede Weiterentwicklung hemmende Ignoranz und Verdrängung? Alle die etwas verstanden haben müssen aufstehen – müssen Wege finden, ihre Meinungen laut hörbar zum Ausdruck zu bringen. Das sind zu reaktivierende demokratische Notwendigkeiten.
Es geht um Alles. Fast immer.

Eduard Mörike im Teppichladen

2010-10-27T21:26:00.001+02:00

Leichtfertig sagt man, dass die deutsche Literatur im Leben keinen Platz mehr findet und die tägliche Normalität die Leistungen unserer Literaten praktisch unter den Teppich gekehrt hat.
Weit gefehlt. Tatsächlich zeigt diese Aufnahme der „Düsseldorfer Teppichtage“, das Eduard Mörike, mittlerweile als einer der großen Dichter des 19. Jahrhunderts erkannt, mit praktischen sprachlichen Aufhellern dazu beiträgt, der Freude, die in Verbindung mit Schnäppchen beim Teppichkauf entsteht, wieder einen zentralen Platz in der öffentlichen Wahrnehmung zu verschaffen. Als evangelischer Pfarrer hätte Mörike sicherlich grossen Spaß an den beinahe unglaublich preiswerten Angeboten dieses Geschäfts gehabt.
„Man muss halt immer etwas haben, worauf man sich freut ...“ s.o.

Solange Literatur sich noch offen in der Urbanität zeigt, kann es nicht schlecht um die neue europäische Denkergeneration stehen.
Erscheinungen überall ...

Bei Kraut wird schwer gebechert.

2010-10-20T14:48:00.005+02:00

Als ich die Einladung zur Erstpräsentation eines neuen Düsseldorfer Kunstmagazins mit dem Titel „Kraut“ in den unweigerlich dazugehörenden Salon des Amateurs erhielt, habe ich mich erstmal gefreut. Die Stadt ist in dieser Hinsicht nicht besonders vielfältig ausgestattet. Ein neues, kreatives Baby des Direktorenpaars des NRW FORUM Wenzel/Lippert war also durchaus dazu angetan Neugier anzufachen. Nach dem ersten Blättern hinter dem grafisch etwas schwammigen Titelblatt wurde jedoch schnell klar: hier geht es wohl um Selbstvermarktung der ungeschickteren Art. An sich schön produziert, hat man durch den Verzicht auf eine Broschurbindung, trotz des aufwändigen Papiers, nicht nur einen Anklang an Schulheftästhetik in der Hand, sondern muss beim Lesen zuviele Lobhudeleien der immergleichen Protagonisten der Kunstwelt Düsseldorfer Provenienz inhalieren. Das gipfelt in einem wappenartigem Familienstammbaum der Becher-Klasse, bei dem schnell klar wird worum es bei dieser 01 Ausgabe des Magazins eigentlich geht: eine weitere Manifestation der angeblichen Düsseldorfer Schule als Markenzeichen und Stereotyp. Alle sattsam Bekannten dürfen reinschauen, alle dürfen mal was sagen. Becher, Struth, Gursky, Becker, die Band Kreidler (die haben ein Abo ...), die bösen Akademieprofessoren und die guten Akademieprofessoren, die in Wirklichkeit längst verdrängten 1960er-70er Jahre, Kraftwerk nicht zu vergessen, die teuerste Fotografie der Welt – die aktuelle Ausstellung von Stephen Shore ist Anlass, all diese immergleichen Dinge mal wieder auszugraben. Die gezeigten jungen Fotografen wirken als Alibi. Das soll möglicherweise Internationalität made in Düsseldorf erzeugen und hinterlässt doch eher Selbstgestricktes, Verklebtes. Im Magazin selbst ist kein neuer oder eigener Ansatz zu entdecken. Wohl eher der verspätete Versuch an die Werbemethoden anderer Museen anzuknüpfen.
Dazu scheitert die gute Idee eine Empfangsdame des Museums, Frau Linden, zu interviewen, am unfertigen Menschenbild der offensichtlich minderjährigen Fragestellerin. Es ist leider der kürzeste Text im Magazin ...
Sprachlich von den Werteverlusten in der Kunst auf den Marktwert des in Düsseldorf heimischen Fotolabors und Marktführers Grieger hinüber zu spielen, ist nicht nur inhaltlich peinlich, sondern eine zu offensichtliche, redaktionell schlecht getarnte, vierseitige Werbeplatzierung der Firma Grieger, die auch noch das Lektorat der Zeitschrift innehat. Der beschriebene Zusammenhang lässt sich mit dem Hinweis auf die plattformübergreifenden, Kunst und Kommerz verbindenden Gehversuche des Museums NRW Forum nicht überzeugend verarbeiten. Es darf nicht reichen, den seit langem eingeschlagenen kommerziellen Weg des Museums mit einem veralteten Kunstdiskurs zu kaschieren.
Aber das ist längst typisch Düsseldorf.
Es geht also weiter beim NRW Forum wie es auch das bisherige Gesamt-Programm zeigt: schön gehängtes Altbewährtes, Industrielles, Werbeästhetik, das übliche Zeugs ohne echte Traute – eben Kraut.
Voilà.

Etliche schöne Fotos sind jedoch drin in der Zeitung.

Shannon Finley: "Specters into Signals"

2010-10-07T16:07:00.000+02:00

Die Veröffentlichung "Specters into Signals" von Shannon Finley liegt jetzt vor und diese mit sechs Orginal Vierfarb Linolschnitten versehene Ausgabe ist ein kleiner Schmuckstein im persönlichen Kunstbuch- oder Editionsregal.
Auf seinen farbintensiven Leinwänden legt Finley zahllose Farbfelder aufeinander, bis an der Oberfläche geometrisch abstrahierte Räume sichtbar werden. Durch die unzähligen Schichten entstehen Figuren, die wie Hologramme wirken. Signalfarben und die Formensprache können auf die Ästhetik von frühen Computerspielen verweisen, aber sie handeln durch Referenzen an Farbmystik, Mandalas bis hin zur Leuchtkraft von Kirchenfenstern.
Empfehlenswert.

Mit 6 vierfarbigen Linolschnitten und Offset-Abbildungen
Broschur, 56 Seiten, 500 Exemplare, 26 EUR

Bestellungen unter www.christianehrentraut.com

Achim Beermanns Porzellanatome

2010-10-02T13:55:00.001+02:00

Irgendwie passend zur Laufzeitverlängerung der Atomkraftwerke in Deutschland stellt der Düsseldorfer Objekt-Designer Achim Beermann der modernen Tafel aufsehenerregende Alternativen zur Verfügung. War „Schwerter zu Pflugscharen“ mal ein Slogan der friedensbewegten Menschen der 1970er Jahre, ist es beim Designer heute nicht der politsche Aktionismus, sondern eine an der Ästhetik der unsere Gesellschaft kernspaltenden Kraftwerke orientierte Formensprache, die es Beermann erlaubt, ein aufwändig produziertes Porzellan-Set aus Zuckerdose, Salz und Pfefferstreuer bezugsreich Brücken ins Jetzt schlagen zu lassen.
Die in kleiner Serie entstandenen Objekte gehören auf den intelligenten Tisch.

Mehr zu Achim Beermann. Hier klicken

Beuys 21: Stuttgart und die Revolution.

2010-10-01T18:53:00.001+02:00

Niemand wäre darauf gekommen, daß es die Hauptstadt des Ländle sein wird, an der sich zeigt, was die Demokratie und der Souverän in Deutschland noch bedeutet. Die Politik ist aufgerufen sich erkennen zu geben: welche Werte werden in Zukunft entscheidend sein? Sind es die Sachverwalter unseres Landes mit kurzfristigen Zielen und Macht-, bzw. Profitinteressen die das entscheiden? Werden es langfristige Ziele sein, die dem menschlichen Zusammenleben den Vorrang geben und die endlich diese Werte für alle sichtbar definieren? Die RFBK wurde heute beim Stuttgart-21 Solidaritätstreffen auf dem Düsseldorfer Bahnhofsvorplatz gesehen. Das bedeutet die notwendige Verbindung zwischen Kunst und Widerstand ist hergestellt. Zwölf im Hintergrund abgestellte Mannschaftswagen der Bereitschaftspolizei in Kampfanzügen standen etwa 150 sehr ruhigen Demonstranten gegenüber. Viele Fahnen der Grünen, leider nur eine einsame Fahne der Antifa – dabei hat gerade die Antifa hier eine echte Aufgabe. Denn eine missverstandene Demokratie und ein Rechtssystem, das die Handlanger und die Verträge der Profiteure schützt, haben gesellschaftliche Auswirkungen die vom Bild des Faschismus nicht allzuweit entfernt sind. Denn der Mensch bleibt das Kapital. Diese Vorstellung, die seit Beuys auch von den Grünen getragen wird, darf nicht mehr fortgesetzt übergangen werden. Bei Stuttgart-21 steht so gut wie alles auf dem Spiel. Also: Aufstehen. Demonstrieren gehen.

Künstler vereinigt euch.

Mehr zur Revolutionären Front Brüderlicher Künstler.

Gerhard Richters Matrosen kann man verkaufen.

2010-09-29T22:59:00.000+02:00

Warum sollte die Bremer Weserburg ihren Gerhard Richter und ihren Franz Gertsch nicht verkaufen, Frau Catrin Lorch? Vollmundig verkünden Sie den Ausverkauf des Bremer Museums und bemängeln gleichzeitig seinen sprachlichen Umgangston der, wen überrascht es, aus dem Fundus der Unternehmensberater zu stammen scheint. Museen sind Unternehmen und denken und fühlen auch so. Sie sind keine hehren Orte der geheimnisvollen und wertigen Archive der Menschheit. Museen produzieren zumeist nur noch rotierende Klischees unserer angeblichen Werte-Wirklichkeit. Das ist jedoch nichts Neues. Es ist allemal besser sich von ein paar Bildern zu trennen, um der ursprünglichen Idee eines Sammlermuseums konzentriert nachzukommen. Das dürfte grössere Chancen auf inhaltliche Bewegung und zumindest gelegentliche Überraschungen bieten. Auch ein Richter ist nur ein Gemälde, ein Bild, in postmoderner Zeit entstanden und bewertet. Der Künstler lebt noch. Geben wir ihm eine Chance. Und den Ideen der Weserburg auch.

Antony Gormley und Bregenz: eine unheilige Allianz

2010-09-15T13:31:00.004+02:00

Wir lesen vom Künstler selbst platziert:
“Die Figuren erzeugen ein Feld, in dem Menschen mit aktivem, wachen Verstand aufgefordert sind, Raum und Distanz innerhalb dieses Feldes statischer Eisenfiguren zu messen. Skifahrer und Wanderer werden zu einem Teil dieses Feldes. Die Installation würdigt so die tiefe Verbundenheit zwischen dem sozialen und geologischen Raum, zwischen Landschaft und Erinnerung“, so Antony Gormley über sein Kunstprojekt. Gemeint sind sage und schreibe 100 gusseiserne Skulpturen mit einem Einzelgewicht von 640 Kilogramm, die im Bregenzer Wald auf 2034 Meter Höhe gestellt, das bisher größte österreichische Skulpturenprojekt ausmachen sollen. Was in Österreich passiert, ist ja gerne mal politisch-eklig, tendenziell abseitig oder muss gleich irgendwelche Größenordungen sprengen.
Grundsätzlich ist es schade und „für Menschen mit wachem Verstand“ im Ansatz auch anmassend, dass man beim Erwandern von Landschaft und Natur oder dem was von ihr übrig ist, erfahren muss, dass sie allein offensichtlich kein selbsterfahrbares Erlebnis mehr darstellen soll. Diese Kunstaktion ist offensichtlicher Aktionismus für den Durchschnitts-Tourismus der Region. Er spielt fahrlässig mit der Rest-Natürlichkeit dieser Kulturlandschaft über der Baumgrenze und der darunter. Nicht die tiefe Verbundenheit zum sozialen und geologischen Raum wird hier manifest, sondern die weltweite Tendenz jeden öffentlichen Raum mit einer vermeintlichen Kunst auf ominöse Art nachhaltig zu verbessern. Das mit erhelblichen Kostenaufwand und Transport-Hubschraubern durchgesetzte Projekt ist offensichtlich für die Ewigkeit angelegt und nicht nur temporär gemeint. Das bleibt abzuwarten. Dem initiierenden Kunsthaus Bregenz, dem Künstler selbst und der Politik in Österreich ist hier eine unheilige Allianz gelungen.
Es zeugt von Grösse und Einsicht Dinge auch mal nicht zu tun. Ein Konzept ist manchmal erst sinnvoll, wenn es ungemacht bleibt, das hat schon Ilja Kabakov in seinem Palast der Konzepte definiert. Alles was geht muss man nicht tun. Die Atombombe konnte gebaut werden, also wurde sie auch gebaut. Der gute Wille mag ja eine wesentliche Hinwendung gewesen sein, aber der gute Wille eines Künstlers kann nicht gleichzeitig die Rechtfertigung für jedes künstlerisch gemeinte Grossprojekt sein. Die fahrlässig naive Art Gormleys wird deutlich bei seiner Aussage, das die Figuren keine Skulpturen darstellen, sondern Orte an denen Menschen gewesen sein können: frommer Wunsch oder schon Geschwafel? Eine überheblich geführte Kunstdiskussion und ihre künstlerische Produktion entwickelt Tendenzen wie der Satelitenschrott im Orbit.
Man muss zusehen, daß man ihr ausweicht.

Felix Warhol und Andy Droese

2010-09-08T15:39:00.000+02:00

Die Behauptung, die noch stets so genannte Kunst der Popart und speziell die von Andy Warhol könnte sowohl als Vergötterung oder als Verstörung einer politisch durchgesetzten Gesellschaft- und Wirtschaftform gesehen werden ist falsch. Sie ist ausschliesslich was sie ist: reine Hommage an die Diktatur der Marke. Es ist der geile Versuch „to have the cake and eat it“. Die Ablehnung einer Handschrift und fehlender nachvollziehbarer individueller Zugang zum System Bild sind möglicherweise folgerichtig zu nennen, aber führen als Idee vom Menschen weg in die absolute Beliebigkeit einer banal gewordenen, weil instrumentalisierten Welt. Man sollte ernsthaft darüber nachdenken, ob die Arbeiten der popart tatsächlich noch unter Kunst einsortiert werden müssen. Das schafft sehr viel Platz in den Museen. Eigentlich sollten die Popart-Sachen in die Kaufhäuser von Karstadt und Supermärkte der Aldikette. Nicht die von Felix Droese. Na gut, die auch.

Blue Efficiency: Mercedes Benz lernt von China?

2010-09-07T00:29:00.001+02:00

Es ist Zeit der deutschen Werbung einige Aufmerksamkeit zu schenken. Sie ist im Koordinatensystem kultureller Wahrnehmung eine nicht zu unterschätzende Größe. Es ist jedoch eine französische Automarke, die mit einem existierenden und funktionsfähigen Elektroauto im Fernsehen, gut gemacht übrigens, für sich und die freundliche Zukunft wirbt. Tatsächlich ein reines Elektroauto. Ein wenig ist mein Glauben an die Menschheit dadurch zurückgekehrt, das muss ich zugeben. Diese Firma wird für alle Zeiten meine Symphatie haben, das Quentchen Vorsprung bei der Entscheidung für eine Automarke, sollte ich mir mal ein Auto gönnen.
Einige Tage später sehe ich in einem Spot von Mercedes-Benz, einst grosser Autobauer, das eben die Marke Benz 85 Automobile mit der sogenannten Blue-Efficiency Technologie ausstatten will und sich das groß auf die Fahne schreibt. Schon das sich die eingebaute Technik, wie z.B. der Benzinsparmodus an Ampeln auf freier Strecke laut Magazin Focus wieder ausgleicht, ist vom dürftigen Anspruch her eher witzig zu nennen. Niemand kann sich erklären, warum ein Mix aus allen möglichen Zusätzen zum Verbrennungsmotor als ökologischer Heilsbringer mit effektivem englischen Namen verkauft wird. „Blue Efficiency“ – eine neue Technologie geht anders. Ein neue Technologie würde alles, alles, alles versuchen. Hat da jemand die eigentlichen Ideen verschlafen oder steckt da ein müder Kopf noch stets im zwanzigsten Jahrhundert? Ich hoffe, es gibt nicht noch schlimmere Gründe. Wie sieht es aus in der Etage wo die Kommunikation gemacht wird? Kunden sind Menschen und die sind nicht dumm, auch Automobilisten nicht unbedingt: die Frage nach einem neuen Antrieb, der die Menschheit von der Geissel der Erdölabhängigkeit befreit, ist eine kulturell überlebenswichtige, deutlich zentrale Frage. Sie stellt, nicht zuletzt, die Weichen für vollkommen neue Perspektiven des Zusammenlebens von Menschen. Was soll da ein pseudoindividualisiertes Lavieren mit Aggregaten für Super und Diesel? Was soll das im Jahre 2010? Firmen die sich immer noch gegen diese offensichtliche Bewegung stellen, beginnen jetzt ihr Image für die Zukunft zu zerstören und arbeiten gegen strahlende Potentiale ihres eigenen Unternehmens. Strategien kann man riechen und das riecht alles nicht wirklich gut.
In diesem Vorgehen der meisten deutschen Autobauer, das vermutlich auch politisch gedeckt ist, wird augenscheinlich, was bereits die deutsche Mainstream-Politik und die öffentliche Kultur uns klarmacht: das Fehlen von Visionen oder erträglichen Entwürfen für die Zukunft bei fast allen Entscheidungsträgern. Die Verantwortung für spätere Generationen wird leichtfertig verspielt, um Reste von Verkaufspotential noch mitzunehmen, ungeachtet der für Lösungsfindungen bereits sehr fortgeschrittenen Zeit. Erst werden die Regale geräumt, dann kommt die Neuware ...
Stuttgart 21 macht uns in kleiner Version vor was passieren wird. Politik muss den eigentlichen Souverän der Demokratie wieder verstehen lernen. Und die Kultur, ja, die Künste, sollten endlich beginnen sich neu zu definieren und ihre Stimme zu erheben.
Einmischen.

Eine Kiste deutsches Öl.

Reaktionärer Blödsinn: das Holocaustdenkmal für Homosexuelle

2010-09-06T14:12:00.003+02:00

Auch wenn das alles schon ein wenig her ist. Es sollte uns weiter beschäftigen. Das Zustandekommen solcher Erinnerungsungetüme ist politisch abenteuerlich und aus meiner Sicht bitter für alle kulturell engagierten und interessierten Menschen, sowie auch für diejenigen, die in Trauer an ermorderte und gequälte Freunde oder Verwandte zurückblicken auf die Horrorzeit der Nazis und die zugehörigen Folgen. Der augenscheinliche Inhalt dieser Skulptur ist banal bis einseitig zu nennen, alle plakativen Verweise auf die sexuelle Ausgrenzung zum Trotz. Ich vermisse schmerzlich eine künstlerische Haltung, eine persönliche Handschrift, eine Emotion, die nicht mittels einer reaktionärer Begriffsdeutung gesellschaftliche Klischees über schwule Männer hofiert. Solche Denkmäler müssen unbedingt darüber hinausweisen. Der isolierte und bestenfalls akademische Zugang zur Tragödie einer Vernichtung von Menschen aus rassistisch-sexuellen Motiven bleibt im Klischee stecken und bezeugt höchstens einen kleinen Ausschnitt aus schwuler Lebenswirklichkeit (die übrigens freiwillig fortbesteht) und bietet ansonsten viel formal retuschierte Leere. Wenn eine erklärende Plakette dran ist wird man wohl trotzdem hingehen. Wenn man sich jedoch die Entwürfe der anderen Künstler ansieht, die in der Berliner Akademie der Künste ausgestellt waren und die auch so illustre Namen wie Wolfgang Tillmanns und Isa Genzken auswiesen wird einem erst richtig Angst und Bange. Gerade ihre Arbeiten sind an Arroganz und Dummheit kaum zu überbieten.
Deutschland deine Künstler … (sind mit den Gedanken woanders).

Christoph Schlingensief und die Überschrift.

2010-08-24T00:54:00.002+02:00

Leider habe ich Christoph Schlingensief nie persönlich kennengelernt. Einmal habe ich ihn über sein Büro eingeladen, um seine Bilder ausstellen zu können. Es kann wichtig sein, wenn Menschen plötzlich malen und sich in viele Richtungen verausgaben wollen. Leider hat ein Treffen nie geklappt. Also muss ich jetzt über den medial präsenten Christoph Schlingensief nachdenken, er ist es der mir bleibt, wenn ich seine Nachrufe lese. Der Medien-Schlingensief. Welche Rolle hat er in diesem Umfeld zugewiesen bekommen? Zuerst erlebt habe ich seine kulturelle Präsenz mit Filmen wie dem „Deutschen Kettensägen-Massaker“ und zwar nicht mit speziellen Inhalten seines Regiewerks, das ich bis heute nur in Ausschnitten angeschaut habe, sondern vornehmlich über die Titel seiner Filme und Arbeiten. Aus ihnen sprach hoffentlich die Kraft des Anderen und des schrillen Dunklen, dem man sonst nur in Death-Metal Musik nachspüren konnte. In dieser Intensität wollte er offenbar als Künstler wahrgenommen sein. Ganz stark war er in der Entwicklung intensiver Textbausteine, wie „Scheitern als Chance“ und scheinbar übergriffiger Aktionen, wie „Tötet Helmut Kohl“. Diese Aktionen waren reiner Prozess, eher wie Musik, fast ein lebendiges Paradoxon, ein temporär angelegtes Spiel mit den blosszulegenden Widrigkeiten heutiger Realitäten. Kunst spielte da endlich keine Rolle mehr. Sie ist in diesem Sinne auch nicht sein Arbeitsfeld gewesen, wie es bei Joseph Beuys noch bewußt artikuliert worden war. Christoph Schlingensief hat meiner Meinung nach die reflektorischen und beeinflussenden Möglichkeiten des Menschen weitestgehendst so ausgefüllt, wie es ein Künstler heute verstehen kann. Er war dabei eher zufälligerweise Regisseur, oder eben irgendetwas anderes. Und es gibt tatsächlich viele Menschen und auch Künstler, die in dieser Weise arbeiten, nur ist selbst das Feuilleton der SZ nicht wirklich in der Lage mit einer so schubladenfernen Situation umzugehen ... sie ist in ihrer Komplexität schwierig darzustellen. Aber auch Frau Jelinek hat natürlich Recht, wenn Sie in der Totalen erkennt, das Schlingensief einzig war, weil das natürlich jeder Mensch ist. Dazu Chapeau.
Interessant ist, das Christoph Schlingensief eigentlich der einzige künstlerisch arbeitende Mensch war, der in den Medien die Rolle des sozial und politisch motivierten und mit extra wirren Haaren versehenen revolutionären Outlaws geben durfte. Nein, Herr Meese passt da jetzt nicht ... Er musste bei aller Anti-Anti Geste irgendwie trotzdem in die bigotte und zumeist reaktionäre Kulturlandschaft passen. Leider ist immer nur eine solche Rolle pro Generation zu vergeben und er hat verständlicherweise versucht sie sehr breit gefächert auszufüllen. Nur ein echter Revolutionär konnte er irgendwann nicht mehr werden, das schliesst eine derart leuchtende Präsenz in den bundesrepublikanischen Fernsehanstalten nun doch aus. Es bleibt die Rolle des angenehm überdrehten Mahners (ein schreckliches Wort), der sich mit Ironie, Witz, Spott, Pathos und der Hinwendung zu Skurillem und wiedererkennbaren kunst- und geistesgeschichtlichen Bezügen abstrampelt. Die am Ende seines Lebens präsenter werdende Malerei scheint das einzige zu sein, das eine eher überflüssige Stabilität in der Form eines tradierten Kunstproduktes aufweist. Alles gehörte bei Schlingensief eigentlich in die Bewegung. Dies gilt es zu bewundern und zu verstehen. Seine Titel werden für mich immer das Grösste bleiben: „Kirche der Angst“. Er war ein Meister emotionaler Vollständigkeit.
Nun bekommt man eine Gänsehaut vor all der Bürgerlichkeit, aus der er zwar gekommen ist, die ihn jetzt wieder – mitsamt seiner Arbeit – in die einschliessenden Arme nehmen möchte.
Vermutlich ist das eben ihre Art ein Werk zu beenden. Es ist ungerecht. Verdammt.

Martin Möbius. Eine Kultur der Kerne.

2010-08-16T13:53:00.003+02:00

Der feste innere Teil der Frucht ist ein Kern. Kerntechnik: das könnte konzentriertes Weitspucken bedeuten. Tut es aber nicht. Wie fliegt der Komet ohne Schweif? Als Kern. Das Wort hat vielfältige Felder des Gebrauchs. Der Kern allen Übels. Der Grund vieler Missverständnisse. Man denkt dennoch zumeist an Dekontaminationsversuche, weniger an eine lebendige Zukunft. Was ist des Pudels Kern? Zum Teufel mit der Kritik. Beim Austausch von Meinungen in Diskussionen fallen größere Mengen kontaminierter, d.h. gesprächsverschmutzter Reststoffe an. Durch das Reinigen der Sprachhülsen wird vergiftetes Klima in argumentative Wertstoffe und restaktiven Abfall getrennt. Wie nennt der Jäger das Innere des erlegten Tieres ohne Haut? Kern. Noch aus der Zeit der Jäger und Sammler scheinen die Methoden der modernen Dekontamination zu stammen. Reste von Steinzeittechnik im Kernzeitalter. Zusammengebundene Stangen über einem Buschfeuer. Kernig. Behelfsduschen von Hornbach gegen die unüberschaubaren Folgen von Spaltungen. Kontrolle bleibt machbar. Die Idee von Schutz durch schlecht gekleidete Männer in Plastikanzügen.

Der Kern des Lebens wird offiziell nicht mehr gesucht. Seine Bearbeitung wird gefordert, seine Nutzbarkeit erforscht, ohne um seine echte Lage zu wissen:

„Wart ab, Meister Pflaume! Es heißt Zäpfel Kern, weil es aus einem Tannenzapfen oder genauer aus einem Kern in einem Tannenzapfen gekommen ist. Aus einem Kern voller Leben, Meister Pflaume! Paß nur auf! Du wirst es schon merken!“

Otto Julius Bierbaum hat das Märchen, das als Ausschnitt oben zu lesen ist, als eine Adaption des italienischen Pinocchio geschrieben. Seine Kunstfigur „Zäpfel Kern“ ist ebenso in Vergessenheit geraten, wie die allererste deutsche Autoreise-Erzählung von ihm mit dem Titel: „Eine empfindsame Reise in einem Automobil“, bei dem er als erster Autofahrer den Gotthard-Pass überquerte. Otto Julius Bierbaum alias Martin Möbius verfasste „Zäpfel Kern“ fünf Jahre vor seinem Tod 1910 in Dresden.

Burkhard Eikelmann meets Peter Karbstein

2010-07-29T17:56:00.001+02:00

Die Kunst wohnt mittlerweile ganz woanders. Das haben wir in früheren Beiträgen schon deutlich gemacht. Daher ist eine direkte, gemeinsame Kooperation zwischen Auktionshaus und Galerie, wie in diesem Fall bei der aktuellen Sommerverkaufsaktion von Eikelmann und Karbstein, im Rahmen des heutigen Kunstmarktverständnisses als völlig normal anzusehen. Die Aufmachung des Auktionskataloges ist bunt, sehr niederschwellig (siehe Bild oben) und in bester Flyertradition im kompletten Anti-Design gestaltet. Ein Einstieg in den Sammlermarkt, gerade um die alten Bekannten, wie Roy und Ramos bis hin zu den Richters und Polkes herum, scheint für jedermann machbar. Angst vor zu viel Intellektuellität und Vorbildung in den Galerie-Gesprächen braucht man bei Besuchen in der Eikelmannschen Galerie wohl nicht zu haben. Hier möchte jemand viele Bilder, egal welcher Provenienz an möglichst alle die zu Hause sind verkaufen. Das dürfen Galerien. Daran ist nichts Verwerfliches. Bei einigem Nachdenken könnte man diese Haltung sogar als ehrlicher empfinden als die vieler anderer Galerien, die mit angehäuften kunstgeschichtlichen Bezugsebenen in Ihren Produkten (diesen Ausdruck benutze ich bewußt) für interessante Desorientierung und Anerkennung beim heimischen Kunstverein zu sorgen versuchen. Aus irgendeinem Grund hat die Galerie Eickelmann bei den sich ernster nehmenden Galerien in Düsseldorf einen erstaunlich zweifelhaften Ruf ... Das könnte an dieser Form der Direktheit liegen, die einfach sagt: sucht Euch einen Namen aus, hier ist das bunte Bild dazu und dann her mit der Kohle. Dabei ist das grosses Kino: Ausverkauf des Popterroirs. Runter mit den Preisen. Terror und Auflösung. Teures billig. Sprachlich wäre die Verbindung zwischen Galerie und Auktionshaus eine Auklerie oder ein Galeraus. Wie gesagt, die Kunst ist sowieso woanders, was solls?
Nix wie hin: three cents off.

The Big Summer Auction
Galerie Burkhard Eikelmann
Ackerstrasse 13, Düsseldorf

Noch einfacher geht es über diesen link die Auflösung des derzeitigen Kunstsystems sichtbar zu machen. Einfach klicken. Hätten Sie den Unterschied bemerkt?

Traurig: die temporäre Kunsthalle Berlin

2010-07-28T11:22:00.001+02:00

Endlich. Eine temporäre Kunsthalle in Berlin. Großartig. Ein Umstand der endlich die Frage aufwirft, was denn eine Kunsthalle heute bedeuten kann. Ob man sich Begriffsbestimmungen überhaupt hingeben soll, bleibt dahingestellt, toll ist jedoch jeder Versuch einer solchen Selbstbestimmung und Hinterfragung. Traurig stimmt dann, dass es hier offensichtlich um ein Projekt ging, bei dem der Begriff temporär hiess, eine manifeste, eigentlich durchgesponsorte Kunsthalle für einen exakt vorbestimmten Zeitraum zu konstruieren. Zusätzlich wurde erneut die altbackene White-Cube Idee eingesetzt. Ansonsten existiert ein für alle wieder erkennbarer traditionell grundmotivierter Kunstbetrieb, der wohl vor allem für die Öffentlichkeit erkennbar funktionieren musste. Kein wirklich mutiges Projekt, das am Selbstbild einmal zu rütteln versucht oder der eklatante Fragen nach der Kunstvermittlung stellt. Als Ergebnis kommt, wie im obigen Artikel beschrieben heraus, daß alles gut gelaufen ist und irgendwie nach Kunst aussieht. Der eigenartige Einwurf des Autors, eine Kunsthalle sollte nichts mit einem Discounter zu tun haben ist nur dann richtig, wenn der Discounter nicht näher an die Kunst heranträgt. Ansonsten ist so eine Aussage Quatsch. Interessanter als eine Kunsthalle mit dem Argument zu fordern berühmte Berliner Künstler würden nicht in Berlin ausstellen können, wäre der Versuch echte Alternativen im Sinne der Kunstvermittlung zu provozieren und ein Gebäude zu entwickeln das Temporäres augenscheinlich macht. Denn das Temporäre bedeutet Bewegung und Bewegung ist etwas Grundsätzliches. Das könnte dazu führen, daß man seine Artikel auch nicht mehr mit einem langweiligen Hinweis auf angeblich fehlenden Wettbewerb zwischen öffentlichen Kunstanbietern abschließen muss... Für wen ist das letztlich relevant?

Das wäre eine gute Frage für den Sockel eines neuen temporären Gebäudes.

Zum Artikel in der „taz“ vom 25.07.2010

Kunsthalle Bielefeld zeigt und Rirkit Tiravanija kocht

2010-07-14T10:00:00.001+02:00

Die offensichtliche Verwirrung des angeblichen „anything goes“ auf dem Sektor der Kunstreflexion führt manche Kuratoren in immer neue thematische Verirrungen und hinein in den starken Sog vollständiger inhaltlicher Schwerelosigkeit. Bielefeld bespielt seine Kunsthalle mit einer Ausstellung von Rirkit Tiravanija. Sie heißt – praktisch alles vorwegnehmend:„ Just smile, don't talk.“ Fluxus lautstark zu mögen und die Kunstferne der eigenen Kunst-Produktion als den Inhalt spiegelnd anzubieten ist ein stets süß bleibendes Geschenk aus der Mottenkiste revolutionärer künstlerischer Ideen. Zumal man den Besuchern sofort mit Suppe das meuternde Maul stopft und dies gleichzeitig als startende Kommunikation versteht. Bei einem Radio-Feature der Ausstellung erfährt man dann im Kuratoren-Interview auch einiges von den zum Kochevent parallel gezeigten großartigen Filmen, wie Fassbinders „Angst essen Seele auf“ oder „Die glorreichen Sieben“ als Spaghetti-Western. Über diese hochwertige filmische Qualität lässt sich gut sprechen – nur, was haben diese Filme wirklich dort zu suchen. Der Verdacht liegt nahe, daß hier auf sehr simple Art und Weise ein brüchiger theoretischer Überbau zusammengeklebt wird. Mit dem angesprochenen bigotten TV-Dinner für Kunstfreunde wird auf sehr schlichte Art die intentionale Einstellung des Künstlers durchgewinkt, der, in Deutschland und anderswo ein politisch unangreifbares und beliebtes Thema, die kulturellen Unterschiede und Formen der kulturellen Integration als sein zentrales Thema verstehen will. Aber aus der Farbe Blau der heissen Kochflamme oder dem Gelb-Rot des Curry ist eben nicht in jedem Fall ein Bezug zur Kunstgeschichte, geschweige denn zur Malerei zu konstruieren. Essen anzubieten und dies als Start eines Gesprächs über wichtige Fragen des Lebens in einen künstlerischen Zusammenhang zu stellen ist nur dann ein ernstzunehmendes Angebot, wenn sich weiterhin innerhalb des Bezugsrahmens fragen lässt, wo die Kunst denn im Spiel der Gewürze geblieben ist. Eine verkrampfte Verknüpfung durch Aussagen wie: „ Kochen ist Kunst“ und „Als Deutscher kocht man Flädlesuppe“ ist weder lustig noch ist es heutig; eine vertane Chance, baut sie doch letztlich auf dem Jargon von Rassen-Klischees und gesellschaftlichen Zusammenhängen auf, die sogar einer zynischen „pre–fab“ Einstellung, bezogen auf die künstlerische Sicht dieser Ausstellung, entspringen könnte.
Nach den Ausführungen lässt sich abschliessend bemerken, daß sowohl dem Künstler als auch den Kunstvermittlern die passenden Zuordnungen abhanden gekommen sind. Ein deutliches Indiz dafür, dass beide noch stets dem kulturell übergeordneten, veralteten, in Teilen unehrlichen Kunst-System verpflichtet sind. Man möchte Herrn Tiravanija zurufen: „Hey, Rirkit, draussen kochen! Da kommt mehr Luft ans Feuer ...“
Identität und kulturelle Integration köcheln weiter auf kleiner Flamme.

„Just smile-don't talk."
Rirkit Tiravanija,
Eintritt vermutlich inklusive Suppe,
Kunsthalle Bielefeld.

Der Künstler als Junge, Teil 1

2010-07-13T16:07:00.000+02:00

An dieser Stelle werden spontane, unreflektierte Aussagen zur Kunst in den Diskurs über die Rolle des Künstlers und der Kunst eingebracht.
Einen geradezu klassischen Beitrag leisten hierbei zwei Schüler eines deutschen Gymnasiums, die beeindruckend klar meine Vorstellung einer neuen Generation von Stadtguerilla darstellen, die sie als sogenannte „citygangster“ in neue, deutlich aktuellere Formen des Widerstands überführen.
Dieser Film ist, auch in Bezug auf seine Stilistik und die benutzten stilbildenden Mittel, Kunstkritik in seiner wohl elementarsten Form.

H.A. Schult baut ein Haus aus Liebe.

2010-07-13T14:08:00.000+02:00

Der an sich schon griffige Ausdruck „Kunstmusikfestival Bergisch Gladbach“ hat noch einen zusätzlichen und selbstverständlich vorangestellten Namen: HA SCHULT. Das dreiteilige Festival findet an diesem Freitag seine Premiere vor Ort. Ein Klaviermarathon, ein Blick in die deutsche Seele und die Reise des Künstlers durch die Kunst sind die verstörenden bis verrückenden Themen des Abends. Der bis heute kontrovers diskutierte und querköpfig PR-orientierte Künstler ist anwesend und wird aktiv seine unbändige Energie in die abendlichen Prozesse einfliessen lassen.
Signierte Poster und eine Orginalgrafik sind in einer limitierten Auflage an diesem Abend erhältlich.

Kunstmusikfestival
Bergisch Gladbach

Freitag, 16. Juli 2010, 20:00 Uhr
Bergischer Löwe
Konrad-Adenauer-Platz
51465 Bergisch-Gladbach
Kartenreservierungen: 02202.38999

NU_DECONTEMPORARY zeigt „fifteen“

2010-06-24T10:25:00.002+02:00

„madonnaboy“ aus der Serie „fifteen“, Fotografie, 2010

Mit dem aktuellem Projekt „fifteen“ eröffnet der Hamburger Fotograf Kai Peters einen emotionalen Zugang zu der als immer abstrakter erlebten Gefühlswelt Jugendlicher und junger Erwachsener. In den zumeist seriellen Arbeiten findet man – aller medialen Überfütterung zum Trotz – ein Höchstmass an menschlicher und fotografischer Intensität.

Kuratierung des Gesamtprojekts: Carsten Reinhold Schulz.

NEW_DECONTEMPORARY zeigt Fotografien auf der ART CONTEMPORARY RUHR zur Kulturhauptstadt 2010 Essen Zollverein, Halle C88 täglich vom 2.-4-July 2010. Besuchen Sie uns am Stand. Wir freuen uns auf Sie und auf viele Gespräche.

Informationen und persönliche Einladungen: +49(0)173.24 054 78

Day of song: das Ruhrgebiet als Nordkorea?

2010-06-07T13:16:00.004+02:00

Möglicherweise ist die Überschrift leicht übertrieben. Natürlich kann es schön sein, wenn Menschen aller Generationen zusammen singen. Da entsteht ein gewaltiges Gefühl. Singen ist ja an sich ein befreiendes Unterfangen. Mich erfüllt es ebenfalls mit ganz großen, aber eher merkwürdigen Emotionen, wenn ich bei der Ruhrgebiets-Sing-Zusammenkunft im ausverkauften Stadion den pseudo-solidaristischen Text: „... was wir alleine nicht schaffen, das schaffen wir dann zusammen ...“ und dann gleich als nächste Textzeile: „... nur, wir müssen geduldig sein, dann dauert es nicht mehr lang ...“ hören muss. Da wird mir persönlich speiübel und den politisch Verantwortlichen aller Couleur lacht das Herz, bei soviel medial eingetrichterter Nachsicht. Als nächster Tiefschlag dann der eigentlich geniale aber mittlerweile etwas gutmenschelnde-Quoten-Schwarze Bobby McFerrin. Er darf auf „Let it be.“, bisweilen schwummerig, aber in seiner allseits beliebten Manier ein wenig improvisieren. „Let it be.“ heisst letztendlich: „Schwamm drüber.“ Ein Text, der von mir nicht kommentiert werden muss und den im Stadion alle singen konnten. Glück gehabt, dass das Lied „Die Wacht am Rhein“ nicht mehr zum allgemein bekannten Liedgut gehört. Aus praktischen Erwägungen hätte man möglicherweise auch dieses Singmotiv noch ins Auge gefasst. Kurz bevor ich die Übertragung zur besten Sendezeit ausschalten wollte, erscheint ein hochmotivierter Herr im Anzug und teilt das Stadion in vier Gruppen und alle singen sodann im Kanon: „Hejo, spannt den Wagen an ...“ Endlich wurde also auch der Wunsch nach einer Steigerung des Bruttosozialprodukt direkt musikalisch in Szene gesetzt. Auch dieses Lied wird frenetisch bejubelt und besungen. Nur fehlte, für meinen Geschmack, die schöne Ironie des bekannten Liedes von „Geier Sturzflug“ aus den 1980er Jahren. Jajaja, jetzt wird wieder in die Hände gespuckt. Wer hat die Liedauswahl bei diesem Sing-Sang vorgenommen? Ein Parteienausschuss? Und wieso wird für ein solches Spektakel die allerbeste Sendezet bemüht, wieso taucht man diesen Liedabend nicht – wie die Sendung des philosophischen Quartetts – in die dunklen Sendeschatten nach Mitternacht? Dort werden die wichtigen Fragen und Zusammenhänge dieser Gesellschaft normalerweise besprochen. Der profane Grund dafür ist: ein nordkoreanisch motivierter Singabend ist der leichtere Weg, die Menschen in Deutschland weiterhin unterschätzen zu dürfen. Nur durch dieses Unterschätzen und Kleinhalten, es wird bezeichnenderweise Unterhaltung genannt, mit sprachlich schwurbelnden Minimalmotiven und Ansätzen aus der musikalischen Larifariküche lässt sich auf breiter Ebene das Eigenbild der politisch Verantwortlichen Gruppen bewahren, sie würden gut für alle sorgen und alle wären zufrieden. Es wird ebenso stetig deutlicher, das die Kulturmacher ihre ehemals freie Rolle längst aufgegeben haben und sich der sozialen Unterdrückung durch Mittelmass und eine monströse Verkennung ihrer veränderten Aufgaben schuldig machen.

Sing it again, Sam.

Ruth Leuchter, die Erste.

2010-05-31T00:15:00.008+02:00

Han Schuil, Martijn Schuppers und Ab van Hanegem. So heißen die drei niederländischen Künstler die Ruth Leuchter als erste in ihre neuen Galerieräume an der Lindenstrasse gelassen hat. Ab van Hanegem ist es zugefallen, die Ausstellung trotz oder gerade wegen eigener Beteiligung zu kuratieren. Die Niederlande scheint an diesem Abend omnipräsent zu sein, Flingern und sein kreatives Flair hat immer noch mehr Fahrradfahrer als jeder andere Stadtteil Düsseldorfs. Galerien mit Traute sind in Düsseldorf insgesamt nicht richtig beheimatet, da freut es um so mehr, wenn sich Galeristinnen ansiedeln, die eindeutig gute Arbeiten von schlechten unterscheiden können. Ruth Leuchter ist mit Lust und Verstand bei der Sache. Das zeigen die liebevoll umgestalteten Räume, die bereits als Präsentationsfläche für Off-Kunst erprobt waren. Nicht zu vergessen: der entzückende Hinterhof. Die Verteilung der Räume wirkt einladend persönlich und ist ein schöner Kontrast zu den immer musealer werdenden Wirkungen die manche Galeristen zu erzielen versuchen. Ruth Leuchter zeigt sich offen, vorhanden, ist symphatisch ansprechbar und ohne Berührungsängste inmitten einer Kiez- Umgebung, die sich als gutes Kunstumfeld für jüngere Galerien immer wieder beweisen muss. Ab van Hanegem, der eine sehr sichere Hand bei der Kombination von Raumwirkungen durch malerische Gesten und der Nutzung von Schablonentechniken hat, die übrigens auch gerne in der Streetart Verwendung finden, verbindet seine farbig-gelösten Bilder mit den eindruckmachenden, signalhaften Arbeiten auf Aliuminium des 1958 geborenen Han Schuil. Was diese Maler zusammen ausstellen lässt ist etwas schwer zu erkennen. Han Schuil kombiniert überzeugend Wirkungen und Material aus der jüngeren Kunstgeschichte, Ab van Hanegem ist in der Lage, beinahe surrealistische Assoziationsräume auf überraschende Art zu umgehen. Das kann beides richtig Spaß machen. Der dritte Künstler ist Martijn Schuppers, der, ich möchte es lapidar ausdrücken, eine Art emulsionsgesteuerte Malerei bevorzugt. Das Ergebnis ist so etwas wie ein schönes Bild, über das man eigentlich nicht mehr sprechen kann und das damit Anlass zur Entwicklung eines theoretischen Überbaus evoziert.

Insgesamt jedoch eine gelungene Ausstellung der Galerie Ruth Leuchter, die mit einem einzigen Künstler möglicherweise einen klareren Auftritt hätte verbuchen können. Dieses künstlerkuratierte Experiment zeigt aber den seltenen Willen zum Neuland und lässt in das noch zu erwartende Spektrum der Galerie schauen.

Auf jeden Fall selber ein Bild machen.

Empfehlenswert.

Galerie Ruth Leuchter

hermannstr. 36 / ecke lindenstr. | 40233 düsseldorf

phone: +49 (0)211 32 97 91
mobil: +49 (0)172 2 70 39 42
fax: +49 (0)211 13 20 91

Di-Fr. 13.00 - 18.00 Uhr
Sa. 13.00 - 16.00 Uhr

Über-Ich, Übermüll.

2010-05-28T14:11:00.005+02:00

So man will, ist es das Unbedeutende das Auskunft geben kann. Was unbedeutend sein soll, wird durch entsprechende Vorteile zur Durchsetzung persönlicher oder gesellschaftlich angedeuteter Ziele bestimmt. Vorteile sind dabei die zumeist kurzsichtigen Attribute von Einfluss und Wohlergehen. Sie werden durch massive Werbeunterstützung medial vorgelebt und mutieren – so schlicht sind wir gestrickt – zu sogenannten guten, bzw. präsentablen Lebensvorstellungen. Da für die meisten Menschen das Leben kurz wirkt, vermutlich weil sie die lebensverlängernden Momente von Stille mit denen der Langeweile verwechseln, ist schnelle Konsumption längst Routine. Produkte zu nutzen bedeutet, im Jahre 2010 trotz aller Aufklärung mehr denn je, auch den Abfall durch seine Finanzierung beim Kauf mitzuproduzieren. Diese Ummantelungen, Schachtelungen, Verpackungen, Einschnürungen, Dämm- und Dämpfungsmaterialien lesen sich bereits als Begriffe wie tiefenpsychologische Deutungen heutiger Lebensmodelle. Schneller Verbrauch ermöglicht die mentale Verdrängung einer sich stets wieder einfordernden inneren Leere. Konsum westlicher Prägung dient damit der Unterdrückung von systemerneuernden Ideen und Ressourcen. Reste des Konsums heißen nach unserem Sprachverständnis derzeit noch: „Müll“. Die mit unfassbaren Verrottungszeiten ausgestatteten Entsorgungsprodukte glitzern zunehmend als Plastik auf den Meeren dieser Welt und formen sich mit Hilfe von Wind und Gezeiten zu bis in den Weltraum hinaufspiegelnden Inseln unseres Seins. Als Masse ist Müll somit das umfangreichste kulturell motivierte Produkt unserer offensichtlich auf Vereinigung zielenden Zivilisationen.
Als Signal für notwendige Transformationen ist er ein Indikator der wichtigsten Zukunftsentscheidungen und ebenso erschütternder Beweis menschlicher Borniertheit, Arroganz und Schwäche.
Schwäche ist somit das Material jeder wichtigen Kunst im 21. Jahrhundert.

SAVE THE BEACH
Visit the
Beach Garbage Hotel
Reception
Thursday, June 3rd, 2010, 7:00 p.m.
Sant Angelo Castle, Rom, Italy

Die Versuchungen eines jungen Kurators

2010-05-17T22:28:00.000+02:00

Formen verschleiernder Rhetorik haben längst auch einen festen Platz im Handwerkszeug des Kurators bildender Kunst erhalten. Wie entstehen eigentlich die auratisch scheinenden Titel der großen und kleinen Kunstausstellungen? Die Würfe und grossen Gesten des Musealen? Um allen interdisziplinär Interessierten Einblicke in die Methodik dieser wichtigen und nicht zuletzt sprachlich teilweise regelrecht wunderlichen Findungsprozesse zu geben, werde ich hier mehrere unterschiedliche Titel inklusive der zugehörigen Subline veröffentlichen. Daran lässt sich vieles ablesen, z.B. die politische Ausrichtung der Museumsleitung, ohne Details interpretieren zu müssen. Entsprechende Zuordnungen und Bewertungen sind dann einfach. Versuchen Sie es nach der Lektüre selbst mit Eigenfindungen. Als Novum und Bonus werden die unten genannten Titel frei nutzbar ab dem 01.06.2010 und für ganz junge Ausstellungsmacher kostenfrei zur Verfügung gestellt.

Kongruenz und Doppelung des Femininen

Die jungen Malerinnen des Bernauer Kreises

Blüten des Brachialen: Actionpainting und Körperkult.

Die frühen Serien des Ludger Horvaldson

Die Ächtung der Farbe.

Exkursionen durch die lange Herrschaft des Materials

Portrait und Selbsterhaltung.

Vierzehn Bild-Studien zu einer ungenauen Entwicklung um1980.

Trauma, Dada, Surrealismus:

das Unbewusste als Zweifelraum

Kultus und Zensus.

Die Vormundschaft der Erhabenheit.

Architektonisch orientierte Miniaturen.

Transatlantische Reliefs und Prägedrucke des 21.Jahrhundert.

Im Fremden die Zeichnung.

Bilder interdisziplinärer Distanzierung.

Flags, Constructions, Images.

Johns meets Tatlin.

Collage und Décollage:

Die obskuren Bildwelten Oswald Bidelens

Kunst als manifestierte Bewegung.

Die déformation professionelle in der aktuellen Kunst.

Brüder und Bluter.

Das Theater der Geschwister Blundhorst

L’ Harsch Gummé

Fetischbilder als Kulturtechnik der Unterdrückung

Diese Veröffentlichung ist lizensiert von NU_DECONTEMPORARY

Walking the Art Cologne 2010

2010-04-27T00:06:00.005+02:00

Die Art Cologne ist fast wieder rund und das Rheinland ist nicht kleinlich. Alles findet sich. Alle haben sich schon mal gesehen. An jedem dritten Stand winkt Imi Knoebel mit einem farbigen Unterarm und an jedem zweiten Messestand ein hölzerner Balkenhol. Ein solches Überangebot irritiert aber nur die letzten Gutgläubigen, die meinen, eine Kunstmesse habe vorrangig mit Einzigartigkeit zu tun. Imi und Stephan gehen halt gut ... Das Klima auf der 2010er Kunst-Messe ist deutlich gelöster als noch vor zwei Jahren. In dieser Zeit fraternisierte man nicht mit den Galerie-Konkurrenten, die mittlerweile wieder Mitbewerber heißen. Man ist voll Liebe für den Anderen und deutet ein einladenes Lächeln an. Tatsächlich dürfte dieses Klima für eine Messe wie Köln immens wichtig sein. Die immer für Überraschungen bereite Galerie Steinek aus der Wiener Eschenbachgasse, aus dem übrigens gut vertretenen Österreich, hat ihr letztes Fernbleiben auch mit dem Erkalten der Gefühle zwischen den Kunst-Anbietern zu erklären versucht. Ich habe ihr sofort geglaubt. Die eben genannte Galerie gehörte auch zu den Ständen, die definitiv einen zweiten Blick lohnten. Mit Clemens Wolf wurde ein Künstler mitgebracht, der aus dem derzeit interessanten und schwierigen Terrain der ehemaligen Illegalität Wege sucht, einmal erfundene Bilder der sogenannten Street-Art weiterzuentwickeln und an die Geschichte des Tafelbilds wieder anzudocken. Das ist ein wichtiger und sehr jetziger Ansatz, nicht nur ein wirkliches - weil kaum merkliches - Spiel mit der Monochromie. Man kann bei diesem Künstler die Ernsthaftigkeit seines Tuns daran ablesen, dass seine Malerei stark aus urbaner Tiefe und gleichzeitig aus einem versuchenden Spiel schöpft. Überzeugende Bilder, platziert hinter einer etwas überzogen wirkenden goldenen Installation, die man zum Betrachten der Bilder erst überwinden musste.
Wenn der Besucher schließlich die Küsschen-Schwärme und schwirrenden Fotografen der für all ihr Tun belohnten Gruppe Grässlin – mit einem sehr schönen Herbert Brandl – hinter sich gelassen hat und danach das gleichbleibend mechanistische Weltbild des Konrad Klapheck bei der Bank von Schönewald & Beuse überwindet, entdeckt bei der Hamburger Galerie Levy plötzlich einen interessanten Menschen und Künstler: Friedrich Einhoff. Bilder mit Sensibilität, eine moderne, sinnhafte Auseinandersetzung mit dem Menschenbild, eine poetische Tiefe ohne Übertreibung und ohne Anbiederung. Kaum zu glauben und weitgehend unbekannt.
Dann geht es schon weiter mit den vollständig überbewerteten Bildern von Katharina Grosse bei der Galerie Nächst St. Stephan. Eigentlich findet man nur etwas unfreiwillig Amateurhaftes darin. Ein Eindruck der vielleicht mit einem auf Kunsthallengröße aufgeblasenen Format wieder verschwinden kann. Zum Glück hat auch diese Galerie schlauerweise den talentierten Brandl als Ausgleich mitgebracht. Überzeugende Arbeiten beim Auftritt der Galerie Onrust aus Amsterdam, deren programmatischer Name allerdings erstmal an ein wilderes Konzept denken lässt. Unbedingt denkenswert die Arbeiten Anish Kapoors bei Paragon Press aus London. Seine Radierungen „Untitled from shadows“ treten als wirkliche Ideen auf. Wenn alle nur zitieren und Bezug nehmen sind echte Ideen selten.
Überaschungen hat keiner gesucht und auch keiner gefunden. Eine Menge Galerien aus dem Rheinland ließen sich international finden. Die Nähe zur Kulturhauptstadt 2010 mit dem angeblich an Kultur so reichen Ruhrgebiet ließ sich dagegen überhaupt nicht bemerken. Zwei Galerien waren da: Utermann aus Dortmund, Schlag aus Essen - war Essen nicht auch Kulturhauptstadt?
Egal: Köln ist für einige Tage wieder Cologne gewesen und dann eben eine ganze Welt für sich.

Art Cologne und der Galerist des Jahres

2010-04-26T23:30:00.002+02:00

Christian Ehrentraut aus Berlin war der überzeugendste und in diesem Fall lachende Prototyp bei unserer Suche nach dem Galeristen des Jahres 2010. Zu erleben war die Galerie mit der klaren Ansprache gerade auf der Art Cologne, hier zu sehen in Arbeitshaltung am Stand vor den Bildern von Franziska Holstein. Die aktuelle Ausstellung in der Berliner Galerie Christian Ehrentraut an der Friedrichstrasse zeigt Tilo Baumgärtl. Ausstellungsdauer: 10.04.-05.06.2010

Die Laudatio zur Verleihung des Titels „Galerist des Jahres“ wird an dieser Stelle in Kürze schriftlich veröffentlicht. Der Titel „Galerist des Jahres “ wird vom neuen Kunst- und Galerienmagazin GALPORT und diesem Blog zur Kulturkritik gemeinsam vergeben. Bitte beachten Sie auch folgenden Link zur Galerie Ehrentraut:

www.christianehrentraut.com

On a mission.

2010-04-19T14:44:00.003+02:00

Reminder:

Stefan à Wengen
The Mission
Kunstmuseum Luzern
Europaplatz 1
CH–6002 Luzern
30.04. – 01.08.2010